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30 sonetti di Shakespeare traditi e tradotti da Dario Jacobelli

con Lino Musella

e Marco Vidino cordofoni e percussioni

regia Lino Musella

produzione Associazione Culturale Cadmo

durata 60’

Lino Musella, abituato a muoversi tra cinema e teatro, è qui protagonista di un affascinante percorso poetico attraverso gli immortali versi di Shakespeare, qui “traditi” in napoletano dall’artista Dario Jacobelli. L’ammore nun’è ammore è un originale ‘recita dei sentimenti’ tra emozioni, atmosfere magnetiche e intensi desideri. Musella racconta l’amore, la bellezza e la caducità della vita in una lingua coraggiosa, viscerale e seducente. Ad affiancarlo sulla scena, Marco Vidino con le sue musiche suggestive e avvolgenti che accompagnano gli spettatori in questo intimo viaggio.

“Dario Jacobelli, poeta scomparso prematuramente nel 2013, autore di racconti e romanzi, abile paroliere per musicisti come i Bisca, i 99 Posse e gli Almamegretta, si dedicò negli ultimi anni della sua vita alla traduzione in napoletano e al tradimento, come amava definirlo, di 30 Sonetti di Shakespeare. Non aveva scadenze, non doveva rispettare le indicazioni o correzioni di nessun editore. Per committenti aveva i suoi amici più cari ai quali dedicava ogni sua nuova traduzione. I Sonetti in napoletano suonano bene. Battono di un proprio cuore. Indossano una maschera che li costringe a sollevarsi dal foglio per prendere il volo, tenendo i piedi per terra”. (Lino Musella)

Musella ha ricavato uno spettacolo intenso e vibrante, che conferma il suo talento e lo consacra oggi tra i migliori attori in circolazione. Coadiuvato dal bravo e versatile Marco Vidino ai cordofoni e alle percussioni, Musella dimostra una forza scenica magnetica e una capacità quasi sciamanica di suscitare emozioni, con la complicità di una lingua (in napoletano di Jacobelli), che è un efficace misto di tradizione letteraria e slang contemporaneo. (Fabrizio Coscia, Il Mattino)

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regia Daniele Costantini

Laura Morante voce recitante

Davide Alogna violino

Luca Provenzani violoncello

musiche di Johann Sebastian Bach, Reinhold Gliere, Maurice Ravel, George Friedrich
Haendel/Johann Havorsen

testo Laura Morante

produzione AidaStudioProduzioni

direttore di produzione: Elena Marazzita

durata 60’

Sei straordinarie figure femminili delle tragedie di Eschilo, Sofocle ed Euripide si raccontano sullo sfondo del tragico retaggio della guerra in un monologo vibrante, impetuoso ma anche intimo e introspettivo.

La sanguinosa guerra di Troia, durata dieci anni, si è conclusa con la vittoria dei Greci, ma le donne, greche o troiane, mogli, figlie o sorelle dei trionfatori o degli sconfitti, hanno tutte pagato un amarissimo tributo. Hanno perduto padri o sposi amati, oppure da sposi o padri sono state ingannate, tradite, abbandonate. I vincitori hanno infierito sui vinti, le donne troiane, prede di guerra dei soldati greci, sono costrette a servire gli assassini dei propri figli e dei propri sposi, come schiave o concubine, invise alle loro mogli legittime. Sei straordinarie figure femminili delle tragedie di Eschilo, Sofocle ed Euripide si raccontano sullo sfondo del tragico retaggio della guerra.

Tre greche, Clitemnestra, Elettra ed Elena, e tre troiane, Cassandra Ecuba e Andromaca.

Accogliendo e rielaborando opere differenti, i sei monologhi mettono in scena personaggi controversi, che è difficile sottoporre a un giudizio morale.

…Non ci resta, credo, che sospendere il giudizio e lasciarci trascinare nel vortice delle loro passioni.

(Laura Morante)

Laura Morante, attrice, regista e sceneggiatrice italiana, è una delle interpreti più raffinate del cinema italiano, nota per il suo stile elegante e per la sua intensa espressività.

Ha iniziato la sua carriera come attrice teatrale, collaborando con il grande regista Carmelo Bene. Il suo debutto cinematografico avviene nel 1980 con il film Oggetti smarriti di Giuseppe Bertolucci, ma la notorietà arriva con Nanni Moretti, che la dirige in Sogni d’oro (1981) e soprattutto in La stanza del figlio (2001), che vince la Palma d’Oro a Cannes.
Nel corso della sua carriera, ha lavorato con numerosi registi di prestigio, tra cui: Gabriele Salvatores, Pupi Avati, Paolo Virzì, Gianni Amelio, Alain Resnais e Manuel Poirier.

Ha ricevuto diversi premi, tra cui il David di Donatello e il Nastro d’Argento per le sue straordinarie interpretazioni.

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con

Giancarlo Ratti

Ivano Falco

Viviana Altieri

Cristiano Dessi

Beatrice Coppolino

E con

Rosario Coppolino

Regia

Emilio Solfrizzi

Scene Fabiana Di Marco
Luci Mirko Oteri
Costumi Alessandra Benaduce

produzione Compagnia Moliere Roma

durata 120’

La Commedia torna al Segesta Teatro Festival con un’opera di Plauto, l’autore teatrale che più influenzò il teatro occidentale, tra le più conosciute. Il carattere ludico della Commedia latina richiama il pubblico ad avere la consapevolezza che si stia partecipando a una finzione, al gioco teatrale. Caratteristica dello stile plautino è la contaminazione, che consiste nel comporre una commedia utilizzando personaggi o scene provenienti da più commedie, come nel caso dell’Anfitrione, usate come modelli. Anfitrione è una delle commedie più celebri di Plauto. La trama ruota attorno a un soldato di nome Anfitrione e al suo servo Sosia, che tornano a casa dopo una lunga campagna militare. Nella commedia si sviluppano una serie di equivoci, situazioni buffe e colpi di scena. Inganni che creano una girandola di situazioni esilaranti in cui i personaggi si confondono sulle identità di chi hanno di fronte offrendo al pubblico uno spettacolo esilarante. Un’opera incredibilmente divertente ma anche una fonte preziosa e importante per il suo valore storico linguistico che può essere usata come lente attraverso cui analizzare e commentare la contemporaneità. Insomma, un Plauto modernissimo: quante volte pensiamo di aver di fronte qualcuno ed invece abbiamo di fronte qualcun altro sbagliando le nostre valutazioni? E quanto spesso non siamo all’altezza dei ruoli che gli altri ci danno?

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con

Giancarlo Ratti

Ivano Falco

Viviana Altieri

Cristiano Dessi

Beatrice Coppolino

E con

Rosario Coppolino

Regia

Emilio Solfrizzi

Scene Fabiana Di Marco
Luci Mirko Oteri
Costumi Alessandra Benaduce

produzione Compagnia Moliere Roma

durata 120’

La Commedia torna al Segesta Teatro Festival con un’opera di Plauto, l’autore teatrale che più influenzò il teatro occidentale, tra le più conosciute. Il carattere ludico della Commedia latina richiama il pubblico ad avere la consapevolezza che si stia partecipando a una finzione, al gioco teatrale. Caratteristica dello stile plautino è la contaminazione, che consiste nel comporre una commedia utilizzando personaggi o scene provenienti da più commedie, come nel caso dell’Anfitrione, usate come modelli. Anfitrione è una delle commedie più celebri di Plauto. La trama ruota attorno a un soldato di nome Anfitrione e al suo servo Sosia, che tornano a casa dopo una lunga campagna militare. Nella commedia si sviluppano una serie di equivoci, situazioni buffe e colpi di scena. Inganni che creano una girandola di situazioni esilaranti in cui i personaggi si confondono sulle identità di chi hanno di fronte offrendo al pubblico uno spettacolo esilarante. Un’opera incredibilmente divertente ma anche una fonte preziosa e importante per il suo valore storico linguistico che può essere usata come lente attraverso cui analizzare e commentare la contemporaneità. Insomma, un Plauto modernissimo: quante volte pensiamo di aver di fronte qualcuno ed invece abbiamo di fronte qualcun altro sbagliando le nostre valutazioni? E quanto spesso non siamo all’altezza dei ruoli che gli altri ci danno?

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con

Giancarlo Ratti

Ivano Falco

Viviana Altieri

Cristiano Dessi

Beatrice Coppolino

E con

Rosario Coppolino

Regia

Emilio Solfrizzi

Scene Fabiana Di Marco
Luci Mirko Oteri
Costumi Alessandra Benaduce

produzione Compagnia Moliere Roma

durata 120’

La Commedia torna al Segesta Teatro Festival con un’opera di Plauto, l’autore teatrale che più influenzò il teatro occidentale, tra le più conosciute. Il carattere ludico della Commedia latina richiama il pubblico ad avere la consapevolezza che si stia partecipando a una finzione, al gioco teatrale. Caratteristica dello stile plautino è la contaminazione, che consiste nel comporre una commedia utilizzando personaggi o scene provenienti da più commedie, come nel caso dell’Anfitrione, usate come modelli. Anfitrione è una delle commedie più celebri di Plauto. La trama ruota attorno a un soldato di nome Anfitrione e al suo servo Sosia, che tornano a casa dopo una lunga campagna militare. Nella commedia si sviluppano una serie di equivoci, situazioni buffe e colpi di scena. Inganni che creano una girandola di situazioni esilaranti in cui i personaggi si confondono sulle identità di chi hanno di fronte offrendo al pubblico uno spettacolo esilarante. Un’opera incredibilmente divertente ma anche una fonte preziosa e importante per il suo valore storico linguistico che può essere usata come lente attraverso cui analizzare e commentare la contemporaneità. Insomma, un Plauto modernissimo: quante volte pensiamo di aver di fronte qualcuno ed invece abbiamo di fronte qualcun altro sbagliando le nostre valutazioni? E quanto spesso non siamo all’altezza dei ruoli che gli altri ci danno?

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traduzione di Walter Lapini

regia Daniele Salvo

con

Clara Borghesi, Davide Carella, Carlotta Ceci, Federica Clementi, Giovanni Costamagna, Alessandra Cosentino, Cristian D’Agostino, Lorenzo Ficara, Ludovica Garofani, Gemma Lapi, Zoe Laudani, Marco Maggio, Arianna Martinelli, Carlo Marrubini Boulan, Giuseppe Oricchio, Carloandrea Pecori Donizetti, Beatrice Ronga, Massimiliano Serino, Davide Sgamma, Francesca Sparacino, Stefano Stagno, Giovanni Taddeucci, Siria Veronese Sandre.

costumi Marcella Salvo

Sartoria INDA Fondazione

scene scenotecnica INDA Fondazione

collaborazione ai movimenti Jacqueline Boulnès

acting coach Melania Giglio

durata 120’

Questa produzione dell’Orestea non si limita a raccontare una storia antica. La nostra sfida è quella di dare voce alla tragedia di Eschilo come se fosse una questione irrisolta, un grido che continua a echeggiare nei secoli. I 23 attori dell’Accademia dell’INDA sono il cuore pulsante di questa esperienza, chiamati non solo a incarnare i protagonisti di una saga mitologica, ma a vivere in prima persona il conflitto che essa rappresenta: quello tra l’individuo e il destino, tra l’umanità e il divino. L’Orestea di Eschilo, tradotta da Walter Lapini, si impone come una delle sfide più ardue e affascinanti per chi desidera affrontare il teatro antico con occhi e cuore moderni. La trilogia eschilea, che intreccia mito, giustizia e destino, è il fondamento stesso della tragedia greca, una macchina drammatica complessa che non ha smesso di interrogare l’uomo e la sua condizione. In questa produzione, la regia di Daniele Salvo si propone di rispettare il testo in modo assoluto, ma con un’interpretazione contemporanea che ne esalta la potenza visiva ed emotiva. L’Orestea di Eschilo, per il suo valore universale, è stata più volte reinterpretata nella storia del teatro contemporaneo, e uno degli esempi più significativi è la versione curata da Luca Ronconi nel 1974, che ha profondamente segnato il panorama teatrale italiano. La regia di Daniele Salvo, pur seguendo la sua direzione originale, si inserisce in un dialogo ideale con quella storica messa in scena di Ronconi, cercando di mantenere viva la forza tragica di Eschilo e al contempo proponendo una lettura personale e attuale del materiale antico.

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traduzione di Walter Lapini

regia Daniele Salvo

con

Clara Borghesi, Davide Carella, Carlotta Ceci, Federica Clementi, Giovanni Costamagna, Alessandra Cosentino, Cristian D’Agostino, Lorenzo Ficara, Ludovica Garofani, Gemma Lapi, Zoe Laudani, Marco Maggio, Arianna Martinelli, Carlo Marrubini Boulan, Giuseppe Oricchio, Carloandrea Pecori Donizetti, Beatrice Ronga, Massimiliano Serino, Davide Sgamma, Francesca Sparacino, Stefano Stagno, Giovanni Taddeucci, Siria Veronese Sandre.

costumi Marcella Salvo

Sartoria INDA Fondazione

scene scenotecnica INDA Fondazione

collaborazione ai movimenti Jacqueline Boulnès

acting coach Melania Giglio

durata 120’

Questa produzione dell’Orestea non si limita a raccontare una storia antica. La nostra sfida è quella di dare voce alla tragedia di Eschilo come se fosse una questione irrisolta, un grido che continua a echeggiare nei secoli. I 23 attori dell’Accademia dell’INDA sono il cuore pulsante di questa esperienza, chiamati non solo a incarnare i protagonisti di una saga mitologica, ma a vivere in prima persona il conflitto che essa rappresenta: quello tra l’individuo e il destino, tra l’umanità e il divino. L’Orestea di Eschilo, tradotta da Walter Lapini, si impone come una delle sfide più ardue e affascinanti per chi desidera affrontare il teatro antico con occhi e cuore moderni. La trilogia eschilea, che intreccia mito, giustizia e destino, è il fondamento stesso della tragedia greca, una macchina drammatica complessa che non ha smesso di interrogare l’uomo e la sua condizione. In questa produzione, la regia di Daniele Salvo si propone di rispettare il testo in modo assoluto, ma con un’interpretazione contemporanea che ne esalta la potenza visiva ed emotiva. L’Orestea di Eschilo, per il suo valore universale, è stata più volte reinterpretata nella storia del teatro contemporaneo, e uno degli esempi più significativi è la versione curata da Luca Ronconi nel 1974, che ha profondamente segnato il panorama teatrale italiano. La regia di Daniele Salvo, pur seguendo la sua direzione originale, si inserisce in un dialogo ideale con quella storica messa in scena di Ronconi, cercando di mantenere viva la forza tragica di Eschilo e al contempo proponendo una lettura personale e attuale del materiale antico.

Lo spettacolo è SOLD OUT
Non sono più disponibili biglietti

spettacolo scientifico di narrazione dei miti celesti, proiezioni astronomiche ed estemporanea musicale

musica dal vivo e sound art Alfredo Giammanco

voce recitante Marcello Barrale

e gli operatori scientifici del Planetario di Palermo

produzione Urania

durata 40’

Urania, ente che si occupa di divulgazione scientifica a più livelli e che gestisce il Planetario e il Museo astronomico di Palermo, presenta uno spettacolo multidisciplinare, in forma di racconto teatrale dedicato alla Via Lattea, con proiezioni in diretta delle reali immagini dei corpi celesti riprese da uno speciale strumento, e con la narrazione dei relativi miti legati alla costellazione e la descrizione scientifica dello stesso condotta da Marcello Barrale, divulgatore scientifico e filosofo della scienza. Il pubblico potrà seguire seduto la proiezione e la spiegazione che sarà accompagnata da musica LIVE ELECTRONICS realizzata dal musicista Alfredo Giammanco, esperto di musica analogica e SOUND ART. Lo spettacolo partirà dalla descrizione della Via Lattea e saranno poi puntati e proiettati in diretta varie tipologie di oggetti di profondo cielo, da nebulose ad ammassi stellari, sino a galassie lontane. La musica farà da sottofondo alle spettacolari immagini. La lezione spettacolo, che ha registrato nella precedente edizione del Segesta Teatro Festival 2024 il tutto esaurito coinvolgendo il pubblico in ogni istante, è un unicum tra narrazione del cielo e proiezioni di cielo virtuale e reale. Un evento unico nel suo genere, una narrazione teatralizzata e musicale dei corpi celesti proiettati in diretta dal telescopio su un maxi schermo con in fondo  la magnificenza del  tempio.

Lo spettacolo è SOLD OUT
Non sono più disponibili biglietti

spettacolo scientifico di narrazione dei miti celesti, proiezioni astronomiche ed estemporanea musicale

musica dal vivo e sound art Alfredo Giammanco

voce recitante Marcello Barrale

e gli operatori scientifici del Planetario di Palermo

produzione Urania

durata 40’

Urania, ente che si occupa di divulgazione scientifica a più livelli e che gestisce il Planetario e il Museo astronomico di Palermo, presenta uno spettacolo multidisciplinare, in forma di racconto teatrale dedicato alla Via Lattea, con proiezioni in diretta delle reali immagini dei corpi celesti riprese da uno speciale strumento, e con la narrazione dei relativi miti legati alla costellazione e la descrizione scientifica dello stesso condotta da Marcello Barrale, divulgatore scientifico e filosofo della scienza. Il pubblico potrà seguire seduto la proiezione e la spiegazione che sarà accompagnata da musica LIVE ELECTRONICS realizzata dal musicista Alfredo Giammanco, esperto di musica analogica e SOUND ART. Lo spettacolo partirà dalla descrizione della Via Lattea e saranno poi puntati e proiettati in diretta varie tipologie di oggetti di profondo cielo, da nebulose ad ammassi stellari, sino a galassie lontane. La musica farà da sottofondo alle spettacolari immagini. La lezione spettacolo, che ha registrato nella precedente edizione del Segesta Teatro Festival 2024 il tutto esaurito coinvolgendo il pubblico in ogni istante, è un unicum tra narrazione del cielo e proiezioni di cielo virtuale e reale. Un evento unico nel suo genere, una narrazione teatralizzata e musicale dei corpi celesti proiettati in diretta dal telescopio su un maxi schermo con in fondo  la magnificenza del  tempio.

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musica dal vivo e sound art Alfredo Giammanco

voce recitante Marcello Barrale

e gli operatori scientifici del Planetario di Palermo

produzione Urania

durata 40’

Urania, ente che si occupa di divulgazione scientifica a più livelli e che gestisce il Planetario e il Museo astronomico di Palermo, presenta uno spettacolo multidisciplinare, in forma di racconto teatrale dedicato alla Via Lattea, con proiezioni in diretta delle reali immagini dei corpi celesti riprese da uno speciale strumento, e con la narrazione dei relativi miti legati alla costellazione e la descrizione scientifica dello stesso condotta da Marcello Barrale, divulgatore scientifico e filosofo della scienza. Il pubblico potrà seguire seduto la proiezione e la spiegazione che sarà accompagnata da musica LIVE ELECTRONICS realizzata dal musicista Alfredo Giammanco, esperto di musica analogica e SOUND ART. Lo spettacolo partirà dalla descrizione della Via Lattea e saranno poi puntati e proiettati in diretta varie tipologie di oggetti di profondo cielo, da nebulose ad ammassi stellari, sino a galassie lontane. La musica farà da sottofondo alle spettacolari immagini. La lezione spettacolo, che ha registrato nella precedente edizione del Segesta Teatro Festival 2024 il tutto esaurito coinvolgendo il pubblico in ogni istante, è un unicum tra narrazione del cielo e proiezioni di cielo virtuale e reale. Un evento unico nel suo genere, una narrazione teatralizzata e musicale dei corpi celesti proiettati in diretta dal telescopio su un maxi schermo con in fondo  la magnificenza del  tempio.

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Medea Melania Giglio

Giasone Michele Lisi

Creonte Alfonso Veneroso

Nutrice Marcella Favilla

Coro Simone Ciampi, Cinzia Cordella, Silvia Pietta, Salvo Lupo

scene Daniele Salvo

costumi Daniele Gelsi

regia Daniele Salvo

una produzione Amenanos Festival/Associazione Culturale DIDE – Michele Di Dio Management Srl

durata 100’

Medea è l’emblema della condizione umana: un essere intrappolato tra il desiderio di vendetta e la consapevolezza della propria solitudine cosmica. Non c’è redenzione per Medea, solo il vuoto che segue la distruzione. Questa visione pessimistica e quasi esistenziale del mito si riflette in una regia che non cerca di offrire soluzioni o consolazioni, ma solo di mettere in scena l’ineluttabilità della tragedia. Questa lettura di “Medea” di Seneca è profondamente radicata nella psicologia del personaggio e nell’analisi delle forze archetipiche e ultraterrene che lo muovono. Il risultato è una tragedia potente, viscerale e inquietante, che esplora le profondità dell’animo umano attraverso un personaggio che sfida ogni legge e ogni confine, in una battaglia titanica contro il destino. (Daniele Salvo)

Daniele Salvo, attore e regista, ha collaborato con Luca

Ronconi per quasi 18 anni, come attore, in ruoli di primo piano, assistente alla regia e regista collaboratore. Tra le sue regie più note, Coefore/Eumenidi di Eschilo, Aiace, Edipo Re, Edipo a Colono di Sofocle con Giorgio Albertazzi, con cui ha avviato una lunga collaborazione, e La Pace di Aristofane, tutte al Teatro Greco di Siracusa. Ha inoltre diretto, tra le tante regie, altre opere dei tragici, tra cui Dionysus in Romania, Prometheus di Eschilo, Medea di Euripide, con Franco Branciaroli, e moltissimi altri lavori in Italia e all’estero.

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Medea Melania Giglio
Giasone Michele Lisi
Creonte Alfonso Veneroso
Nutrice Marcella Favilla
Coro Simone Ciampi, Cinzia Cordella, Silvia Pietta, Salvo Lupo
scene Daniele Salvo
costumi Daniele Gelsi
regia Daniele Salvo

una produzione Amenanos Festival/Associazione Culturale DIDE – Michele Di Dio Management Srl

durata 100’

Medea è l’emblema della condizione umana: un essere intrappolato tra il desiderio di vendetta e la consapevolezza della propria solitudine cosmica. Non c’è redenzione per Medea, solo il vuoto che segue la distruzione. Questa visione pessimistica e quasi esistenziale del mito si riflette in una regia che non cerca di offrire soluzioni o consolazioni, ma solo di mettere in scena l’ineluttabilità della tragedia. Questa lettura di “Medea” di Seneca è profondamente radicata nella psicologia del personaggio e nell’analisi delle forze archetipiche e ultraterrene che lo muovono. Il risultato è una tragedia potente, viscerale e inquietante, che esplora le profondità dell’animo umano attraverso un personaggio che sfida ogni legge e ogni confine, in una battaglia titanica contro il destino. (Daniele Salvo)

Daniele Salvo, attore e regista, ha collaborato con Luca

Ronconi per quasi 18 anni, come attore, in ruoli di primo piano, assistente alla regia e regista collaboratore. Tra le sue regie più note, Coefore/Eumenidi di Eschilo, Aiace, Edipo Re, Edipo a Colono di Sofocle con Giorgio Albertazzi, con cui ha avviato una lunga collaborazione, e La Pace di Aristofane, tutte al Teatro Greco di Siracusa. Ha inoltre diretto, tra le tante regie, altre opere dei tragici, tra cui Dionysus in Romania, Prometheus di Eschilo, Medea di Euripide, con Franco Branciaroli, e moltissimi altri lavori in Italia e all’estero.

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drammaturgia Gabriele Vacis e PEM
autore Gabriele Vacis e PEM
con Davide Antenucci, Andrea Caiazzo, Lucia Corna, Pietro Maccabei, Lucia Raffaella Mariani, Eva Meskhi, Erica Nava, Enrica Rebaudo, Edoardo Roti, Letizia Russo, Lorenzo Tombesi, Gabriele Valchera
regia Gabriele Vacis
scenofonia e allestimenti Roberto Tarasco
cura dei cori Enrica Rebaudo
fonico Riccardo Di Gianni
produzione Teatro Stabile Torino
Compagnia A. Artisti associati Soc. Coop

durata 80’

Tratto da Fenicie di Euripide e Antigone di Sofocle, Antigone e i suoi fratelli mette in scena uno dei personaggi femminili più importanti della storia del teatro attraverso le due tragedie di Sofocle, perché conoscendo gli antefatti è possibile comprendere meglio le scelte di Antigone che nel corso dei secoli, dei millenni, è stata il simbolo della rivoluzione ma anche della conservazione più oscurantista. Negli ultimi anni, per esempio, era di moda prendere le parti di Creonte: Antigone potrebbe essere la sorella di un capomafia che pretende funerali con fuochi d’artificio per il fratello assassinato e Creonte il giudice che nega l’autorizzazione. All’epoca dei tragici, nel quinto secolo avanti Cristo in Grecia, stavano inventando la democrazia. E Antigone potrebbe essere anche l’erede di un’aristocrazia che difende antichi privilegi di fronte al nuovo che avanza. Argomenti che coinvolgono l’umanità nel ventunesimo secolo come nel IV secolo a.C., fino alle domande fondamentali a cui costringono ottant’anni di pace in Europa: c’è qualcosa per cui saremmo disposti a morire? E, di conseguenza: per cosa vale la pena vivere? Sono questi i classici, comprendono la cosa e il suo contrario, contengono i paradossi, sono specchi che riflettono gli sguardi di un’epoca. (Gabriele Vacis)

Dopo i felici transiti qui al Segesta Teatro Festival, e il tutto esaurito del Prometeo (2023) e de I sette a Tebe, un terribile amore per la guerra (2024), Gabriele Vacis, regista e drammaturgo tra i più apprezzati della scena contemporanea italiana, e i giovani attori della sua scuola, concludono qui la trilogia, con questa prova importante sull’Antigone.

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drammaturgia Gabriele Vacis e PEM
autore Gabriele Vacis e PEM
con Davide Antenucci, Andrea Caiazzo, Lucia Corna, Pietro Maccabei, Lucia Raffaella Mariani, Eva Meskhi, Erica Nava, Enrica Rebaudo, Edoardo Roti, Letizia Russo, Lorenzo Tombesi, Gabriele Valchera
regia Gabriele Vacis
scenofonia e allestimenti Roberto Tarasco
cura dei cori Enrica Rebaudo
fonico Riccardo Di Gianni
produzione Teatro Stabile Torino
Compagnia A. Artisti associati Soc. Coop

durata 80’

Tratto da Fenicie di Euripide e Antigone di Sofocle, Antigone e i suoi fratelli mette in scena uno dei personaggi femminili più importanti della storia del teatro attraverso le due tragedie di Sofocle, perché conoscendo gli antefatti è possibile comprendere meglio le scelte di Antigone che nel corso dei secoli, dei millenni, è stata il simbolo della rivoluzione ma anche della conservazione più oscurantista. Negli ultimi anni, per esempio, era di moda prendere le parti di Creonte: Antigone potrebbe essere la sorella di un capomafia che pretende funerali con fuochi d’artificio per il fratello assassinato e Creonte il giudice che nega l’autorizzazione. All’epoca dei tragici, nel quinto secolo avanti Cristo in Grecia, stavano inventando la democrazia. E Antigone potrebbe essere anche l’erede di un’aristocrazia che difende antichi privilegi di fronte al nuovo che avanza. Argomenti che coinvolgono l’umanità nel ventunesimo secolo come nel IV secolo a.C., fino alle domande fondamentali a cui costringono ottant’anni di pace in Europa: c’è qualcosa per cui saremmo disposti a morire? E, di conseguenza: per cosa vale la pena vivere? Sono questi i classici, comprendono la cosa e il suo contrario, contengono i paradossi, sono specchi che riflettono gli sguardi di un’epoca. (Gabriele Vacis)

Dopo i felici transiti qui al Segesta Teatro Festival, e il tutto esaurito del Prometeo (2023) e de I sette a Tebe, un terribile amore per la guerra (2024), Gabriele Vacis, regista e drammaturgo tra i più apprezzati della scena contemporanea italiana, e i giovani attori della sua scuola, concludono qui la trilogia, con questa prova importante sull’Antigone.

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adattamento e regia Cinzia Maccagnano

con
Cinzia Maccagnano
Luna Marongiu
Raffaele Gangale
Cristina Putignano
Marta Cirello
Andrea Maiorca
Maria Chiara Pellitteri

musiche originali Lucrezio de Seta
costumi Monica Mancini
maschere Luna Marongiu
scene Freezer09_Lab

produzione Bottega del Pane Teatro

durata 75’

I Cavalieri di Aristofane, commedia rappresentata nel 424 a. C. è una feroce critica alla classe politica ateniese e alla sua degenerazione demagogica. Durante la guerra del Peloponneso, Atene è governata da un demagogo arrogante e vigliacco che asseconda i peggiori istinti e la credulità del popolo. Liberare il paese da questo individuo è il fulcro su cui è costruita la vicenda e il compito assegnato all’azione comica. Ma per scalzare un farabutto ne serve uno peggiore.

La Bottega del Pane, dopo il successo ottenuto con Le Rane e Gli Uccelli, riporta in scena la commedia aristofanesca.

Rappresentare I cavalieri è una scelta di grande attualità: molti secoli sono passati ma i metodi usati dai demagoghi per infiltrarsi nelle crepe della democrazia e arrivare al potere sono sempre gli stessi.

L’allestimento, affidato alla regia di Cinzia Maccagnano, sceglie un taglio surreale e una comicità marcata: le situazioni, i ritmi serrati dei dialoghi, il gioco precisissimo del movimento dei personaggi/attori, con e senza maschera; e un coro di cavalieri-fantocci di un circo sgangherato, rivelano una società (e un’umanità) passata e presente, appesa a dei fili sottili, rappresentando gli scontri e tutti i livelli di demagogia che l’autore vuole “smascherare” nella sua commedia.

Cinzia Maccagnano, regista e attrice, si diploma alla Scuola di Teatro Classico dell’INDA, prosegue la sua formazione concentrandosi sul corpo pensante attraverso l’incontro con maestri coreografi, mimi e performer. Si dedica costantemente alla riscrittura e messa in scena dei classici del mondo antico in chiave contemporanea. Dal 2022 è responsabile del Laboratorio sulla commedia classica del Plautus Festival di Sarsina.

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adattamento e regia Cinzia Maccagnano

con
Cinzia Maccagnano
Luna Marongiu
Raffaele Gangale
Cristina Putignano
Marta Cirello
Andrea Maiorca
Maria Chiara Pellitteri

musiche originali Lucrezio de Seta
costumi Monica Mancini
maschere Luna Marongiu
scene Freezer09_Lab

produzione Bottega del Pane Teatro

durata 75’

I Cavalieri di Aristofane, commedia rappresentata nel 424 a. C. è una feroce critica alla classe politica ateniese e alla sua degenerazione demagogica. Durante la guerra del Peloponneso, Atene è governata da un demagogo arrogante e vigliacco che asseconda i peggiori istinti e la credulità del popolo. Liberare il paese da questo individuo è il fulcro su cui è costruita la vicenda e il compito assegnato all’azione comica. Ma per scalzare un farabutto ne serve uno peggiore.

La Bottega del Pane, dopo il successo ottenuto con Le Rane e Gli Uccelli, riporta in scena la commedia aristofanesca.

Rappresentare I cavalieri è una scelta di grande attualità: molti secoli sono passati ma i metodi usati dai demagoghi per infiltrarsi nelle crepe della democrazia e arrivare al potere sono sempre gli stessi.

L’allestimento, affidato alla regia di Cinzia Maccagnano, sceglie un taglio surreale e una comicità marcata: le situazioni, i ritmi serrati dei dialoghi, il gioco precisissimo del movimento dei personaggi/attori, con e senza maschera; e un coro di cavalieri-fantocci di un circo sgangherato, rivelano una società (e un’umanità) passata e presente, appesa a dei fili sottili, rappresentando gli scontri e tutti i livelli di demagogia che l’autore vuole “smascherare” nella sua commedia.

Cinzia Maccagnano, regista e attrice, si diploma alla Scuola di Teatro Classico dell’INDA, prosegue la sua formazione concentrandosi sul corpo pensante attraverso l’incontro con maestri coreografi, mimi e performer. Si dedica costantemente alla riscrittura e messa in scena dei classici del mondo antico in chiave contemporanea. Dal 2022 è responsabile del Laboratorio sulla commedia classica del Plautus Festival di Sarsina.

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traduzione Sergio Basile

adattamento e regia Claudio Collovà

traduzione Sergio Basile

con Giuseppe Pambieri, Sergio Basile, Micol Pambieri, Gianluigi Fogacci, Luigi Mezzanotte, Stefano Mondini, Yuri Napoli, Beatrice Rincicotti scene Claudio Collovà, Sofia Alopari, Chiarastella Santalucia costumi Marina Mango

suono Giuseppe Rizzo

ideazione elmi Stefania Pennacchio

realizzazione Stefania Pennacchio
e Matteo Todeschini

regia del suono e sound engineer Gabriele Giambertone

luci Pietro Sperduti

produzione IDS, Imprenditori di Sogni Roma

durata 90’

Le tragedie di Seneca sanno comunicarci il brivido di una sensibilità nuova, aperta ai più paurosi abissi dell’umana passionalità. Se il rapporto tra ragione e destino era a fondamento dell’Edipo Re di Sofocle, con Seneca prevale la forza dirompente dell’inconscio e dell’irrazionale. Il protagonista di Seneca, oppresso da un senso di colpa oscuro e smisurato, non combatte ma accompagna la sua rovina. La sua sovranità su Tebe è avvertita come responsabilità funesta, i suoi sentimenti sono di angoscia e paura. Nella predizione dell’oracolo e nella lunga affermazione di Creonte, aleggia il colpo di stato, il complotto e il tentativo di sovvertire l’ordine, nelle testimonianze riportate il sospetto che nulla sia vero e che più che dagli dèì, Edipo sia scacciato dagli uomini. È una tragedia scritta 450 anni dopo la sua fonte da cui Seneca si discosta in maniera significativa, diversa la comunità a cui si rivolgeva, diversi gli intenti, e il mito qui diventa emblema di una individualità a noi molto vicina, esponendo un ritratto complessato, impegnato contro il padre in un conflitto che oggi risuona terribilmente moderno. (Claudio Collovà)

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traduzione Sergio Basile

adattamento e regia Claudio Collovà

traduzione Sergio Basile

con Giuseppe Pambieri, Sergio Basile, Micol Pambieri, Gianluigi Fogacci, Luigi Mezzanotte, Stefano Mondini, Yuri Napoli, Beatrice Rincicotti scene Claudio Collovà, Sofia Alopari, Chiarastella Santalucia costumi Marina Mango

suono Giuseppe Rizzo

ideazione elmi Stefania Pennacchio

realizzazione Stefania Pennacchio
e Matteo Todeschini

regia del suono e sound engineer
Gabriele Giambertone

luci Pietro Sperduti

produzione IDS, Imprenditori di Sogni Roma

durata 90’

Le tragedie di Seneca sanno comunicarci il brivido di una sensibilità nuova, aperta ai più paurosi abissi dell’umana passionalità. Se il rapporto tra ragione e destino era a fondamento dell’Edipo Re di Sofocle, con Seneca prevale la forza dirompente dell’inconscio e dell’irrazionale. Il protagonista di Seneca, oppresso da un senso di colpa oscuro e smisurato, non combatte ma accompagna la sua rovina. La sua sovranità su Tebe è avvertita come responsabilità funesta, i suoi sentimenti sono di angoscia e paura. Nella predizione dell’oracolo e nella lunga affermazione di Creonte, aleggia il colpo di stato, il complotto e il tentativo di sovvertire l’ordine, nelle testimonianze riportate il sospetto che nulla sia vero e che più che dagli dèì, Edipo sia scacciato dagli uomini. È una tragedia scritta 450 anni dopo la sua fonte da cui Seneca si discosta in maniera significativa, diversa la comunità a cui si rivolgeva, diversi gli intenti, e il mito qui diventa emblema di una individualità a noi molto vicina, esponendo un ritratto complessato, impegnato contro il padre in un conflitto che oggi risuona terribilmente moderno. (Claudio Collovà)

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adattamento e regia Claudio Collovà

traduzione Sergio Basile

con Giuseppe Pambieri, Sergio Basile, Micol Pambieri, Gianluigi Fogacci, Luigi Mezzanotte, Stefano Mondini, Yuri Napoli, Beatrice Rincicotti scene Claudio Collovà, Sofia Alopari, Chiarastella Santalucia costumi Marina Mango

suono Giuseppe Rizzo

ideazione elmi Stefania Pennacchio

realizzazione Stefania Pennacchio
e Matteo Todeschini

regia del suono e sound engineer
Gabriele Giambertone

luci Pietro Sperduti

produzione IDS, Imprenditori di Sogni Roma

durata 90’

Le tragedie di Seneca sanno comunicarci il brivido di una sensibilità nuova, aperta ai più paurosi abissi dell’umana passionalità. Se il rapporto tra ragione e destino era a fondamento dell’Edipo Re di Sofocle, con Seneca prevale la forza dirompente dell’inconscio e dell’irrazionale. Il protagonista di Seneca, oppresso da un senso di colpa oscuro e smisurato, non combatte ma accompagna la sua rovina. La sua sovranità su Tebe è avvertita come responsabilità funesta, i suoi sentimenti sono di angoscia e paura. Nella predizione dell’oracolo e nella lunga affermazione di Creonte, aleggia il colpo di stato, il complotto e il tentativo di sovvertire l’ordine, nelle testimonianze riportate il sospetto che nulla sia vero e che più che dagli dèì, Edipo sia scacciato dagli uomini. È una tragedia scritta 450 anni dopo la sua fonte da cui Seneca si discosta in maniera significativa, diversa la comunità a cui si rivolgeva, diversi gli intenti, e il mito qui diventa emblema di una individualità a noi molto vicina, esponendo un ritratto complessato, impegnato contro il padre in un conflitto che oggi risuona terribilmente moderno. (Claudio Collovà)