Omu a mari. Il cunto delle sirene

di e con Gaspare Balsamo

collaborazione e assistenza Paolo Consoli
disegno luci Stefano Barbagallo

produzione Mobilità delle Arti

 

Omu a mari e Epica fera fanno parte del dittico Horcynus, un progetto che nasce e si sviluppa a partire dalla riscrittura di alcune parti del romanzo di Stefano D’Arrigo, Horcynus Orca. Protagonisti sono sempre i pescatori e gli uomini di mare dello Stretto di Messina, una comunità di uomini e donne raccontata nel loro complesso e plurale mondo di significati e appartenenze. Qui, in Omu a mari, è sviluppato il rapporto di formazione che si viene a creare tra il vecchio raccamatore di reti da pesca e cuntista di sirene e i giovani ragazzi che si accingono a intraprendere la vita di mare. Mare costacosta casacasa regno delle sirene, vere e immaginarie, che contribuiranno alla crescita e alla formazione di questi giovani pescatori pronti a trafficare nuove e vecchie avventure nelle acque dello Scill’e Cariddi fatto e disfatto a ogni colpo di remo, dentro, più dentro, dove il mare è mare.

 

Durata 60 minuti

 

 

Durata 80 minuti

 

Durata 80 minuti

 

Durata 60 minuti

 

Lo spettacolo è organizzato in collaborazione con Ierofanie Festival promosso dall’Assessorato dei Beni Culturali e dell’Identità Siciliana

 

Durata 50 minuti

Lo spettacolo è organizzato in collaborazione con Ierofanie Festival promosso dall’Assessorato dei Beni Culturali e dell’Identità Siciliana

PROMO DOPPIO SPETTACOLO
Cantico dei Cantici + Adelphi Quartet € 22
acquistabile solo al botteghino del Parco Archeologico di Segesta

ADELPHI QUARTET

Maxime Michaluk violino
Ester Agustì Matabosch violino
Yue Yu viola
Nepomuk Braun violoncello

 

PROGRAMMA
Felix Mendelssohn
Quartetto per archi in la minore, Op.13 n.2
[30’]

Bushra El-Turk
Saffron Dusk (2021)
commissione The Cosman Keller Art and Music Trust
[9′]

Intervallo 10 minuti

Ludwig van Beethoven
Quartetto per archi in do maggiore, Op.59 n.3 “Rasumovsky”
[30’]

 

L’Adelphi Quartet è stato fondato nel 2017 presso la Mozarteum University di Salisburgo e, dopo aver vinto il primo premio all’Irene Steels-Wilsing Foundation Competition presso il Festival Frühling String Quartet in Heidelberg nel gennaio 2020, ha inaugurato una nuova fase della sua carriera internazionale.

Il violinista Maxime Michaluk dal Belgio, la violinista spagnola Esther Agustí Matabosch, la violista cinese Yue Yu e il violoncellista tedesco Nepomuk Braun hanno costruito la propria identità ed esperienza musicale grazie agli studi condotti con professori di primo piano quali Igor Ozim, Benjamin Schmid, Rainer Schmidt, Thomas Riebl, Heinrich Schiff e Clemens Hagen. Verso la fine degli studi solistici, i quattro, già con alle spalle esperienze internazionali di musica da camera, si sono incontrati grazie alla comune passione per il quartetto d’archi. Di lì a poco sono stati ammessi alla rinomata classe di Rainer Schmidt (Quartetto Hagen). Il quartetto ha ricevuto anche un prezioso supporto da Eberhard Feltz e Valentin Erben.

Il Quartetto Adelphi si è esibito in diversi paesi quali Gran Bretagna, Francia, Belgio, Canada, USA, Austria, Germania e Svizzera. Da segnalare, tra gli impegni passati e futuri, le performances al Sommerliche Musiktage Hitzacker, al Mondsee Music Festival, alla Salzburg Mozarteum Foundation, gli inviti a partecipare allo String Quartet Festival dell’Heidelberger Frühling, così come l’esibizione nello Schubert’s String Quintet con il violoncellista del Quartetto Alban Berg, Valentin Erben. Nel 2021 vincono il terzo premio al Concorso Internazionale per Quartetto d’Archi Premio Paolo Borciani di Reggio Emilia. Nello stesso anno vincono alle audizioni internazionali Young Classical Artists Trust (YCAT), registrando dal vivo anche un nuovo quartetto di Bushra El-Turk – Saffron Dusk, in programma anche a Segesta – presso la Bibliotheksaal in Polling (Bavaria) su commissione del Cosman Keller Art and Music Trust. Nel 2022 vincono il 2° premio e il Premio della Fondazione Esterházy al Concorso Internazionale per Quartetto d’Archi della Wigmore Hall.

 

 

Durata 80 minuti con intervallo

 

Durata 70 minuti

Durata 70 minuti

Durata 75 minuti

 

Durata 70 minuti

 

Durata 70 minuti

Osservazioni astronomiche. Notte di San Lorenzo – Stelle cadenti

Dopo il successo delle passate edizioni, Urania, ente gestore del Planetario e Museo Astronomico di Palermo, torna al Parco Archeologico di Segesta con l’osservazione guidata ai telescopi, insieme alla proiezione di stelle, Luna e pianeti in notturna.

Gli operatori scientifici e il personale tecnico di Urania accompagnano lo spettatore alla scoperta degli astri nell’arco di due appuntamenti: il 10 agosto per le stelle cadenti della Notte di San Lorenzo e il 18 agosto per l’osservazione dei pianeti Saturno e Giove.

Un’occasione unica per affacciarsi ai misteri del cosmo accompagnati da una guida d’eccezione e circondati dalla bellezza della notte di Segesta.

 

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L’Ira di Achille

dall’Iliade di Omero
adattamento scenico e regia Mimmo Cuticchio
con Mimmo Cuticchio, Giacomo Cuticchio, Tania Giordano, Marika Pugliatti, Emanuele Salamanca

musiche Giacomo Cuticchio
flauto traverso Alessandro Lo Giudice
violoncello Paolo Pellegrino
sassofono baritono Nicola Mogavero
percussioni Giulia Lo Giudice
arpa Roberta Casella
scene e costumi Tania Giordano
luci Marcello D’Agostino

produzione Figli D’Arte Cuticchio

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L’Ira di Achille è una messa in scena con i pupi pensata non per il piccolo boccascena ma per il grande palcoscenico. L’azione si svolge su tre piani scenici: gli uomini/pupi, i sacerdoti/pupari e gli dei/attori.

Giacomo Cuticchio ha scritto appositamente la suite musicale per lo spettacolo, ideato, montato e diretto dal padre Mimmo. L’epica si fonde con il contemporaneo in una messa in scena che vede in azione nuovi pupi creati sulle figure dei greci e dei troiani, nel rispetto di quei canoni tradizionali che la Famiglia d’arte si tramanda di generazione in generazione. Analogamente, strumenti antichi e moderni vengono armonizzati nella colonna sonora che accompagna, in una progressione dialettica, i fatti rappresentati, seguendone i ritmi di improvvisazione tipici del teatro dei pupi.

Paride, figlio di Priamo, re di Troia, rapisce Elena, moglie di Menelao, re di Sparta. I greci si riuniscono e decidono di dichiarare guerra ai troiani. Comandante in capo viene eletto Agamennone, re di Micene e fratello di Menelao. Tra i guerrieri ci sono i valorosi Ulisse, Aiace Oileo, Aiace Telamone, Antiloco, Diomede, Menelao, Nestore, Patroclo, Achille e l’indovino Calcante. 

Le navi greche approdano sui lidi di Troia, lungo tutta la costa. Il re Priamo riunisce i suoi numerosi figli e i suoi alleati e affida il comando della difesa della città al primogenito Ettore.

L’assedio di Troia dura nove anni. I greci, quantunque numerosi, non riescono ad avvicinarsi alle alte mura della città. Al decimo anno, Crise, sacerdote di Apollo, si presenta da Agamennone per riscattare la figlia Criseide, che era stata assegnata al re di Micene durante la spartizione di un bottino. 

Ma Agamennone rifiuta e lo allontana brutalmente. Il sacerdote Crise prega dunque il dio Apollo di punire l’arroganza dei greci e così Apollo scaglia le frecce della peste sul campo acheo: per 9 giorni muoiono armenti e uomini. Al decimo giorno, Achille chiede di riunire il consiglio.

Durata 90 minuti

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L’opera dei pupi è notoriamente conosciuta come il teatro che racconta le gesta cavalleresche di Carlo Magno di Orlando e Rinaldo; tuttavia negli anni ’70, in piena crisi di questo teatro, Mimmo Cuticchio per far sopravvivere le tecniche e saperi tramandati da padre in figlio, decise di scrivere nuovi copioni. Questo esperimento è stato efficace perché con i nuovi spettacoli è riuscito a rifondare un pubblico di nuova generazione completando l’esperienza con una drammaturgia dei luoghi  funzionale alla messa in scena e alla rappresentazione.

Molti sanno che la storia di Cuticchio è stata una storia di resistenza, ma pochi sanno che gli è toccato attraversare il ponte che collegava un’epoca a un’altra. Aprire il teatro (1973) significò aprirsi alla vita, entrare anima e corpo in un movimento continuo, nel quale vita e teatro si scambiavano reciprocamente l’energia necessaria per resistere.

La spinta al rinnovamento della tradizione dell’Opera dei pupi, ha sempre avuto per Cuticchio e tutta la compagnia, la forza e il peso di uno sguardo bifronte, puntato da un lato al passato, alle proprie radici, e dall’altro proteso al futuro. Un’immagine forte e malinconica come l’Angelus Novus di Paul Klee.


Fino ad una trentina di anni fa, gli spettacoli venivano rappresentati rigorosamente all’interno del boccascena della struttura che noi chiamiamo Teatrino, dove opranti e manianti sono invisibili al pubblico.

Nell’arco di questi decenni, sono state tante le conquiste maturate nel segno della rottura, altrettante sono state le perdite, risarcite – tuttavia – con la salvaguardia della tradizione.
All’interno di questa innovazione, si consuma il così detto rischio culturale. La compagnia avrebbe la sua Itaca in cui stare. L’idea di preservare l’Opera dei pupi come oggetto da museo avrebbe potuto concretizzarsi nello spettacolo “per turisti”, dove la conservazione sembra già un valore. La scelta di prendere le distanze da questa “tradizione museificata” poteva condurre Cuticchio in direzioni impreviste e disastrose. Consapevole di tale rischio, gli ha preferito fare un passo coraggioso in un altro emisfero, ponendo il suo “mestiere” al servizio di contenuti e forme nuovi. Cuticchio non utilizza i pupi come “citazioni” preziose o di colore. Semplicemente amplia il proprio repertorio, affiancandolo al classico, mantenendo le regole della tradizione: l’improvvisazione e la composizione, e tuttavia crea corrispondenze nuove, simmetrie, asimmetrie, contrasti e concordanze, sovrapposizioni di situazioni e personaggi, facendo zampillare da vecchie favole bagliori del tutto nuovi.

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L’Ira di Achille

dall’Iliade di Omero
adattamento scenico e regia Mimmo Cuticchio
con Mimmo Cuticchio, Giacomo Cuticchio, Tania Giordano, Marika Pugliatti, Emanuele Salamanca

musiche Giacomo Cuticchio
flauto traverso Alessandro Lo Giudice
violoncello Paolo Pellegrino
sassofono baritono Nicola Mogavero
percussioni Giulia Lo Giudice
arpa Roberta Casella
scene e costumi Tania Giordano
luci Marcello D’Agostino

produzione Figli D’Arte Cuticchio

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L’Ira di Achille è una messa in scena con i pupi pensata non per il piccolo boccascena ma per il grande palcoscenico. L’azione si svolge su tre piani scenici: gli uomini/pupi, i sacerdoti/pupari e gli dei/attori.

Giacomo Cuticchio ha scritto appositamente la suite musicale per lo spettacolo, ideato, montato e diretto dal padre Mimmo. L’epica si fonde con il contemporaneo in una messa in scena che vede in azione nuovi pupi creati sulle figure dei greci e dei troiani, nel rispetto di quei canoni tradizionali che la Famiglia d’arte si tramanda di generazione in generazione. Analogamente, strumenti antichi e moderni vengono armonizzati nella colonna sonora che accompagna, in una progressione dialettica, i fatti rappresentati, seguendone i ritmi di improvvisazione tipici del teatro dei pupi.

Paride, figlio di Priamo, re di Troia, rapisce Elena, moglie di Menelao, re di Sparta. I greci si riuniscono e decidono di dichiarare guerra ai troiani. Comandante in capo viene eletto Agamennone, re di Micene e fratello di Menelao. Tra i guerrieri ci sono i valorosi Ulisse, Aiace Oileo, Aiace Telamone, Antiloco, Diomede, Menelao, Nestore, Patroclo, Achille e l’indovino Calcante. 

Le navi greche approdano sui lidi di Troia, lungo tutta la costa. Il re Priamo riunisce i suoi numerosi figli e i suoi alleati e affida il comando della difesa della città al primogenito Ettore.

L’assedio di Troia dura nove anni. I greci, quantunque numerosi, non riescono ad avvicinarsi alle alte mura della città. Al decimo anno, Crise, sacerdote di Apollo, si presenta da Agamennone per riscattare la figlia Criseide, che era stata assegnata al re di Micene durante la spartizione di un bottino. 

Ma Agamennone rifiuta e lo allontana brutalmente. Il sacerdote Crise prega dunque il dio Apollo di punire l’arroganza dei greci e così Apollo scaglia le frecce della peste sul campo acheo: per 9 giorni muoiono armenti e uomini. Al decimo giorno, Achille chiede di riunire il consiglio.

Durata 90 minuti

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L’opera dei pupi è notoriamente conosciuta come il teatro che racconta le gesta cavalleresche di Carlo Magno di Orlando e Rinaldo; tuttavia negli anni ’70, in piena crisi di questo teatro, Mimmo Cuticchio per far sopravvivere le tecniche e saperi tramandati da padre in figlio, decise di scrivere nuovi copioni. Questo esperimento è stato efficace perché con i nuovi spettacoli è riuscito a rifondare un pubblico di nuova generazione completando l’esperienza con una drammaturgia dei luoghi  funzionale alla messa in scena e alla rappresentazione.

Molti sanno che la storia di Cuticchio è stata una storia di resistenza, ma pochi sanno che gli è toccato attraversare il ponte che collegava un’epoca a un’altra. Aprire il teatro (1973) significò aprirsi alla vita, entrare anima e corpo in un movimento continuo, nel quale vita e teatro si scambiavano reciprocamente l’energia necessaria per resistere.

La spinta al rinnovamento della tradizione dell’Opera dei pupi, ha sempre avuto per Cuticchio e tutta la compagnia, la forza e il peso di uno sguardo bifronte, puntato da un lato al passato, alle proprie radici, e dall’altro proteso al futuro. Un’immagine forte e malinconica come l’Angelus Novus di Paul Klee.


Fino ad una trentina di anni fa, gli spettacoli venivano rappresentati rigorosamente all’interno del boccascena della struttura che noi chiamiamo Teatrino, dove opranti e manianti sono invisibili al pubblico.

Nell’arco di questi decenni, sono state tante le conquiste maturate nel segno della rottura, altrettante sono state le perdite, risarcite – tuttavia – con la salvaguardia della tradizione.
All’interno di questa innovazione, si consuma il così detto rischio culturale. La compagnia avrebbe la sua Itaca in cui stare. L’idea di preservare l’Opera dei pupi come oggetto da museo avrebbe potuto concretizzarsi nello spettacolo “per turisti”, dove la conservazione sembra già un valore. La scelta di prendere le distanze da questa “tradizione museificata” poteva condurre Cuticchio in direzioni impreviste e disastrose. Consapevole di tale rischio, gli ha preferito fare un passo coraggioso in un altro emisfero, ponendo il suo “mestiere” al servizio di contenuti e forme nuovi. Cuticchio non utilizza i pupi come “citazioni” preziose o di colore. Semplicemente amplia il proprio repertorio, affiancandolo al classico, mantenendo le regole della tradizione: l’improvvisazione e la composizione, e tuttavia crea corrispondenze nuove, simmetrie, asimmetrie, contrasti e concordanze, sovrapposizioni di situazioni e personaggi, facendo zampillare da vecchie favole bagliori del tutto nuovi.

Lo spettacolo, originariamente previsto a Poggioreale alle ore 21:00, è stato spostato al Tempio del Parco Archeologico di Segesta alle ore 22:00.

INGRESSO GRATUITO
fino a esaurimento posti

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Parole corsare.

Poesie e frammenti di romanzi e racconti di Pier Paolo Pasolini

 

con Vincenzo Pirrotta

produzione Associazione Culturale Esperidio

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Io non ho alle mie spalle nessuna autorevolezza: se non quella che mi proviene paradossalmente dal non averla o dal non averla voluta; dall’essermi messo in condizione di non aver niente da perdere, e quindi di non esser fedele a nessun patto che non sia quello con un lettore che io del resto considero degno di ogni più scandalosa ricerca.
Pier Paolo Pasolini, 1975

Vincenzo Pirrotta, drammaturgo, regista e attore, dà nuova voce alle parole “corsare” di Pier Paolo Pasolini in tre spettacoli diversi – a Poggioreale, a Custonaci e al sorgere del sole al Teatro Antico di Segesta – dedicati all’opera poetica di uno degli intellettuali più controversi e anticonformisti del nostro tempo. Un gioco tra l’interprete e l’autore in cui la parola si fa corpo e il pensiero diventa carne nelle emozioni che risuonano tra le righe, dal 1975 a oggi.

 

Durata 60 minuti

PROMO DOPPIO SPETTACOLO
Cuncordu e Tenore de Orosei + Qlima € 22
acquistabile solo al botteghino del Parco Archeologico di Segesta

Canti polifonici sacri e profani della Sardegna

CUNCORDU E TENORE DE OROSEI
Massimo Roych voche del Cuncordu
Mario Siotto bassu, trunfa
Gian Nicola Appeddu contra
Piero Pala voche, mesuvoche
Salvatore Contu voche del Tenore

 

Il Cuncordu e Tenore de Orosei è tra i migliori interpreti nel vasto panorama delle musiche vocali sarde. Oltre che per la loro eccezionale bravura, anche per la peculiarità del repertorio, che abbraccia entrambe le forme della tradizione vocale di Orosei: quella del canto sacro, tipica delle confraternite religiose, e quella profana del canto a tenore. Questa combinazione fa del Cuncordu e Tenore de Orosei i custodi fedeli all’eredità musicale ricevuta dai cantori anziani.

Il gruppo esegue nelle due particolari modalità a Tenore e a Cuncordu, i Gotzos (canti della Passione di Cristo), i balli tradizionali, le serenate d’amore e tutto il repertorio canoro sacro e profano del loro paese (Orosei è l’unico paese in Sardegna dove le due modalità di canto non hanno conosciuto interruzioni nel tempo).

Con la stessa passione sono disposti all’indagine e all’incontro con altre espressioni musicali: al Konzerthaus di Berlino, con le voci Bulgare “Angelitè” e il RIAS Kammerchor , con gli amici della piccola Repubblica di Tuva, gli Hu Hun Hurtu, o altre sperimentazioni con diversi musicisti quali Enzo Favata, Luigi Lai, Totore Chessa , i Tenores de Bitti, Nguyen Le, Mola Sylla, Luciano Biondin, Paolo Fresu, Ernst Reijseger (con cui hanno partecipato alla registrazione della colonna sonora di due film di Werner Herzog: “The Wild Blue Yonder” e “White Diamond”) e, in ultimo il progetto “Voci Nomadi” con i cantanti mongoli Ganzoring e Tsogtgerel, concerto carico di suggestioni musicali, con le voci che, pur lontane geograficamente, si avvicinano e si fondono in maniera straordinaria.

 

Durata 60 minuti

con Vincenzo Pirrotta

produzione Associazione Culturale Esperidio

 

Io non ho alle mie spalle nessuna autorevolezza: se non quella che mi proviene paradossalmente dal non averla o dal non averla voluta; dall’essermi messo in condizione di non aver niente da perdere, e quindi di non esser fedele a nessun patto che non sia quello con un lettore che io del resto considero degno di ogni più scandalosa ricerca.

Pier Paolo Pasolini, 1975

 

Vincenzo Pirrotta, drammaturgo, regista e attore, dà nuova voce alle parole “corsare” di Pier Paolo Pasolini in tre spettacoli diversi – a Poggioreale, a Custonaci e al sorgere del sole al Teatro Antico di Segesta – dedicati all’opera poetica di uno degli intellettuali più controversi e anticonformisti del nostro tempo. Un gioco tra l’interprete e l’autore in cui la parola si fa corpo e il pensiero diventa carne nelle emozioni che risuonano tra le righe, dal 1975 a oggi.

 

Durata 60 minuti

PROMO DOPPIO SPETTACOLO
Cuncordu e Tenore de Orosei + Qlima € 22
acquistabile solo al botteghino del Parco Archeologico di Segesta

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Qlima

di e con Simona Norato

Giuseppe Rizzo sound design
Giulio Scavuzzo drum
Alice Colla light design
Davide Terranova sound engineering

 

Interamente scritta da Simona Norato ed eseguita con Giuseppe Rizzo (sound design) e Giulio Scavuzzo (drum), Qlima è una performance elettroacustica per sintetizzatori, percussioni e voce.

Oltre che sulla produzione sonora, la natura dei brani è basata sull’elaborazione elettronica in tempo reale dei singoli timbri, processo che rende unica ciascuna messa in scena.

Tema centrale delle liriche è la solennità del nostro passato, la celebrazione dei nostri misteri.

Le timbriche generate dagli oscillatori, i campionamenti dei suoni che rappresentano le nostre trame, le ritmiche ossessive che ricordano i trascorsi più duri, ci riporteranno in quei luoghi sacri che custodiamo nella memoria cellulare dei nostri corpi e che ci hanno reso ciò che siamo.

Oltre a un repertorio già consolidato e a un omaggio a Laurie Anderson, il live 2022 contiene arrangiamenti cesellati nell’arco della pandemia globale che di questo tempo hanno assorbito il rallentamento forzato del quotidiano e la perturbazione emotiva, talmente profonda da storpiare persino la sintassi del titolo. Qlima.

Due poesie di Prevert, ritrovate in un vecchio libro di famiglia dopo la morte del padre e urlate su un mantra armonico ripetitivo, concilieranno l’intenzione dell’autrice di ricordare la guerra.

A sottolineare la glacialità del processo elettronico asservito alla suite canzone sarà il disegno luci di Alice Colla, light designer e visual artist che collocherà il trio di esecutori in un non luogo, laddove i nostri organi conservano il ricordo di ciò che eravamo e non saremo più. 

 

Durata 60 minuti

 

Lo spettacolo è organizzato in collaborazione con Ierofanie Festival promosso dall’Assessorato dei Beni Culturali e dell’Identità Siciliana

ALBA A SEGESTA

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Parole corsare.

Poesie e frammenti di romanzi e racconti di Pier Paolo Pasolini

 

con Vincenzo Pirrotta

produzione Associazione Culturale Esperidio

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Io non ho alle mie spalle nessuna autorevolezza: se non quella che mi proviene paradossalmente dal non averla o dal non averla voluta; dall’essermi messo in condizione di non aver niente da perdere, e quindi di non esser fedele a nessun patto che non sia quello con un lettore che io del resto considero degno di ogni più scandalosa ricerca.
Pier Paolo Pasolini, 1975

Vincenzo Pirrotta, drammaturgo, regista e attore, dà nuova voce alle parole “corsare” di Pier Paolo Pasolini in tre spettacoli diversi – a Poggioreale, a Custonaci e al sorgere del sole al Teatro Antico di Segesta – dedicati all’opera poetica di uno degli intellettuali più controversi e anticonformisti del nostro tempo. Un gioco tra l’interprete e l’autore in cui la parola si fa corpo e il pensiero diventa carne nelle emozioni che risuonano tra le righe, dal 1975 a oggi.

 

Durata 60 minuti

La Nona (dal caos / il corpo)

 

musica 
Sinfonia n. 9 op. 125 di Ludwig Van Beethoven
nella trascrizione per due pianoforti di Franz Liszt

regia e coreografia Roberto Zappalà

pianisti Luca Ballerini e Stefania Cafaro
soprano Marianna Cappellani

interpretazione e collaborazione alla costruzione 
i danzatori della Compagnia Zappalà Danza:
Corinne Cilia, Filippo Domini, Anna Forzutti, Alberto Gnola, Marco Mantovani, Sonia Mingo, Gaia Occhipinti, Fernando Roldan Ferrer, Silvia Rossi, Joel Walsham, Valeria Zampardi, Erik Zarcone

testi a cura di Nello Calabrò
scene, luci e costumi Roberto Zappalà
assistente scene e costumi e realizzazione Debora Privitera
assistente alle coreografie Maud de la Purification
direzione tecnica Sammy Torrisi
management Vittorio Stasi
assistente di produzione Federica Cincotti
direzione generale Maria Inguscio
ingegnere del suono Gaetano Leonardi

Una produzione di Compagnia Zappalà Danza / Scenario Pubblico Centro di Rilevante Interesse Nazionale
Il progetto Transiti Humanitatis è realizzato in collaborazione con: 
ImPulsTanz – Vienna International Dance Festival (Vienna), Teatro Comunale di Ferrara, Teatro Garibaldi / Unione dei Teatri d’Europa (Palermo), Teatro Massimo Bellini (Catania)
con il sostegno di Ministero della Cultura e Regione Siciliana Ass.to del Turismo, dello Sport e dello Spettacolo

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Con La Nona, il progetto della Compagnia Zappalà Danza “Transiti Humanitatis” si arricchisce di un nuovo e importante tassello. Dopo “Invenzioni a tre voci”, creazione dedicata alla donna, e “Oratorio per Eva”, omaggio alla figura simbolica di Eva, l’ultima sinfonia di Beethoven è la fonte d’ispirazione per lo spettacolo della compagnia.

La musica utilizzata non è la versione originale per coro, solisti e orchestra, ma la bellissima trascrizione per due pianoforti che ne ha fatto Liszt. E in scena, insieme ai due pianisti Luca Ballerini e Stefania Cafaro e a dodici danzatori della compagnia, anche il soprano Marianna Cappellani.

È sempre a partire dal corpo e dalle sue “storie” che Zappalà propone una riflessione sull’uomo e sull’umanità, sulla sua condizione di perenne conflitto e sulle speranze di solidarietà e fratellanza universale. L’umanità in transito è un’umanità in movimento; movimento è il contrario di immobilità, di immutabilità, di idee assolute e di assenza di dubbio. Il movimento è laico, come lo spirito di Beethoven e della sua musica. E la laicità del pensiero e dei comportamenti è alla base della creazione.

L’umanità che danza nello spettacolo è un‘umanità che si sviluppa da un processo di accumulazione, da un caos primordiale (come dice il compositore Salvatore Sciarrino a proposito del primo movimento della Sinfonia), da una pluralità di intrecci e microstorie conflittuali e “negative”, che sfociano, nella seconda parte, nella pacificazione dell’adagio e nella gioia finale del quarto movimento.
Accostarsi alla Nona di Beethoven, anche in questa versione da “camera”, è accostarsi alla Musica per eccellenza. E se la musica non può fare a meno del silenzio, il silenzio è anche il primo e ineludibile passo dell’ascolto e quindi del riconoscimento dell’altro; e il riconoscimento reciproco dell’altro è la via per la pacificazione sperata da Beethoven.

Ai tempi del compositore, con mondo e umanità si intendeva qualcosa di meno unificante di oggi. Anche se la musica della Nona è universale – “questo bacio vada al mondo intero” dice un verso dell’inno di Schiller – il “mondo” era, più o meno, l’Europa post congresso di Vienna che veniva fuori dalle distruzioni delle guerre napoleoniche. La pacificazione universale alla quale aspirava Beethoven, se fosse vivo oggi, andrebbe in questa direzione.

Forse, mai come oggi dal dopoguerra, c’è la necessità che “questo bacio vada al mondo intero”.

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Durata 75 minuti

 

Epidicus. La commedia del doppio imbroglio

di Plauto

traduzione di Filippo Amoroso
regia Cinzia Maccagnano

musiche Germano Mazzocchetti
costumi Monica Mancini
maschere Luna Marongiu
assistente alla regia Valentina Enea

con Marco Simeoli
e Cesare Biondolillo, Luna Marongiu, Salvatore Riggi, Mariano Viggiano, Ginevra Di Marco, Gaia Bevilacqua

produzione Plautus Festival e Teatro dei Due Mari
Prima nazionale 29 luglio 2022 Arena Plautina di Sarsina

 

Epidicus è una delle ultime commedie scritte da Plauto che racchiude tutti gli ingredienti plautini e può quindi essere considerata un sunto del teatro di Plauto. Protagonista è Epidico, appunto, servus callidus, abile e astuto servitore, che ordisce trame continue per favorire gli incontri amorosi del suo giovane padrone. Questo susseguirsi d’inganni e situazioni paradossali, è il meccanismo che svela la trama, fatta, come è solito nella commedia, di innamoramenti e ripensamenti, di raggiri a danno del padrone e spiritose invenzioni a beneficio del servo. 

Il pretesto è un doppio innamoramento: Stratippocle, giovane padrone, ama una fanciulla e con l’aiuto di Epidico inganna il vecchio padre affinché la riscatti; peccato che, partito per la guerra, Stratippocle torna innamorato di un’altra fanciulla. E serve un altro inganno, e un altro ancora, e ancora, in un susseguirsi di tranelli e imbrogli. Per tutto lo sviluppo della vicenda, Epidico si trova nella condizione di essere giudicato colpevole per le sue malefatte e conseguentemente punito.

La commedia plautina si ingarbuglia in un susseguirsi di situazioni comiche e in una carrellata di personaggi tipici (il soldato, la suonatrice, il vecchio, etc.) resa attraverso la rotazione di tre attori per più personaggi, attorno a un “perno” di personaggi fissi, tra cui lo stesso Epidico. Una giostra esilarante, paradigma del mondo plautino, in cui alla vivacità dei personaggi si somma il paradosso delle situazioni. Con una conclusione, anche questa, tipica in Plauto e non solo, in cui il servo riuscirà a farla franca e a conquistare la libertà con annesso banchetto.

Durata 70 minuti

Epidicus. La commedia del doppio imbroglio

di Plauto

traduzione di Filippo Amoroso
regia Cinzia Maccagnano

musiche Germano Mazzocchetti
costumi Monica Mancini
maschere Luna Marongiu
assistente alla regia Valentina Enea

con Marco Simeoli
e Cesare Biondolillo, Luna Marongiu, Salvatore Riggi, Mariano Viggiano, Ginevra Di Marco, Gaia Bevilacqua

produzione Plautus Festival e Teatro dei Due Mari
Prima nazionale 29 luglio 2022 Arena Plautina di Sarsina

 

Epidicus è una delle ultime commedie scritte da Plauto che racchiude tutti gli ingredienti plautini e può quindi essere considerata un sunto del teatro di Plauto. Protagonista è Epidico, appunto, servus callidus, abile e astuto servitore, che ordisce trame continue per favorire gli incontri amorosi del suo giovane padrone. Questo susseguirsi d’inganni e situazioni paradossali, è il meccanismo che svela la trama, fatta, come è solito nella commedia, di innamoramenti e ripensamenti, di raggiri a danno del padrone e spiritose invenzioni a beneficio del servo. 

Il pretesto è un doppio innamoramento: Stratippocle, giovane padrone, ama una fanciulla e con l’aiuto di Epidico inganna il vecchio padre affinché la riscatti; peccato che, partito per la guerra, Stratippocle torna innamorato di un’altra fanciulla. E serve un altro inganno, e un altro ancora, e ancora, in un susseguirsi di tranelli e imbrogli. Per tutto lo sviluppo della vicenda, Epidico si trova nella condizione di essere giudicato colpevole per le sue malefatte e conseguentemente punito.

La commedia plautina si ingarbuglia in un susseguirsi di situazioni comiche e in una carrellata di personaggi tipici (il soldato, la suonatrice, il vecchio, etc.) resa attraverso la rotazione di tre attori per più personaggi, attorno a un “perno” di personaggi fissi, tra cui lo stesso Epidico. Una giostra esilarante, paradigma del mondo plautino, in cui alla vivacità dei personaggi si somma il paradosso delle situazioni. Con una conclusione, anche questa, tipica in Plauto e non solo, in cui il servo riuscirà a farla franca e a conquistare la libertà con annesso banchetto.

Durata 70 minuti

Osservazioni astronomiche. Giove e Saturno – I giganti sopra il tempio

Dopo il successo delle passate edizioni, Urania, ente gestore del Planetario e Museo Astronomico di Palermo, torna al Parco Archeologico di Segesta con l’osservazione guidata ai telescopi, insieme alla proiezione di stelle, Luna e pianeti in notturna.

Gli operatori scientifici e il personale tecnico di Urania accompagnano lo spettatore alla scoperta degli astri nell’arco di due appuntamenti: il 10 agosto per le stelle cadenti della Notte di San Lorenzo e il 18 agosto per l’osservazione dei pianeti Saturno e Giove.

Un’occasione unica per affacciarsi ai misteri del cosmo accompagnati da una guida d’eccezione e circondati dalla bellezza della notte di Segesta.

 

 

 

 

 

Colapesce. Dedicato a Buttitta

 

di Ignazio Buttitta

adattamento e regia Filippo Luna

con Manuela Ventura, Alessandra Fazzino, Rita Abela, Virginia Maiorana, Filippo Luna

scene e costumi Dora Argento
musiche Virginia Maiorana
movimenti coreografici Alessandra Fazzino 
ufficio stampa e comunicazione Marta Cutugno

 

prodotto da Maurizio Puglisi

 

 

Durata 70 minuti

 

Omu a mari. Il cunto delle sirene

di e con Gaspare Balsamo

 

collaborazione e assistenza Paolo Consoli

disegno luci Stefano Barbagallo

 

produzione Mobilità delle Arti

 

Omu a mari e Epica fera fanno parte del dittico Horcynus, un progetto che nasce e si sviluppa a partire dalla riscrittura di alcune parti del romanzo di Stefano D’Arrigo, Horcynus Orca. Protagonisti sono sempre i pescatori e gli uomini di mare dello Stretto di Messina, una comunità di uomini e donne raccontata nel loro complesso e plurale mondo di significati e appartenenze. Qui, in Omu a mari, è sviluppato il rapporto di formazione che si viene a creare tra il vecchio raccamatore di reti da pesca e cuntista di sirene e i giovani ragazzi che si accingono a intraprendere la vita di mare. Mare costacosta casacasa regno delle sirene, vere e immaginarie, che contribuiranno alla crescita e alla formazione di questi giovani pescatori pronti a trafficare nuove e vecchie avventure nelle acque dello Scill’e Cariddi fatto e disfatto a ogni colpo di remo, dentro, più dentro, dove il mare è mare.

 

Durata 60 minuti

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Satiri

 

coreografia e spazio Virgilio Sieni
interpretazione Jari Boldrini, Maurizio Giunti
violoncello Naomi Berrill

musica
Johann Sebastian Bach 
Suite n°3 in do maggiore, BWV 1009
Suite n° 4 in mi bemolle maggiore, BWV 1010

luci Marco Cassini
allestimento Daniele Ferro 
maschere animali Chiara Occhini

produzione Centro Nazionale di produzione della danza Virgilio Sieni
in collaborazione con AMAT & Civitanova Danza, Galleria Nazionale delle Marche
con il sostegno di MIC Ministero della Cultura, Regione Toscana, Comune di Firenze, Fondazione CR Firenze

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Il danzatore getta il corpo nell’abisso del gesto dicendo sì alla vita.

Può darsi che siamo stati raggiunti dall’insegnamento del gesto che irrorandosi con lentezza nel corpo lo forgia senza mai appropriarsene: si potrebbe dire che lo studio del movimento sottrae al quotidiano quelle posture che poi tornano sotto forma di un’altra lingua. Questo porsi sulla soglia, che potrebbe sembrare anche un rimbalzo quale restituzione di una cosa solo poco tempo prima sconosciuta, penso si possa definire, o accostare, al senso del gesto poetico: inappropriabile, attraversabile, non forma in movimento ma corpo che trascolora e, come una nebulosa auratica, si confonde tra lontananza e vicinanza, opera secondo un’attenzione rivolta all’immersione dello spazio, alla tattilità spaziale che ci comprende.

Il Satiro, come ci dice Nietzsche ne La nascita della Tragedia (1872) e per richiamo sapienzale Giorgio Colli ne La nascita della filosofia (1975), potrebbe essere colui che getta lo sguardo nell’abisso dicendo sì alla vita: non la notte ma la sua primavera.

I due danzatori dello spettacolo sono contagiati dall’interno, investiti dalla contemplazione rivolta al gesto simile, adiacente, simmetrico. Una danza per dermatoglifi che tracciano l’aria e una sintassi che sembra riferirsi all’embrione del gesto che incontra il suo simile riconoscendolo diverso e amico.

Pescano dal fondo del gesto per inscrivere forme d’intesa e di empatia che si aprono a una disposizione musicale, le danze segnano lo spazio della materia inebriante che parla con il corpo. Il mondo quotidiano qui prende il largo e si separa dal gesto enigmatico che esplode tra il dionisiaco e l’apollineo. Ancora una volta la danza si presta a laboratorio della vita, affronta azioni disperate, titaniche, si pone sulla soglia con atteggiamento vigile, mantico, divinatorio. Ma è essa stessa scienza dello stare, specchio di risonanze e richiami cognitivi.

Virgilio Sieni

 

Durata 75 minuti

Elena

di Ghiannis Ritsos

musiche di Ubi Ensemble 

traduzione di Nicola Crocetti
in accordo con Arcadia & Rincono Srl
per gentile concessione di Ery Ritsou

 

con

Oriana Martucci voce recitante

Irene Ientile mezzosoprano

Alfonso Vella sax soprano e baritono

Marcella Napolitano violino e viola

Ornella Cerniglia pianoforte e sintetizzatore

Gianluigi Cristiano basso elettrico e chitarra elettrica

Giuseppe Rizzo live electronics, real time sound processing, soundscapes, sound design

 

produzione Ubi Ensemble

 

Il recitar cantando e la musica al servizio della parola, nella ricerca che porta avanti Ubi Ensemble, diventano evocazione di un dialogo compositivo tra antico e contemporaneo: i recitati vengono amplificati all’infinito, le armonie sono flussi in continuo movimento, fluidi che trasferiscono i punti di attrazione tonale verso nuove possibilità, la triade diventa incarnazione discontinua, metafora inconscia di un lontano passato, che trova posto su strutture che non danno più certezze. Elena, e il suo immaginario interlocutore che stenta a riconoscere la figlia di Zeus “che alle dee immortali terribilmente somiglia”, sono i personaggi della storia del quotidiano di ognuno di noi, che si muovono a stento tra la sedia e il letto in una casa polverosa che sa ineluttabilmente di morte.

 

Durata 70 minuti

 

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Il canto dei giganti

Primo movimento: il figlio cambiato

 

da Luigi Pirandello
drammaturgia e regia Manuela Mandracchia e Fabio Cocifoglia
musiche originali Agricantus

con
Fabio Cocifoglia
Manuela Mandracchia

e con
Mario Crispi strumenti a fiato etnici, chitarra, voce
Chiara Minaldi voce, pianoforte
Mario Rivera basso acustico, chitarra, voce

produzione Casa del Contemporaneo

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Nel ricordo delle favole ascoltate da bambino Pirandello rintraccia motivi di grande umanità mescolata ad antiche superstizioni contadine. Le Streghe, le cosiddette Donne, durante la notte volano a cambiare i figli. Ad una madre sostituiscono il sano e biondo figlioletto con uno malaticcio e deforme. La madre disperata corre da Vanna Scoma, una fattucchiera del paese, per sapere come riprendersi il figlio. La maga le dice che il figlio trafugato è stato portato al palazzo di un re e potrà essere allevato e cresciuto tra il lusso e gli agi se lei si prenderà cura con affetto del bimbo deforme. Dopo vent’anni un principe infelice arriva in paese a ristorare il suo corpo malato. La madre vedrà in lui il figlio cambiato. Ma qual è la verità? La verità sarà quella a cui siamo disposti a credere.

Lo spettacolo è una rilettura dei vari testi in cui Pirandello affronta i temi del figlio cambiato in un dialogo serrato con la musica e le sonorità degli Agricantus, una world music che rielabora la tradizione musicale siciliana e del mediterraneo con la musica elettronica.

 

Durata 80 minuti

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Manas

Giorgia Panasci arpe
Giulia Perriera percussioni e effetti sonori

 

produzione ECU European Culture University

Manas è un progetto sperimentale musicale di Giorgia Panasci.
Il programma di musiche proposte vede il sacro e il barocco ripensato nella forma e nei colori e nell’utilizzo di strumenti a corde, le arpe, e percussioni, che richiamano l’oriente e l’antico.
La chiave sperimentale nelle musiche proposte da Giorgia Panasci, attraverso le sue arpe, a tratti suonata anche con oggetti non rituali, “investe” l’anima dell’ascoltatore come essenza della percezione sonora.
Manas che ha per significato forza soprannaturale impersonale e che approfondisce le sue radici dal termine religioso e filosofico orientale, nel programma proposto dal duo intende provare ad “entrare” nell’anima spirituale. La musica e la sonorizzazione quale collegamento fra l’Uomo Spirituale e il cervello fisico.
Manas ancora è il fuoco vivente che dà alla mente umana l’autocoscienza e l’auto-percezione, è il principio cosciente della Monade umana, dal greco monas a sua volta derivante da monos che significa singolo umano, unico, uno.

 

Durata 60 minuti

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Lo spettacolo è organizzato in collaborazione con Ierofanie Festival promosso dall’Assessorato dei Beni Culturali e dell’Identità Siciliana

Vincent van Gogh. La discesa infinita

performance teatrale scritta e diretta da Paola Veneto 
ispirata al libro “Follia? Vita di Vincent van Gogh” (Bompiani) di Giordano Bruno Guerri

sceneggiatura e regia Paola Veneto

musiche originali per pianoforte Giacomo del Colle Lauri Volpi
scenografie e costumi Paola Lo Sciuto

in scena
Giordano Bruno Guerri Se Stesso
Antonio Gargiulo Vincent van Gogh
Marco Paparella Theo van Gogh, Sartre, Gauguin, voce narrante
Edoardo Barbone Antonin Artaud
Paola Tarantino Elisabeth van Gogh, Sien, Adeline Ravoux 
Riccardo Avati Studente di storia dell’arte

 

produzione Lorenzo Zichichi (Il Cigno GG Edizioni)

 

 

Durata 80 minuti

Vincent van Gogh. La discesa infinita

performance teatrale scritta e diretta da Paola Veneto 
ispirata al libro “Follia? Vita di Vincent van Gogh” (Bompiani) di Giordano Bruno Guerri

sceneggiatura e regia Paola Veneto

musiche originali per pianoforte Giacomo del Colle Lauri Volpi
scenografie e costumi Paola Lo Sciuto

in scena
Giordano Bruno Guerri Se Stesso
Antonio Gargiulo Vincent van Gogh
Marco Paparella Theo van Gogh, Sartre, Gauguin, voce narrante
Edoardo Barbone Antonin Artaud
Paola Tarantino Elisabeth van Gogh, Sien, Adeline Ravoux 
Riccardo Avati Studente di storia dell’arte

 

produzione Lorenzo Zichichi (Il Cigno GG Edizioni)

 

 

Durata 80 minuti

Omu a mari. Il cunto delle sirene

di e con Gaspare Balsamo

collaborazione e assistenza Paolo Consoli
disegno luci Stefano Barbagallo

 

produzione Mobilità delle Arti

 

Omu a mari e Epica fera fanno parte del dittico Horcynus, un progetto che nasce e si sviluppa a partire dalla riscrittura di alcune parti del romanzo di Stefano D’Arrigo, Horcynus Orca. Protagonisti sono sempre i pescatori e gli uomini di mare dello Stretto di Messina, una comunità di uomini e donne raccontata nel loro complesso e plurale mondo di significati e appartenenze. Qui, in Omu a mari, è sviluppato il rapporto di formazione che si viene a creare tra il vecchio raccamatore di reti da pesca e cuntista di sirene e i giovani ragazzi che si accingono a intraprendere la vita di mare. Mare costacosta casacasa regno delle sirene, vere e immaginarie, che contribuiranno alla crescita e alla formazione di questi giovani pescatori pronti a trafficare nuove e vecchie avventure nelle acque dello Scill’e Cariddi fatto e disfatto a ogni colpo di remo, dentro, più dentro, dove il mare è mare.

 

Durata 60 minuti

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L’evento è organizzato nell’ambito del Festival della Bellezza

Alle 19:30 al Teatro Antico di Segesta, Salvatore Sciarrino incontra il pubblico per approfondire alcuni aspetti dell’opera.

 

 

Durata 60 minuti

Il 4 settembre alle 19:30 il compositore Salvatore Sciarrino incontra il pubblico per approfondire alcuni aspetti legati alla sua opera Infinito nero, in programma alle 20:30 al Teatro Antico di Segesta nella versione scenica di Davide Santi con la partecipazione di mdi ensemble e del soprano Livia Rado.

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Salvatore Sciarrino (Palermo, 1947), autodidatta, invita il fruitore delle sue opere a un diverso modo di ascoltare e a una nuova presa di coscienza della realtà e di sé. Accademico di Santa Cecilia, Accademico delle Belle Arti della Baviera e Accademico delle Arti (Berlino), ha ricevuto numerosi riconoscimenti fra cui il Premio Prince Pierre de Monaco, il Premio Internazionale Feltrinelli e il Musikpreis Salzburg. Oltre che dalla maggior parte dei libretti delle proprie opere teatrali, è autore di una ricca produzione di articoli, saggi e testi di vario genere.

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