Prova2

Acquista biglietti

di Giampiero Pizzol

regia Piero Ganci

assistenza tecnica Giuseppe Giangrasso, Michele Vella

assistenti di scena Annalisa Bosco, Raffaella Avila, Anna Lombardo, Serenella Spinelli, Piero Catanzaro, Paola Ferro

con Piero Ganci, Giuseppina Lombardo, Adriana Mirabella, Salvatore Agnello, Enrico Cammarata, Samanta Lombardo, Annalisa Lombardo, Mimmo Zappata, Gabriele Mannina, Marta Giangrasso, Gaia Guglielmino, Sergio Di Liberti, Laura Messana, Giuseppe Paziente, Gianni Di Benedetto, Mario Impellizzeri, Michelle Alaimo, Gloria D’Angelo, Mimmo Mondo, Lorena Misuraca, Samuele De Luca, Francesca Lo Presti, Sara De Luca, Gabriele Impastato, Valentina Crimi, Marco Messina, Enza Gandolfo, Anna Davi’, Rocco Di Giuseppe, Gianvito Ferrara, Rosa Pirrone, Dario Parrino, Alessandro Catanzaro, Baldo Sabella

produzione Associazione di Promozione Sociale “La Bellacompagnia”

durata 90’

 

Un Noè inventore e agricoltore, padre di tre figli scatenati e marito quasi fortunato di una moglie altrettanto energica e incline al matriarcato.

Sono questi gli ingredienti di una storia brillante che rilegge, nello spirito, il racconto biblico del Diluvio. Con l’arca, gli animali e l’inevitabile catastrofe, prende forma uno spettacolo coinvolgente e al tempo stesso graffiante, capace di mettere in luce, con ironia e leggerezza, i vizi dell’umanità.

Giampiero Pizzol, autore di numerosi testi teatrali, introduce inoltre un personaggio di origine biblica che aggiunge ulteriore comicità e un messaggio di sorprendente attualità: il serpente, figura seducente e ambigua per eccellenza.

Ma questa volta non avrà la meglio: accanto a Noè non ci sono soltanto la famiglia e gli animali, bensì Dio stesso, che interviene con inesauribile fantasia al momento opportuno.

Acquista biglietti

traduzione Nicola Cadoni

adattamento Emanuele Aldrovandi
e Serena Sinigaglia

regia Serena Sinigaglia

con Lella Costa

e con Marco Brinzi, Francesco Migliaccio, Stefano Orlandi, Pilar Perez Aspa, Giorgia Senesi, Irene Serini

scena Maria Spazzi (allestimento ridotto)

costumi Gianluca Sbicca

musiche Filippo Del Corno

consulenza musicale Sandra Zoccolan

musiche registrate da Sandra Zoccolan (voce) insieme a Ensemble Sentieri Selvaggi (Paola Fre, flauti; Luca Gusella e Andrea Dulbecco, percussioni)

coreografie Alessio Maria Romano

assistente scenografa Chiara Modolo

assistente alla regia Arianna Sorci

foto Serena Serrani

video Alberto Sansone

produzione INDA e Teatro Carcano

durata 90’

 

Una guerra interminabile, un mondo sull’orlo del collasso e un’unica, folle arma di ribellione: lo sciopero del sesso. Lisistrata torna sul palco, irresistibile e attualissima, per gridare: “Donne di tutto il mondo, unitevi!” Lisistrata si regge su un presupposto terribilmente serio e grave, qualcosa che affligge l’umanità da sempre e che pare essere da sempre inarrestabile: la guerra. Lisistrata stessa sembra scritta come un’eroina della tragedia. Altro che commedia! Un’Atene dove non ci sono più uomini, perché tutti al fronte. Un mondo che si sta sgretolando e intanto politici e tecnocrati di Atene e di Sparta che non sanno, non possono, non vogliono risolvere la situazione. Ci ricorda qualcosa? La grande commedia è sempre una provocazione, scandalo che scuote le coscienze. È l’assurdo che si fa segno di ribellione, di visioni altre, magari poco probabili ma forse possibili. Lo sciopero del sesso da parte delle donne può essere una soluzione per fermare la guerra? Per rilanciare la vita e l’amore? Oggi più di ieri questa esilarante e perfetta commedia ci parla. Il suo antico richiamo risuona potente: “Donne di tutto il mondo unitevi! Perché non ci provate? Magari è la volta buona che ci riuscite!”

Serena Sinigaglia

Acquista biglietti

traduzione Nicola Cadoni

adattamento Emanuele Aldrovandi
e Serena Sinigaglia

regia Serena Sinigaglia

con Lella Costa

e con Marco Brinzi, Francesco Migliaccio, Stefano Orlandi, Pilar Perez Aspa, Giorgia Senesi, Irene Serini

scena Maria Spazzi (allestimento ridotto)

costumi Gianluca Sbicca

musiche Filippo Del Corno

consulenza musicale Sandra Zoccolan

musiche registrate da Sandra Zoccolan (voce) insieme a Ensemble Sentieri Selvaggi (Paola Fre, flauti; Luca Gusella e Andrea Dulbecco, percussioni)

coreografie Alessio Maria Romano

assistente scenografa Chiara Modolo

assistente alla regia Arianna Sorci

foto Serena Serrani

video Alberto Sansone

produzione INDA e Teatro Carcano

durata 90’

 

Una guerra interminabile, un mondo sull’orlo del collasso e un’unica, folle arma di ribellione: lo sciopero del sesso. Lisistrata torna sul palco, irresistibile e attualissima, per gridare: “Donne di tutto il mondo, unitevi!” Lisistrata si regge su un presupposto terribilmente serio e grave, qualcosa che affligge l’umanità da sempre e che pare essere da sempre inarrestabile: la guerra. Lisistrata stessa sembra scritta come un’eroina della tragedia. Altro che commedia! Un’Atene dove non ci sono più uomini, perché tutti al fronte. Un mondo che si sta sgretolando e intanto politici e tecnocrati di Atene e di Sparta che non sanno, non possono, non vogliono risolvere la situazione. Ci ricorda qualcosa? La grande commedia è sempre una provocazione, scandalo che scuote le coscienze. È l’assurdo che si fa segno di ribellione, di visioni altre, magari poco probabili ma forse possibili. Lo sciopero del sesso da parte delle donne può essere una soluzione per fermare la guerra? Per rilanciare la vita e l’amore? Oggi più di ieri questa esilarante e perfetta commedia ci parla. Il suo antico richiamo risuona potente: “Donne di tutto il mondo unitevi! Perché non ci provate? Magari è la volta buona che ci riuscite!”

Serena Sinigaglia

Acquista biglietti

traduzione Nicola Cadoni

adattamento Emanuele Aldrovandi
e Serena Sinigaglia

regia Serena Sinigaglia

con Lella Costa

e con Marco Brinzi, Francesco Migliaccio, Stefano Orlandi, Pilar Perez Aspa, Giorgia Senesi, Irene Serini

scena Maria Spazzi (allestimento ridotto)

costumi Gianluca Sbicca

musiche Filippo Del Corno

consulenza musicale Sandra Zoccolan

musiche registrate da Sandra Zoccolan (voce) insieme a Ensemble Sentieri Selvaggi (Paola Fre, flauti; Luca Gusella e Andrea Dulbecco, percussioni)

coreografie Alessio Maria Romano

assistente scenografa Chiara Modolo

assistente alla regia Arianna Sorci

foto Serena Serrani

video Alberto Sansone

produzione INDA e Teatro Carcano

durata 90’

 

Una guerra interminabile, un mondo sull’orlo del collasso e un’unica, folle arma di ribellione: lo sciopero del sesso. Lisistrata torna sul palco, irresistibile e attualissima, per gridare: “Donne di tutto il mondo, unitevi!” Lisistrata si regge su un presupposto terribilmente serio e grave, qualcosa che affligge l’umanità da sempre e che pare essere da sempre inarrestabile: la guerra. Lisistrata stessa sembra scritta come un’eroina della tragedia. Altro che commedia! Un’Atene dove non ci sono più uomini, perché tutti al fronte. Un mondo che si sta sgretolando e intanto politici e tecnocrati di Atene e di Sparta che non sanno, non possono, non vogliono risolvere la situazione. Ci ricorda qualcosa? La grande commedia è sempre una provocazione, scandalo che scuote le coscienze. È l’assurdo che si fa segno di ribellione, di visioni altre, magari poco probabili ma forse possibili. Lo sciopero del sesso da parte delle donne può essere una soluzione per fermare la guerra? Per rilanciare la vita e l’amore? Oggi più di ieri questa esilarante e perfetta commedia ci parla. Il suo antico richiamo risuona potente: “Donne di tutto il mondo unitevi! Perché non ci provate? Magari è la volta buona che ci riuscite!”

Serena Sinigaglia

Acquista biglietti

Viaggio tra le canzoni di Battisti e Mogol

Gianmarco Carroccia voce

Marco Cataldi arrangiamenti e chitarra

Dario Troisi pianoforte

Michele Campo violino

Fabrizia Pandimiglio violoncello

durata 90’

 

Il concerto Emozioni nasce con l’intento di valorizzare e diffondere l’opera di due tra i più grandi protagonisti della musica italiana: Lucio Battisti e Mogol.

Il programma propone l’esecuzione rigorosamente dal vivo di circa venti brani che raccontano il loro straordinario sodalizio artistico, delineando una vera e propria biografia musicale e mettendo in luce le molteplici sfumature racchiuse in ogni canzone.

L’intero repertorio è interpretato da Gianmarco Carroccia, accompagnato da un quartetto che ne rispetta l’identità originale, offrendo una resa sonora intensa, fedele ed emozionante.

Gianmarco Carroccia (Fondi, 1988) è cantautore e interprete formatosi al C.E.T. Music di Mogol, dove si diploma come autore di testi. Si afferma a livello nazionale con il progetto Emozioni, dedicato a Lucio Battisti e Mogol, diventandone uno dei più apprezzati interpreti.

Dal 2014 collabora stabilmente con Mogol, portando in scena un concerto-racconto con orchestra che registra numerosi sold out nei principali teatri italiani. Il progetto approda anche in televisione su Rai e Mediaset, consolidando la sua popolarità presso il grande pubblico.

Oggi alterna l’attività live alla pubblicazione di nuovi brani, proseguendo un percorso artistico che unisce tradizione autorale e sensibilità contemporanea.

Acquista biglietti

regia Sergio Maifredi

traduzione Giorgio Ieranò

con

Arianna Scommegna, Mino Manni, Gianluigi Fogacci, Mariella Speranza, Mario Incudine, Coro delle donne troiane

musiche originali Mario Incudine

eseguite dal vivo da Antonio Vasta costumi Paola Ratto

luci Paolo Benvenuto

produzione Teatro Pubblico Ligure

durata 90’

 

Ecuba di Euripide è la tragedia di tutte le guerre. Un popolo sconfitto viene trascinato lontano dalla propria terra in fiamme, mentre anche i vincitori appaiono devastati dagli anni di conflitto.

In questo scenario Odisseo emerge come grande mediatore, maschera tragica capace di cercare una via diversa: non più la forza bruta, ma la forza della parola — affilata e crudele quanto una spada.

La tragedia diventa un grande cunto mediterraneo, patrimonio dei popoli affacciati su quel mare. Anche la lingua del cantore, il siciliano, è scelta come spazio capace di accogliere parole provenienti da ogni sponda.

Troia è caduta; le donne, come in ogni guerra, sono deportate, rese schiave, prigioniere. Il loro viaggio al seguito dell’esercito vincitore è appena iniziato.

È una tragedia che unisce la durezza della storia a una dimensione visionaria e quasi fiabesca. L’Ecuba interpretata da Arianna Scommegna possiede la forza di una madre e di una belva insieme: una regina capace di evocare incubi e vendette feroci.

Le musiche originali di Mario Incudine, eseguite dal vivo dallo stesso Incudine e dal maestro concertatore Antonio Vasta, e interpretate dal coro, conferiscono allo spettacolo una potenza antica, arcaica e misteriosa.

Acquista biglietti

regia Sergio Maifredi

traduzione Giorgio Ieranò

con

Arianna Scommegna, Mino Manni, Gianluigi Fogacci, Mariella Speranza, Mario Incudine, Coro delle donne troiane

musiche originali Mario Incudine

eseguite dal vivo da Antonio Vasta costumi Paola Ratto

luci Paolo Benvenuto

produzione Teatro Pubblico Ligure

durata 90’

 

Ecuba di Euripide è la tragedia di tutte le guerre. Un popolo sconfitto viene trascinato lontano dalla propria terra in fiamme, mentre anche i vincitori appaiono devastati dagli anni di conflitto.

In questo scenario Odisseo emerge come grande mediatore, maschera tragica capace di cercare una via diversa: non più la forza bruta, ma la forza della parola — affilata e crudele quanto una spada.

La tragedia diventa un grande cunto mediterraneo, patrimonio dei popoli affacciati su quel mare. Anche la lingua del cantore, il siciliano, è scelta come spazio capace di accogliere parole provenienti da ogni sponda.

Troia è caduta; le donne, come in ogni guerra, sono deportate, rese schiave, prigioniere. Il loro viaggio al seguito dell’esercito vincitore è appena iniziato.

È una tragedia che unisce la durezza della storia a una dimensione visionaria e quasi fiabesca. L’Ecuba interpretata da Arianna Scommegna possiede la forza di una madre e di una belva insieme: una regina capace di evocare incubi e vendette feroci.

Le musiche originali di Mario Incudine, eseguite dal vivo dallo stesso Incudine e dal maestro concertatore Antonio Vasta, e interpretate dal coro, conferiscono allo spettacolo una potenza antica, arcaica e misteriosa.

Laboratorio danza e movimento creativo

Ai partecipanti sarà richiesto di portare con sé un tappetino personale e di indossare abbigliamento comodo/sportivo.

Per pre-iscriversi occorrerà inviare una mail all’indirizzo barbara.lucarini@gmail.com

Un’esperienza di movimento creativo e danza libera aperta a tutti coloro che vogliano sperimentare un processo creativo in accordo con le proprie naturali propensioni espressive. Durante questo incontro focalizzeremo l’attenzione sulla percezione sensoriale e sul come ampliarla per essere presenti in modo pieno e consapevole. Lavoreremo ad occhi chiusi facendoci guidare dal tocco leggero per riscoprire la sorgente del nostro movimento. Ci faremo accompagnare in una esperienza che dal corpo ci conduce alla mente in una esplorazione immaginifica, un viaggio interiore, per dare spazio al nostro sentire e liberare la creatività nel qui ed ora dell’attimo presente.

Barbara Lucarini, danzatrice, danza terapeuta, psicoterapeuta, insegna danza contemporanea (release technique) e contact improvisation da circa 30 anni in contesti nazionali e internazionali. Ha insegnato molti anni stabilmente a Roma in diverse scuole tra cui lo IALS, il Duncan e l ‘Officina dell’arte. Ha collaborato per circa 10 anni come danza terapeuta con il centro italiano solidarietà contro le dipendenze (CEIS) e con il Centro di medicina solidale di Roma. Attualmente svolge l’attività di psicoterapeuta e conduce laboratori di movimento creativo, movimento autentico e contact improvisation.

Acquista biglietti

musiche di G. Puccini, A, Lennox, G. Gershwin, J. Brahms, M. Pace, L. Di Bella, C. Santoro, A. Dvorák, R. Smith, The Beatles, Billy Joel

Luciana Di Bella voce

Massimiliano Pace pianoforte

Evva Mizerska, Antonino Saladino Giorgio Garofalo, Mauro Greco violoncelli

costumi Dora Argento

fonica Paolo Modugno

durata 80’

 

Lullaby non è solo un album e un concerto, ma è soprattutto un luogo, un rifugio, una bolla spazio-temporale, un altrove dove verrete accolti attraverso un viaggio emotivo senza precedenti. È un approfondito lavoro di ricerca sul concetto di ninna nanna. Il notturno onirico come un “luogo di abbandono”, un luogo in cui tutti i conflitti interiori e le discordie quotidiane vengono sospesi lasciando spazio ad immagini e suggestioni profonde. Un abbraccio musicale ed emotivo in cui il bambino interiore in ognuno di noi viene risvegliato dalla voce poliedrica di Luciana Di Bella. Lullaby è anche un momento di riflessione sugli abissi inesplorati del sogno. È una carezza senza età, senza genere e senza legami di relazione. Lo stile musicale di Lullaby è trasversale, un viaggio che attraversa ninna nanne dalla lirica al rock, tra brani noti e composizioni originali di Massimiliano Pace e della stessa Luciana Di Bella. Questo approccio unico e innovativo garantisce un’esperienza musicale coinvolgente e sorprendente per un pubblico di tutte le età. Il sodalizio artistico tra Luciana Di Bella e Massimiliano Pace è un’unione creativa definita dalla critica come un ‘connubio perfetto’ tra il mondo lirico e la sperimentazione contemporanea.

Luciana Di Bella, soprano dal timbro luminoso, diplomatasi con il massimo dei voti al Conservatorio di Trapani. Vincitrice di numerosi concorsi internazionali, ha debuttato giovanissima con un album distribuito da Sony. Apprezzata per l’eclettismo, spazia dal repertorio barocco alla musica contemporanea e sacra. Ha riscosso successi su palchi prestigiosi, da Londra a Los Angeles, collaborando con rinomate orchestre. Artista versatile premiata per l’eccellenza vocale e interpretativa.

Massimiliano Pace, pianista e compositore, è uno dei principali autori italiani di musiche di scena per il teatro contemporaneo. Ha firmato le colonne sonore di celebri allestimenti come Aspettando Godot e Moby Dick. Tra i suoi successi recenti spiccano le musiche per Indovina chi viene a cena (2025) e il progetto Lullaby. Specializzato nel dialogo tra musica e immagine, integra pianoforte e tecnologie digitali in opere di teatro-danza e prosa. Firma d’eccellenza per la sonorizzazione dei palcoscenici nazionali.

Acquista biglietti

ideazione, direzione e regia Liu Ruo-Yu

con

Huang Chih-Chun, Huang Kun-Min, Su Yu-Xuan, Chang Ya-Lun, Ou Kui-Lan, Liu Ping-Tsen, Liu Shu-Chih, Kan Po-Chu, Hsu Ching-Fang, Lin Ching-Sheng, Ting Yong-Ning, Chen Hsin-Yuan, Huang Yu-Ting, Chou Chun-Tsung , Ou Hua-Yung

direttore artistico Huang Chih-Chun

scenografia e light design Lin Keh-Hua

costumi Tim Yip

mask design Chang Wang

direttrice programmazione e produzione Lee Lulu

direttore di produzione Lai Johnathan

stage manager Liao Dun-Gen

fonico Lin Ting-Kai

produzione U-Theatre

durata 70’

 

Il guerriero di Sword of Wisdom non combatte un nemico esterno. La sua battaglia è interiore: riguarda l’ignoranza, la confusione, l’illusione. La spada della saggezza, evocata dal titolo, non è un’arma tradizionale, ma un bastone che cambia funzione e significato nel corso dello spettacolo: diventa strumento di ricerca, di difesa, di rivelazione. È al tempo stesso oggetto fisico e simbolo, guida il movimento e scandisce il ritmo.

Sword of Wisdom è uno spettacolo di percussioni e arti performative che mette in scena il percorso di un guerriero alle prese con le proprie paure, i propri limiti e la necessità di attraversarli. Creato da U-Theatre, storica compagnia taiwanese, lo spettacolo unisce drumming, arti marziali, danza e movimento rituale in una forma scenica potente e rigorosa.

Lo spettacolo è articolato in sei quadri, che seguono le tappe di questo cammino. Dalla discesa nel mondo umano alla presa di coscienza, dall’attraversamento del conflitto al ruggito che scuote e risveglia, fino al gesto finale in cui il guerriero depone la spada. Ogni quadro sviluppa una diversa relazione tra corpo e suono: il tamburo non accompagna l’azione, ma la genera; il movimento non illustra la musica, ma ne è parte integrante.

Le arti marziali forniscono la struttura dei gesti: colpi, affondi, rotazioni e posture sono eseguiti con una precisione estrema, frutto di anni di allenamento. Il drumming costruisce un paesaggio sonoro che alterna silenzi tesi e esplosioni ritmiche, creando una continua oscillazione tra immobilità e potenza. Il corpo del performer diventa così luogo di concentrazione assoluta, dove forza e controllo convivono.

Pur radicato in un immaginario orientale, Sword of Wisdom parla in modo diretto anche a un pubblico occidentale. Il viaggio del guerriero, la lotta contro la paura, il confronto con la propria fragilità sono temi universali, tradotti qui in una forma scenica essenziale, fisica, maestosa. Lo spettacolo non racconta una storia nel senso tradizionale, ma costruisce un’esperienza che si impone per chiarezza, rigore e intensità.

 

Fondata nel 1988 a Taiwan da Liu Ruo-Yu, U-Theatre è una delle più importanti compagnie di arti performative dell’Asia, riconosciuta a livello internazionale per la forza visiva e la profondità spirituale delle sue creazioni. Il gruppo nasce dall’incontro tra teatro contemporaneo, arti marziali orientali, drumming, meditazione e movimento sacro, sviluppandone tempo un linguaggio scenico originale noto e dei metodi di training di Jerzy Grotowski, rielaborati attraverso pratiche corporee orientali e una rigorosa disciplina quotidiana. Dal 1993, con l’ingresso del percussionista Huang Chih- Chun, la meditazione diventa parte integrante del processo creativo e formativo della compagnia. Le produzioni di U-Theatre sono caratterizzate da una forte consapevolezza corporea, da una musicalità intensa e da una ricerca costante sul rapporto tra arte, presenza e trasformazione interiore. Negli ultimi decenni l’ensemble si è esibito nei più prestigiosi teatri e festival del mondo, affermandosi come punto di riferimento internazionale per una performing art che unisce ritualità, virtuosismo e contemporaneità.

Acquista biglietti

ideazione, direzione e regia Liu Ruo-Yu

con

Huang Chih-Chun, Huang Kun-Min, Su Yu-Xuan, Chang Ya-Lun, Ou Kui-Lan, Liu Ping-Tsen, Liu Shu-Chih, Kan Po-Chu, Hsu Ching-Fang, Lin Ching-Sheng, Ting Yong-Ning, Chen Hsin-Yuan, Huang Yu-Ting, Chou Chun-Tsung , Ou Hua-Yung

direttore artistico Huang Chih-Chun

scenografia e light design Lin Keh-Hua

costumi Tim Yip

mask design Chang Wang

direttrice programmazione e produzione Lee Lulu

direttore di produzione Lai Johnathan

stage manager Liao Dun-Gen

fonico Lin Ting-Kai

produzione U-Theatre

durata 70’

 

Il guerriero di Sword of Wisdom non combatte un nemico esterno. La sua battaglia è interiore: riguarda l’ignoranza, la confusione, l’illusione. La spada della saggezza, evocata dal titolo, non è un’arma tradizionale, ma un bastone che cambia funzione e significato nel corso dello spettacolo: diventa strumento di ricerca, di difesa, di rivelazione. È al tempo stesso oggetto fisico e simbolo, guida il movimento e scandisce il ritmo.

Sword of Wisdom è uno spettacolo di percussioni e arti performative che mette in scena il percorso di un guerriero alle prese con le proprie paure, i propri limiti e la necessità di attraversarli. Creato da U-Theatre, storica compagnia taiwanese, lo spettacolo unisce drumming, arti marziali, danza e movimento rituale in una forma scenica potente e rigorosa.

Lo spettacolo è articolato in sei quadri, che seguono le tappe di questo cammino. Dalla discesa nel mondo umano alla presa di coscienza, dall’attraversamento del conflitto al ruggito che scuote e risveglia, fino al gesto finale in cui il guerriero depone la spada. Ogni quadro sviluppa una diversa relazione tra corpo e suono: il tamburo non accompagna l’azione, ma la genera; il movimento non illustra la musica, ma ne è parte integrante.

Le arti marziali forniscono la struttura dei gesti: colpi, affondi, rotazioni e posture sono eseguiti con una precisione estrema, frutto di anni di allenamento. Il drumming costruisce un paesaggio sonoro che alterna silenzi tesi e esplosioni ritmiche, creando una continua oscillazione tra immobilità e potenza. Il corpo del performer diventa così luogo di concentrazione assoluta, dove forza e controllo convivono.

Pur radicato in un immaginario orientale, Sword of Wisdom parla in modo diretto anche a un pubblico occidentale. Il viaggio del guerriero, la lotta contro la paura, il confronto con la propria fragilità sono temi universali, tradotti qui in una forma scenica essenziale, fisica, maestosa. Lo spettacolo non racconta una storia nel senso tradizionale, ma costruisce un’esperienza che si impone per chiarezza, rigore e intensità.

 

Fondata nel 1988 a Taiwan da Liu Ruo-Yu, U-Theatre è una delle più importanti compagnie di arti performative dell’Asia, riconosciuta a livello internazionale per la forza visiva e la profondità spirituale delle sue creazioni. Il gruppo nasce dall’incontro tra teatro contemporaneo, arti marziali orientali, drumming, meditazione e movimento sacro, sviluppandone tempo un linguaggio scenico originale noto e dei metodi di training di Jerzy Grotowski, rielaborati attraverso pratiche corporee orientali e una rigorosa disciplina quotidiana. Dal 1993, con l’ingresso del percussionista Huang Chih- Chun, la meditazione diventa parte integrante del processo creativo e formativo della compagnia. Le produzioni di U-Theatre sono caratterizzate da una forte consapevolezza corporea, da una musicalità intensa e da una ricerca costante sul rapporto tra arte, presenza e trasformazione interiore. Negli ultimi decenni l’ensemble si è esibito nei più prestigiosi teatri e festival del mondo, affermandosi come punto di riferimento internazionale per una performing art che unisce ritualità, virtuosismo e contemporaneità.

Acquista biglietti

con

Burak Savaş (Turkey) vocals, tanbur, violin

Antonio Moreno Glazkov (Spain-Russia) trumpet, synthesizer

Bence Huszar (Hungary) cello, electronics

Sjahin During (Turkey-Netherlands) percussion

durata 80’

 

Afro Anatolian Tales è un progetto musicale che intreccia antiche canzoni e ritmi della Via della Seta con suoni contemporanei, creando un ponte sonoro tra Oriente e Occidente. Un viaggio ipnotico in cui la tradizione si trasforma in innovazione senza tempo. Fondato dal percussionista olandese-turco Sjahin During, il progetto ha base ad Amsterdam e si esprime attraverso un quartetto principale e formazioni in continua evoluzione. Il debutto discografico Afro Anatolian Tales (Double Moon Records, 2008) ha ottenuto ampio riconoscimento internazionale, ricevendo una recensione a 5 stelle su Songlines Magazine ed entrando nella Top 5 di Charlie Gillett (BBC). Traendo ispirazione dalle tradizioni musicali dell’Anatolia, dell’Iran, dell’India e di altre culture della Via della Seta, Afro Anatolian Tales fonde elementi ritmici e melodici antichi con elettronica contemporanea e improvvisazione. La loro musica trascende i confini di genere, dando vita a paesaggi sonori immersivi e cinematografici. Le performance nascono dal dialogo tra luogo, momento e persone coinvolte, rendendo ogni concerto un’esperienza unica e irripetibile. Tarab Dance rappresenta la terza produzione del progetto e sarà accompagnata da un tour internazionale nel 2026.

Acquista biglietti

regia Roberto Latini

traduzione Andrea Rodighiero

con Silvia Battaglio, Ilaria Drago, Manuela Kustermann, Roberto Latini, Francesca Mazza

scene Gregorio Zurla

costumi Gianluca Sbicca

musica e suono Gianluca Misiti

luci e direzione tecnica Max Mugnai

in collaborazione con Bàste Sartoria

produzione La Fabbrica dell’Attore teatro Vascello – Teatro di Roma teatro Nazionale

durata 100’

 

Antigone è nel destino del Teatro di ogni tempo. È uno dei modelli archetipici che ci accompagnano a prescindere dalla nostra storia, cultura, religione, visione. È filosofia scesa intorno a noi, che ci cammina accanto, che ci chiede, che ci ascolta. È una delle prove del nostro essere umani, una di quelle poche che abbiamo scelto di portarci attraverso i secoli, per affermarci e riconoscerci. Per consolarci, promettendo a noi stessi di averne cura. L’abbiamo evocata, immaginata, misurata al nostro poco. L’abbiamo trattenuta, pregata, liberata nel cuore. L’abbiamo raccontata, ogni volta che abbiamo potuto. L’abbiamo riscritta con le parole nuove che abbiamo imparato vivendo, morendo nel quotidiano fallire, sapendo che ogni variazione è già Teatro. Le parole sono in movimento, avanti e indietro e intorno al punto di percezione di quando siamo spettatori. Il dono che portiamo è una promessa e quella di Anouilh è un’Antigone che ci parla da così vicino che quasi quasi potremmo abbracciarla. La sentiamo dire di noi in tutte le lingue, e capiamo tutto, ogni sfumatura, silenzio, respiro. Di Antigone, Anouilh, non ha riscritto le parole, ha scritto la voce. Antigone o della disputa della ragione, delle ragioni. Penso a questo testo come a un soliloquio a più voci. Una confessione intima e segreta, nella verità vera, scomoda, incapace, parziale, che ci dice che la nostalgia del vivere è precedente a tutti noi, perché sappiamo da sempre che quel corpo insepolto siamo noi mentre siamo ancora vivi. Anche per questo, ho distribuito i ruoli in due modalità diverse e complementari. Alcuni personaggi corrispondono a se stessi, altri al proprio riflesso. Antigone e Creonte, come di fronte a uno specchio: chi è Antigone è il riflesso di Creonte e chi è Creonte è il riflesso di Antigone. A Teatro parliamo sempre di questo: Essere uomini o essere umani.

Roberto Latini

Acquista biglietti

regia Roberto Latini

traduzione Andrea Rodighiero

con Silvia Battaglio, Ilaria Drago, Manuela Kustermann, Roberto Latini, Francesca Mazza

scene Gregorio Zurla

costumi Gianluca Sbicca

musica e suono Gianluca Misiti

luci e direzione tecnica Max Mugnai

in collaborazione con Bàste Sartoria

produzione La Fabbrica dell’Attore teatro Vascello – Teatro di Roma teatro Nazionale

durata 100’

 

Antigone è nel destino del Teatro di ogni tempo. È uno dei modelli archetipici che ci accompagnano a prescindere dalla nostra storia, cultura, religione, visione. È filosofia scesa intorno a noi, che ci cammina accanto, che ci chiede, che ci ascolta. È una delle prove del nostro essere umani, una di quelle poche che abbiamo scelto di portarci attraverso i secoli, per affermarci e riconoscerci. Per consolarci, promettendo a noi stessi di averne cura. L’abbiamo evocata, immaginata, misurata al nostro poco. L’abbiamo trattenuta, pregata, liberata nel cuore. L’abbiamo raccontata, ogni volta che abbiamo potuto. L’abbiamo riscritta con le parole nuove che abbiamo imparato vivendo, morendo nel quotidiano fallire, sapendo che ogni variazione è già Teatro. Le parole sono in movimento, avanti e indietro e intorno al punto di percezione di quando siamo spettatori. Il dono che portiamo è una promessa e quella di Anouilh è un’Antigone che ci parla da così vicino che quasi quasi potremmo abbracciarla. La sentiamo dire di noi in tutte le lingue, e capiamo tutto, ogni sfumatura, silenzio, respiro. Di Antigone, Anouilh, non ha riscritto le parole, ha scritto la voce. Antigone o della disputa della ragione, delle ragioni. Penso a questo testo come a un soliloquio a più voci. Una confessione intima e segreta, nella verità vera, scomoda, incapace, parziale, che ci dice che la nostalgia del vivere è precedente a tutti noi, perché sappiamo da sempre che quel corpo insepolto siamo noi mentre siamo ancora vivi. Anche per questo, ho distribuito i ruoli in due modalità diverse e complementari. Alcuni personaggi corrispondono a se stessi, altri al proprio riflesso. Antigone e Creonte, come di fronte a uno specchio: chi è Antigone è il riflesso di Creonte e chi è Creonte è il riflesso di Antigone. A Teatro parliamo sempre di questo: Essere uomini o essere umani.

Roberto Latini

laboratorio campane tibetane

Si consigliano abiti comodi e larghi e si richiede tappetino personale

Il laboratorio è rivolto a un massimo di 20 partecipanti.

per iscrizioni: stefanomaltese5@libero.it

durata 2h e 30’

 

“Il corpo è per l’anima lo spazio natio e la matrice di ogni spazio esistente” (Merleau-Ponty)

L’ incontro sarà un’esplorazione del corpo in movimento, questo contenitore di sogni, desideri, risorse e buie profondità. Risvegliando il corpo con movimenti che veicolano l’energia vitale, allineandolo con strutture di movimento che riequilibrano il sistema nervoso, creiamo lo spazio per giocare e lasciar fluire nel movimento ciò che è in noi e insieme agli altri. Sperimentiamo l’unione tra il fluire del corpo e la vibrazione profonda. In questa sessione, movimento, suono e vibrazioni si fondono: il tamburo sciamanico che guiderà il movimento del corpo, mentre i gong e le campane tibetane ci aiuteranno a sciogliere le tensioni fisiche e a sintonizzare ogni cellula su una frequenza di profondo rilassamento e armonia interiore.

Alessandra Luberti è danzatrice coreografa, danza-movimento terapeuta, insegnante di Metodo Feldenkrais, insegnante di Gyrokinesis e biosonologa.

Stefano Maltese è operatore in tecniche sonore con strumenti ancestrali gong e campane tibetane. Specializzato in massaggio sonoro vibrazionale individuale con le campane tibetane.

Acquista biglietti

regia Roberto Latini

traduzione Andrea Rodighiero

con Silvia Battaglio, Ilaria Drago, Manuela Kustermann, Roberto Latini, Francesca Mazza

scene Gregorio Zurla

costumi Gianluca Sbicca

musica e suono Gianluca Misiti

luci e direzione tecnica Max Mugnai

in collaborazione con Bàste Sartoria

produzione La Fabbrica dell’Attore teatro Vascello – Teatro di Roma teatro Nazionale

durata 100’

 

Antigone è nel destino del Teatro di ogni tempo. È uno dei modelli archetipici che ci accompagnano a prescindere dalla nostra storia, cultura, religione, visione. È filosofia scesa intorno a noi, che ci cammina accanto, che ci chiede, che ci ascolta. È una delle prove del nostro essere umani, una di quelle poche che abbiamo scelto di portarci attraverso i secoli, per affermarci e riconoscerci. Per consolarci, promettendo a noi stessi di averne cura. L’abbiamo evocata, immaginata, misurata al nostro poco. L’abbiamo trattenuta, pregata, liberata nel cuore. L’abbiamo raccontata, ogni volta che abbiamo potuto. L’abbiamo riscritta con le parole nuove che abbiamo imparato vivendo, morendo nel quotidiano fallire, sapendo che ogni variazione è già Teatro. Le parole sono in movimento, avanti e indietro e intorno al punto di percezione di quando siamo spettatori. Il dono che portiamo è una promessa e quella di Anouilh è un’Antigone che ci parla da così vicino che quasi quasi potremmo abbracciarla. La sentiamo dire di noi in tutte le lingue, e capiamo tutto, ogni sfumatura, silenzio, respiro. Di Antigone, Anouilh, non ha riscritto le parole, ha scritto la voce. Antigone o della disputa della ragione, delle ragioni. Penso a questo testo come a un soliloquio a più voci. Una confessione intima e segreta, nella verità vera, scomoda, incapace, parziale, che ci dice che la nostalgia del vivere è precedente a tutti noi, perché sappiamo da sempre che quel corpo insepolto siamo noi mentre siamo ancora vivi. Anche per questo, ho distribuito i ruoli in due modalità diverse e complementari. Alcuni personaggi corrispondono a se stessi, altri al proprio riflesso. Antigone e Creonte, come di fronte a uno specchio: chi è Antigone è il riflesso di Creonte e chi è Creonte è il riflesso di Antigone. A Teatro parliamo sempre di questo: Essere uomini o essere umani.

Roberto Latini

Acquista biglietti

spettacolo scientifico di narrazione dei miti celesti, proiezioni astronomiche ed estemporanea musicale

Ideazione e regia Marcello Barrale

Voce recitante Marcello Barrale

Musica live electronics Alfredo Giammanco

Logistica, regia tecnica e scenografia Massimo Torcivia

Servizi tecnici Dottor Service

durata 40’

 

All’interno del Tempio, il pubblico potrà assistere, comodamente seduto, a una lezione teatralizzata accompagnata da musica live electronics, in un’esperienza immersiva che intreccia divulgazione scientifica, narrazione e sound art.

Lo spettacolo, strutturato in chiave storica, prende avvio dalle prime teorie cosmologiche delle civiltà antiche, esplorando l’idea dello spazio, del tempo e della grandezza dell’universo osservabile. Attraverso un racconto progressivo, il viaggio conduce lo spettatore dall’immagine delle stelle fisse delle prime civiltà fino alle più avanzate teorie contemporanee, come il Big Bang, la relatività generale, le ipotesi dei multiversi e delle multidimensioni.

Il percorso attraversa le cosmologie di Assiri, Babilonesi ed Egizi, passando per le grandi rivoluzioni scientifiche che hanno ampliato, nel corso dei secoli, la percezione del cosmo e del nostro posto al suo interno.

La narrazione è accompagnata da immagini spettacolari, animazioni immersive e proiezioni astronomiche, con i corpi celesti proiettati in diretta dal telescopio su maxi schermo, creando un dialogo costante tra parola, suono e visione.

La voce narrante di Marcello Barrale, filosofo della scienza e divulgatore scientifico, e la musica dal vivo di Alfredo Giammanco trasformano lo spazio sacro del Tempio in un luogo di incontro tra arte e scienza, offrendo al pubblico un’esperienza di conoscenza, meraviglia e contemplazione dell’universo.

Acquista biglietti

spettacolo scientifico di narrazione dei miti celesti, proiezioni astronomiche ed estemporanea musicale

Ideazione e regia Marcello Barrale

Voce recitante Marcello Barrale

Musica live electronics Alfredo Giammanco

Logistica, regia tecnica e scenografia Massimo Torcivia

Servizi tecnici Dottor Service

durata 40’

 

All’interno del Tempio, il pubblico potrà assistere, comodamente seduto, a una lezione teatralizzata accompagnata da musica live electronics, in un’esperienza immersiva che intreccia divulgazione scientifica, narrazione e sound art.

Lo spettacolo, strutturato in chiave storica, prende avvio dalle prime teorie cosmologiche delle civiltà antiche, esplorando l’idea dello spazio, del tempo e della grandezza dell’universo osservabile. Attraverso un racconto progressivo, il viaggio conduce lo spettatore dall’immagine delle stelle fisse delle prime civiltà fino alle più avanzate teorie contemporanee, come il Big Bang, la relatività generale, le ipotesi dei multiversi e delle multidimensioni.

Il percorso attraversa le cosmologie di Assiri, Babilonesi ed Egizi, passando per le grandi rivoluzioni scientifiche che hanno ampliato, nel corso dei secoli, la percezione del cosmo e del nostro posto al suo interno.

La narrazione è accompagnata da immagini spettacolari, animazioni immersive e proiezioni astronomiche, con i corpi celesti proiettati in diretta dal telescopio su maxi schermo, creando un dialogo costante tra parola, suono e visione.

La voce narrante di Marcello Barrale, filosofo della scienza e divulgatore scientifico, e la musica dal vivo di Alfredo Giammanco trasformano lo spazio sacro del Tempio in un luogo di incontro tra arte e scienza, offrendo al pubblico un’esperienza di conoscenza, meraviglia e contemplazione dell’universo.

Acquista biglietti

direzione artistica e coreografia Roberta Pisu

composizione Leonhard Kuh

musica Arcis Saxophon Quartett

danzatori Alfonso Fernández Sánchez, Fabio Calvisi, Vittoria Franchina, Elisabet Morera Nadal

cura dei costumi Bregje van Balen

sartoria Lucia Zettl

assistente alla coreografia Francesca Poglie

riprese video Florian Leuschner, Georg Stirnweiß

montaggio video Alfonso Fernández Sánchez

fotografia Martin Misere, Georg Stirnweiß, Robert Fischer

produzione arcis_collective, Neustart Kultur, NPN (NATIONALES PERFORMANCE NETZ), BLZT, NEUE START KULTURE, Tanz tendenz München

durata 60’

 

K.I.nd of Human è una performance con quattro danzatori e quattro musicisti, che esplora il rapporto in continua evoluzione tra l’umanità e l’intelligenza artificiale. Presentata in anteprima nel 2022 a Monaco di Baviera, l’opera indaga l’immenso potenziale dell’IA, affrontandone al contempo i limiti intrinseci, il più evidente dei quali è l’incapacità di sperimentare la mortalità. Con una partitura originale di Leonard Kuhn, composta in collaborazione con l’intelligenza artificiale, la musica si trasforma progressivamente da elettronica ad acustica, riflettendo un viaggio dall’artificiale all’umano. Lo spettacolo si apre con i musicisti che suonano i sassofoni immersi sott’acqua, i loro suoni intrecciati con composizioni elettroniche, a evocare metaforicamente la nascita degli umanoidi. Man mano che il pezzo si sviluppa, sia la musica che il movimento eliminano gradualmente gli strati di artificialità, culminando in un finale completamente acustico che celebra la bellezza effimera dell’esistenza umana. In un’epoca in cui l’intelligenza artificiale è sempre più integrata nelle nostre vite, K.I.nd of Human solleva domande profonde: cosa ci definisce veramente come esseri umani?

L’opera si concentra su tre qualità fondamentali: fisicità, transitorietà e unicità. Questa produzione non si limita a criticare la tecnologia, ma dialoga con essa, sfidando le paure diffuse riguardo all’ascesa dell’IA e invitando il pubblico a esplorarne le possibilità sconosciute. L’IA può creare arte? L’arte richiede consapevolezza di sé, intenzione e una prospettiva unica, tratti che l’intelligenza artificiale, nonostante i suoi progressi, potrebbe non possedere mai del tutto. Mentre la tecnologia continua a evolversi, i confini tra artificiale e organico restano incerti, spingendoci a chiederci quanto di noi stessi siamo disposti a cedere alla macchina.

Acquista biglietti

Racconti di miti e leggende del cielo e osservazioni ai telescopi

Osservazioni astronomiche: operatori scientifici del Planetario di Palermo

Marcello Barrale
Massimo Torcivia

durata 40’

 

Ritorna una grande serata di osservazioni astronomiche nel piazzale del Tempio, con tre postazioni di telescopi professionali che permetteranno al pubblico di osservare direttamente all’oculare ammassi stellari, nebulose e galassie.

Le osservazioni saranno accompagnate e integrate da una narrazione divulgativa dedicata alle costellazioni, ai miti e alle leggende che le attraversano, offrendo un’esperienza che unisce scienza, immaginazione e racconto simbolico.

Si tratta di uno spettacolo partecipativo, in cui il pubblico è coinvolto attivamente durante tutte le fasi del percorso.

Un appuntamento suggestivo che trasforma il piazzale del Tempio in uno spazio di osservazione, ascolto e meraviglia, mettendo in relazione il cielo stellato, il mito e il sapere scientifico.

Al tramonto il cielo si farà protagonista con un evento di straordinario fascino: l’eclissi di sole, un fenomeno raro e potente che invita a rallentare lo sguardo e ad alzarlo verso l’orizzonte.

Quando la luce del giorno inizierà a dissolversi, l’esperienza continuerà con l’osservazione guidata del cielo notturno: stelle cadenti e la Via Lattea si sveleranno in tutta la loro bellezza, offrendo al pubblico un viaggio tra scienza, meraviglia e contemplazione.

Un momento unico in cui natura, astronomia ed emozione si incontrano sotto lo stesso cielo.

Acquista biglietti

Racconti di miti e leggende del cielo e osservazioni ai telescopi

Osservazioni astronomiche: operatori scientifici del Planetario di Palermo

Marcello Barrale
Massimo Torcivia

durata 40’

 

Ritorna una grande serata di osservazioni astronomiche nel piazzale del Tempio, con tre postazioni di telescopi professionali che permetteranno al pubblico di osservare direttamente all’oculare ammassi stellari, nebulose e galassie.

Le osservazioni saranno accompagnate e integrate da una narrazione divulgativa dedicata alle costellazioni, ai miti e alle leggende che le attraversano, offrendo un’esperienza che unisce scienza, immaginazione e racconto simbolico.

Si tratta di uno spettacolo partecipativo, in cui il pubblico è coinvolto attivamente durante tutte le fasi del percorso.

Un appuntamento suggestivo che trasforma il piazzale del Tempio in uno spazio di osservazione, ascolto e meraviglia, mettendo in relazione il cielo stellato, il mito e il sapere scientifico.

Al tramonto il cielo si farà protagonista con un evento di straordinario fascino: l’eclissi di sole, un fenomeno raro e potente che invita a rallentare lo sguardo e ad alzarlo verso l’orizzonte.

Quando la luce del giorno inizierà a dissolversi, l’esperienza continuerà con l’osservazione guidata del cielo notturno: stelle cadenti e la Via Lattea si sveleranno in tutta la loro bellezza, offrendo al pubblico un viaggio tra scienza, meraviglia e contemplazione.

Un momento unico in cui natura, astronomia ed emozione si incontrano sotto lo stesso cielo.

Acquista biglietti

Racconti di miti e leggende del cielo e osservazioni ai telescopi

Osservazioni astronomiche: operatori scientifici del Planetario di Palermo

Marcello Barrale
Massimo Torcivia

durata 40’

 

Ritorna una grande serata di osservazioni astronomiche nel piazzale del Tempio, con tre postazioni di telescopi professionali che permetteranno al pubblico di osservare direttamente all’oculare ammassi stellari, nebulose e galassie.

Le osservazioni saranno accompagnate e integrate da una narrazione divulgativa dedicata alle costellazioni, ai miti e alle leggende che le attraversano, offrendo un’esperienza che unisce scienza, immaginazione e racconto simbolico.

Si tratta di uno spettacolo partecipativo, in cui il pubblico è coinvolto attivamente durante tutte le fasi del percorso.

Un appuntamento suggestivo che trasforma il piazzale del Tempio in uno spazio di osservazione, ascolto e meraviglia, mettendo in relazione il cielo stellato, il mito e il sapere scientifico.

Al tramonto il cielo si farà protagonista con un evento di straordinario fascino: l’eclissi di sole, un fenomeno raro e potente che invita a rallentare lo sguardo e ad alzarlo verso l’orizzonte.

Quando la luce del giorno inizierà a dissolversi, l’esperienza continuerà con l’osservazione guidata del cielo notturno: stelle cadenti e la Via Lattea si sveleranno in tutta la loro bellezza, offrendo al pubblico un viaggio tra scienza, meraviglia e contemplazione.

Un momento unico in cui natura, astronomia ed emozione si incontrano sotto lo stesso cielo.

Acquista biglietti

Peppe Servillo voce

Peppe D’Argenzio sax

Duilio Galioto piano e tastiere

Ferruccio Spinetti contrabbasso

Mimì Ciaramella batteria

produzione Ponderosa e Bellosguardo Srl

durata 90’

Gli Avion Travel ripercorrono la loro storia con uno sguardo leggero e profondo insieme, riportando in scena brani preziosi e meno frequentati del loro repertorio: canzoni complesse, ambiziose, oggi più che mai amate dal pubblico.

Nata a Caserta nel 1980, la Piccola Orchestra Avion Travel attraversa negli anni rock, pop e new wave, intrecciando musica, teatro e cinema.

Dalla vittoria al Festival di Sanremo 1987 con Sorpassando fino al successo del 2000 con Sentimento, la band costruisce un percorso artistico originale e riconoscibile. Album come Bellosguardo, Opplà e Finalmente Fiori segnano tappe fondamentali della loro storia.

Tra i progetti più significativi: l’opera musicale La guerra vista dalla luna con Fabrizio Bentivoglio, il lavoro con il produttore Arto Lindsay per Cyrano, le colonne sonore e l’album dal vivo Vivo di Canzoni.

Nel 2009 pubblicano L’amico magico, dedicato alle musiche di Nino Rota.

Nel 2017 la scomparsa di Fausto Mesolella segna profondamente il gruppo, che continua però il proprio cammino rinnovandosi.

Oggi gli Avion Travel si presentano con una formazione che unisce storici protagonisti e nuove energie, mantenendo intatta la loro cifra stilistica: canzoni che viaggiano dal cuore alla testa e ritorno.

Acquista biglietti

regia Moni Ovadia e Mario Incudine

musiche Mario Incudine con la collaborazione di Antonio Vasta

scene Gianni Carluccio

costumi Elisa Sav

movimenti coreografici Dario La Ferla

con

Moni Ovadia, Mario Incudine, Federica Luna Vincenti, Paride Benassai, Eugenio Mastrandrea e con Alessandra Salamida, Rita Abele, Aurora Cimino, Federica Gurrieri

e con i musicisti Antonio Vasta, Manfredi Tumminello e Pino Ricosta e Coro delle supplici in collaborazione Tindari Festival

produzione Associazione Spettacolo Cultura APS con Goldenart in collaborazione con INDA, distribuzione nazionale: A.S.C. Production Srl

durata 90’

 

Dopo il grande successo al Teatro Greco di Siracusa, torna in scena con un nuovo allestimento Le Supplici di Eschilo, firmato da Moni Ovadia e Mario Incudine. Uno spettacolo intenso e visionario che fonde tradizione classica e linguaggi contemporanei, interamente cantato, in siciliano con innesti di greco moderno e arabo.

Considerato dal grecista Oliver Taplin «un capolavoro capace di restituire l’essenza della tragedia greca», lo spettacolo si distingue per la forza del coro – dieci cantanti-danzatrici – e per un cast di grande rilievo, tra cui Federica Luna Vincenti, Eugenio Mastrandrea e Paride Benassai.

Le musiche originali di Mario Incudine attraversano il Mediterraneo, intrecciando sonorità greche, magrebine e siciliane, mentre la regia costruisce una partitura di voci e corpi di potente impatto emotivo.

Acquista biglietti

regia Moni Ovadia e Mario Incudine

musiche Mario Incudine con la collaborazione di Antonio Vasta

scene Gianni Carluccio

costumi Elisa Sav

movimenti coreografici Dario La Ferla

con

Moni Ovadia, Mario Incudine, Federica Luna Vincenti, Paride Benassai, Eugenio Mastrandrea e con Alessandra Salamida, Rita Abele, Aurora Cimino, Federica Gurrieri

e con i musicisti Antonio Vasta, Manfredi Tumminello e Pino Ricosta e Coro delle supplici in collaborazione Tindari Festival

produzione Associazione Spettacolo Cultura APS con Goldenart in collaborazione con INDA, distribuzione nazionale: A.S.C. Production Srl

durata 90’

 

Dopo il grande successo al Teatro Greco di Siracusa, torna in scena con un nuovo allestimento Le Supplici di Eschilo, firmato da Moni Ovadia e Mario Incudine. Uno spettacolo intenso e visionario che fonde tradizione classica e linguaggi contemporanei, interamente cantato, in siciliano con innesti di greco moderno e arabo.

Considerato dal grecista Oliver Taplin «un capolavoro capace di restituire l’essenza della tragedia greca», lo spettacolo si distingue per la forza del coro – dieci cantanti-danzatrici – e per un cast di grande rilievo, tra cui Federica Luna Vincenti, Eugenio Mastrandrea e Paride Benassai.

Le musiche originali di Mario Incudine attraversano il Mediterraneo, intrecciando sonorità greche, magrebine e siciliane, mentre la regia costruisce una partitura di voci e corpi di potente impatto emotivo.

laboratorio movimento somatico e anatomia esperienziale

Ai partecipanti sarà richiesto di portare con sé un tappetino personale e di indossare abbigliamento comodo/sportivo.

Per pre-iscriversi occorrerà inviare una mail all’indirizzo castadeaproduzioni@gmail.com

durata 2h e mezza

 

In questo laboratorio faremo esperienza di come la respirazione e la consapevolezza a livello cellulare possano creare un avvio e un sostegno per ogni tipo di movimento. Come lo spazio che si crea a livello di microstrutture possa nutrire una maggiore complessità nella ricerca di autenticità del gesto e nella relazione con lo spazio. Utilizzeremo gli strumenti del Body-mind centering® che porta luce alle strutture anatomiche per portare consapevolezza somatica nei diversi sistemi, facendo un percorso che va dalle profondità delle cellule alla ricerca della verticalità e poi alla dinamica. Arriveremo in luoghi ignoti del nostro corpo che ci suggeriranno traiettorie inaspettate, gestualità inconsuete, un modo pulsante e rigenerante di allenare il nostro essere corporeo, fino a toccare la dimensione spirituale che questa profondità reca con sé.

Simona Lisi, danzatrice, attrice e autrice, ricercatrice indipendente di estetica della danza. Laurea in filosofia, PG Degree in Contemporary Dance London Contemporary Dance School, BMC® Somatic Movement Educator e Practitioner in formazione. Accanto alla sua carriera artistica insegna in istituzioni pubbliche e private danza contemporanea, training attoriale, body-mind centering® e embodyphilosophy una tecnica somatica di sua concezione. Dedica particolare attenzione alla pedagogia, mettendo al centro della sua ricerca il corpo con le sue implicazioni estetiche e relazionali. Ha ideato e cura progetti pedagogici che mettono in relazione il corpo con l’utilizzo delle nuove tecnologie (NTP UNIVPM, EmbodyBits).

Acquista biglietti

regia Gabriele Vacis

scenofonia Roberto Tarasco

con

Davide Antenucci, Andrea Caiazzo, Eleonora Limongi, Pietro Maccabei, Lucia Raffaella Mariani, Eva Meskhi, Erica Nava, Enrica Rebaudo, Edoardo Roti, Kyara Russo, Lorenzo Tombesi, Gabriele Valchera

produzione Teatro Stabile di Torino in collaborazione con PoEM Potenziali Evocati Multimediali e ArtistiAssociati – Centro di Produzione Teatrale Gorizia

durata 75’

 

Dopo i felici transiti al Segesta Teatro Festival e il tutto esaurito di Prometeo (2023), I Sette a Tebe. Un terribile amore per la guerra (2024), e un’intensa rilettura di Antigone (2025), Gabriele Vacis – tra i registi e drammaturghi più autorevoli della scena contemporanea italiana – torna nel nostro Teatro con la Trilogia dei Vangeli, un percorso teatrale che attraversa parola spiritualità e pensiero, intrecciando tradizione e contemporaneità.

Vangeli è il nuovo capitolo di un viaggio che interroga ciò che queste scritture hanno da offrire, oggi, e come possano risuonare nelle coscienze dei più giovani, nel cuore inquieto del presente. Il mondo che abitiamo oggi pare senza grazia. La verità è messa al bando, non è una virtù, ma una carta da giocare secondo la propria convenienza. Gesù Cristo invece ha fatto di queste due parole il centro del suo messaggio: la parola di Dio è grazia e verità. Dove abitano oggi? In quali luoghi del mondo? Quando noi ne abbiamo fatto e ne facciamo esperienza? Vangeli risponde a queste domande con l’obiettivo di costruire insieme col pubblico un tempo sollevato, sospeso tra grazia e verità: un tempo di consapevolezza.

Gabriele Vacis

Acquista biglietti

regia Gabriele Vacis

scenofonia Roberto Tarasco

con

Davide Antenucci, Andrea Caiazzo, Eleonora Limongi, Pietro Maccabei, Lucia Raffaella Mariani, Eva Meskhi, Erica Nava, Enrica Rebaudo, Edoardo Roti, Kyara Russo, Lorenzo Tombesi, Gabriele Valchera

produzione Teatro Stabile di Torino in collaborazione con PoEM Potenziali Evocati Multimediali e ArtistiAssociati – Centro di Produzione Teatrale Gorizia

durata 75’

 

Dopo i felici transiti al Segesta Teatro Festival e il tutto esaurito di Prometeo (2023), I Sette a Tebe. Un terribile amore per la guerra (2024), e un’intensa rilettura di Antigone (2025), Gabriele Vacis – tra i registi e drammaturghi più autorevoli della scena contemporanea italiana – torna nel nostro Teatro con la Trilogia dei Vangeli, un percorso teatrale che attraversa parola spiritualità e pensiero, intrecciando tradizione e contemporaneità.

Vangeli è il nuovo capitolo di un viaggio che interroga ciò che queste scritture hanno da offrire, oggi, e come possano risuonare nelle coscienze dei più giovani, nel cuore inquieto del presente. Il mondo che abitiamo oggi pare senza grazia. La verità è messa al bando, non è una virtù, ma una carta da giocare secondo la propria convenienza. Gesù Cristo invece ha fatto di queste due parole il centro del suo messaggio: la parola di Dio è grazia e verità. Dove abitano oggi? In quali luoghi del mondo? Quando noi ne abbiamo fatto e ne facciamo esperienza? Vangeli risponde a queste domande con l’obiettivo di costruire insieme col pubblico un tempo sollevato, sospeso tra grazia e verità: un tempo di consapevolezza.

Gabriele Vacis

Acquista biglietti

Alessio Alessandra voce, chitarra

Giuseppe Rizzo chitarre

Gianluigi Cristiano basso

Maurizio Gula percussioni, batteria

Salvatore Nogara pianoforte, basso tuba

Salvatore Vitale fisarmonica

produzione Le Baccanti

durata 90’

 

Alessio Alessandra, cantautore e artista poliedrico, presenta il suo nuovo progetto Canzoni raccontate, una performance che mescola la forza evocativa della musica con la potenza del teatro, in un formato che si colloca a metà strada tra concerto e performance teatrale. Ispirato al concetto di Teatro Canzone di Giorgio Gaber, lo spettacolo prende vita dalla fusione tra la narrazione musicale e il racconto teatrale, dando spazio a una riflessione profonda sui temi sociali e umani che caratterizzano le sue canzoni. L’elemento centrale di questo progetto è il dialogo diretto con il pubblico, che non è solo spettatore, ma diventa parte attiva di un’esperienza coinvolgente e interattiva.

Canzoni raccontate non è solo un concerto: è un’esperienza emotiva e intellettuale che stimola, provoca e invita alla riflessione. L’approccio teatrale che caratterizza il progetto è un aspetto distintivo dello stile del cantautore siciliano, che unisce la sua passione per la musica e il suo interesse per la narrazione, uno spettacolo, quindi, che non si limita a una semplice successione di canzoni, ma si sviluppa come un racconto in cui la musica funge da veicolo per temi universali e personali. Accanto alle canzoni di Animale Sociale (2018), Alessio Alessandra porta sul palco anche le canzoni scritte e prodotte successivamente, ampliando e arricchendo il progetto con nuove composizioni che esplorano ulteriori dimensioni della sua arte, spaziando da tematiche politiche a riflessioni esistenziali e intime.

Acquista biglietti

Riccardo Romano basso

Carlo Di Vita chitarra

Marco Raccuglia voce

Giovanni Parrinello percussioni

produzione The Vito Records S.R.L.S.

durata 90’

 

I Tamuna, band palermitana tra le più riconosciute e amate in Sicilia e in Italia, tornano a raccontare la propria storia musicale qui al nostro festival. Vincitori di premi prestigiosi come il Premio Fabrizio De André, il Premio Andrea Parodi, il Premio Edison – Change the Music e molti altri riconoscimenti nazionali, i Tamuna portano sul palco un’identità sonora unica, profondamente radicata nella tradizione ma con lo sguardo sempre rivolto oltre i confini. Dopo l’ultimo disco del 2017, la band ha attraversato un periodo di ricerca, sperimentazione e scrittura lontano dai riflettori: un cammino intimo che oggi trova nuova luce con il ritorno in studio per il nuovo e attesissimo album in uscita ad agosto 2026. Il gruppo, presenta musica esclusivamente originale suonata con autenticità e ritmo siciliano, capace di parlare a chiunque, con un linguaggio che usa la lingua siciliana, italiana e inglese, in grado di coinvolgere soprattutto nelle performance sul palco dei loro live. Lo testimoniano i numerosi concerti tenuti a Londra tra il 2014 e il 2018, in cui hanno riscosso un entusiasmo che ha confermato la forza internazionale del loro progetto. Per presentare il nuovo disco, i Tamuna hanno scelto lo spazio sacro del Tempio di Segesta. La serata sarà un viaggio sonoro che intreccia la tradizione popolare siciliana, contaminazioni pop e reggae, richiami gitani e balcanici e l’energia delle ballad british, con un suono che chiamano Woodrock. Ad aprire il concerto, un’artista palermitana in forte ascesa sui social, Noa, capace di dialogare con il pubblico più giovane con linguaggi nuovi e immediati.

A Segesta i Tamuna desiderano celebrare il ritorno alle radici e allo stesso tempo aprire un nuovo capitolo della loro storia musicale, più matura e pregna di sentimento, trasformando il concerto in un evento pensato per emozionare, danzare, ascoltare le parole e sentire l’odore, u ciavuru della nostra amata Sicilia.

Acquista biglietti

adattamento e regia Dario Battaglia

musiche originali Gioacchino Balistreri

scena e costumi Ivan Bieco Varengo

con

Francesca Piccolo, Aurora Cimino, Ivan Graziano, Antonio Bandiera, Alessandro Burzotta, Marcello Gravina, Caterina Fontana

luci Stefano Bardelli

progetto grafico Anita Martorana

produzione Compagnia Lombardi-Tiezzi

durata 90’

 

Oreste rientra a pieno titolo all’interno di quel gruppo di rielaborazioni mitologiche elaborate da Euripide: si pensi alle due Ifigenie, all’Elena, alla stessa Elettra. Attraverso queste varianti, il tragediografo ci fornisce delle inedite versioni dei protagonisti con scritture dalle tenui tinte oniriche, grottesche, che aumentano a dismisura l’attrazione e la seduzione che questi testi presentano, anche a duemilacinquecento anni di distanza. Il caso dell’Oreste è emblematico: in quello che potrebbe tranquillamente essere uno script cinematografico, l’azione di svolge cinque giorni dopo l’omicidio commesso da Oreste ai danni della madre Clitennestra. In una dimensione appesa al filo sottile che divide il sonno e la veglia, tutta la prima metà del testo è un alternarsi di visite degli altri personaggi al figlio di Agamennone, e in questo alternarsi di visite familiari – ospedaliere, si dipana una trama politica ed etica ben definita: la città chiede la condanna dei figli fedifraghi, che sperano nell’aiuto dello zio Menelao il quale, invece, mistificando con grande arte retorica le sue preoccupazioni, decide di non agire. Il turning point di questo testo è rappresentato dall’arrivo di Pilade che, con la sua proverbiale determinazione, spingerà i due ad architettare un piano in perfetto stile gangster-movie per fuggire e farla franca. Se è vero, quando si parla di Orestea, che le colpe dei padri ricadono sui figli, è altrettanto vero che anche l’essenza dei padri pervade i figli: Elettra ed Oreste infatti, per salvare la vita, sono disposti a rapire, uccidere, vendicarsi, proprio come fecero i genitori in vita, ciascuno con i suoi propri moventi e con le proprie giustificazioni. Oreste è un testo sul rapporto tra giovinezza e vecchiaia, sui conflitti generazionali. Ma quali azioni sono appannaggio esclusivo dei giovani e a quali responsabilità sono chiamati per discostare il loro destino da quanto deciso dal fato? Dove sta la Giustizia? Che ruolo gioca? A che prezzo si può raggiungere?

Acquista biglietti

adattamento e regia Dario Battaglia

musiche originali Gioacchino Balistreri

scena e costumi Ivan Bieco Varengo

con

Francesca Piccolo, Aurora Cimino, Ivan Graziano, Antonio Bandiera, Alessandro Burzotta, Marcello Gravina, Caterina Fontana

luci Stefano Bardelli

progetto grafico Anita Martorana

produzione Compagnia Lombardi-Tiezzi

durata 90’

 

Oreste rientra a pieno titolo all’interno di quel gruppo di rielaborazioni mitologiche elaborate da Euripide: si pensi alle due Ifigenie, all’Elena, alla stessa Elettra. Attraverso queste varianti, il tragediografo ci fornisce delle inedite versioni dei protagonisti con scritture dalle tenui tinte oniriche, grottesche, che aumentano a dismisura l’attrazione e la seduzione che questi testi presentano, anche a duemilacinquecento anni di distanza. Il caso dell’Oreste è emblematico: in quello che potrebbe tranquillamente essere uno script cinematografico, l’azione di svolge cinque giorni dopo l’omicidio commesso da Oreste ai danni della madre Clitennestra. In una dimensione appesa al filo sottile che divide il sonno e la veglia, tutta la prima metà del testo è un alternarsi di visite degli altri personaggi al figlio di Agamennone, e in questo alternarsi di visite familiari – ospedaliere, si dipana una trama politica ed etica ben definita: la città chiede la condanna dei figli fedifraghi, che sperano nell’aiuto dello zio Menelao il quale, invece, mistificando con grande arte retorica le sue preoccupazioni, decide di non agire. Il turning point di questo testo è rappresentato dall’arrivo di Pilade che, con la sua proverbiale determinazione, spingerà i due ad architettare un piano in perfetto stile gangster-movie per fuggire e farla franca. Se è vero, quando si parla di Orestea, che le colpe dei padri ricadono sui figli, è altrettanto vero che anche l’essenza dei padri pervade i figli: Elettra ed Oreste infatti, per salvare la vita, sono disposti a rapire, uccidere, vendicarsi, proprio come fecero i genitori in vita, ciascuno con i suoi propri moventi e con le proprie giustificazioni. Oreste è un testo sul rapporto tra giovinezza e vecchiaia, sui conflitti generazionali. Ma quali azioni sono appannaggio esclusivo dei giovani e a quali responsabilità sono chiamati per discostare il loro destino da quanto deciso dal fato? Dove sta la Giustizia? Che ruolo gioca? A che prezzo si può raggiungere?

Il laboratorio sarà tenuto da due persone, istruttori di Yoga del Centro di Cultura Rishi.

Ai partecipanti sarà richiesto di portare con sé un tappetino personale e di indossare abbigliamento comodo/sportivo.

Per pre-iscriversi occorrerà inviare un messaggio whatsapp al numero 3387169008 o una mail all’indirizzo rishi@centroculturarishi.it

durata 3h e mezza

 

Il laboratorio propone un’esperienza immersiva nello Yoga secondo la tradizione della “Cultura dei Rishi”, così come trasmessa dal Maestro YogiRaj Aruna Nath Giri. 

In un’unica sessione della durata di circa tre ore e mezza verranno integrate asana (posture tradizionali), pranayama, meditazione, rilassamento e mantra, componendo un percorso unitario che attraversa i principali aspetti dello Yoga. La pratica proposta sarà

volta all’armonizzazione di corpo, energia e mente, con particolare attenzione al ruolo centrale della respirazione e al processo di integrazione tra dimensione fisica ed energetica.

Il laboratorio, aperto a tutti, anche a chi non si è mai accostato allo Yoga, non propone una frammentazione tecnica, ma un’esperienza organica e coerente, orientata alla presenza e alla consapevolezza. In un tempo in cui lo Yoga rischia di ridursi a tendenza o ginnastica, l’incontro si configura come un ritorno alla dimensione originaria di questo insegnamento: un cammino di trasformazione interiore.

Il Centro di Cultura Rishi è un’associazione culturale senza scopo di lucro attiva dal 1982. Si trova in via Salvatore Bono, a Palermo. Da oltre quarant’anni si dedica alla diffusione dello Yoga nella sua forma più autentica e tradizionale, radicata nell’insegnamento dello Swami Gitananda Giri, tra i più significativi Maestri del Novecento, trasmessaci attraverso il suo discepolo, il Maestro YogiRaj Aruna Nath Giri. Il Centro opera come luogo di studio e pratica della Cultura dei Rishi, mantenendone vivo l’approccio integrale e filosofico.

Acquista biglietti

Un «Hörspiel» per Rosa Balistreri, scritto e composto da Nicolò Terrasi

 

Serena Ganci voce, pianoforte, sintetizzatore, tamburo

Nicolò Terrasi chitarre, voce

Laurent Charles  saxofono soprano e tenore

Bastien Boni  contrabasso, realizzazione video

Maria Hellberg  creazione luci, regia tecnica

Marie Lelardoux  voce registrata (francese), sguardo e ascolto « dal di fuori »

Geno Lechner  voce registrata (tedesco), fotografia, video

Con la partcipazione di  Laura Mollica, Felice Liotti, Manu Théron, Francesco Giunta, Salvo D’Addeo voci registrate

produzione Compagnia RISONANZE

con il sostegno di città di Marsiglia (FR), Région-SUD (FR), DRAC – Paca (FR), Kultur Ensemble – Istituto Francese / Goethe Institut Palermo, Gmem – Centre national de création musicale (Marseille), Curva Minore (Palermo), PIC-Télémaque (Marseille), Théâtre de la Mer (Marseille).

durata 65’

 

Rosa, la voix d’un peuple ripercorre la vita intensa di Rosa Balistreri, figura intramontabile del canto popolare siciliano.

Attraverso un «hörspiel» sensibile che mescola musica dal vivo, voci registrate e creazione sonora immersiva, Nicolò Terrasi e l’ensemble New Folk fanno risuonare la forza, la rivolta e la tenerezza che

abitavano questa artista fuori dal comune.

Più che un ritratto, lo spettacolo rivela una donna la cui voce è stata al tempo stesso l’arma e l’anima di una comunità. Le musiche di creazione contemporanea dialogano con la tradizione popolare, tessendo un ponte tra passato e presente, tra memoria individuale e storia collettiva.

Rosa la voix d’un peuple propone un’esperienza di ascolto singolare, al confine tra concerto, teatro sonoro e racconto musicale. Un progetto che fa risuonare, al di là del tempo e dei confini, il messaggio di una donna che ha cantato per sopravvivere, per amare e per dire al mondo che nessuna dignità è negoziabile.

Acquista biglietti

Ideazione e direzione artistica Giulia Staccioli

assistente alle coreografie Irene Saltarelli

Ideazione e direzione artistica Giulia Staccioli

assistente alle coreografie Irene Saltarelli

costumi Maria Sole Montironi Lasca

disegno luci Fabio Passerini

musiche Antonio Vivaldi/ Max Richter

editing audio Giulia Staccioli

durata 65’

 

In attesa della nuova produzione che celebrerà il 30° anniversario della compagnia nel 2026, Giulia Staccioli, anima creativa e visionaria della compagnia Kataklò Athletic Dance Theatre ci regala un assaggio della sua inesauribile maestria con Seasons – oltre le stagioni. Sotto la sua guida artistica, Seasons nasce come uno spettacolo ambizioso, concepito nel 2024 su richiesta dei maestri Gianna Fratta e Dino De Palma. Dopo lo splendido debutto al Teatro Antico di Taormina e al Teatro Greco di Siracusa con orchestra dal vivo, il progetto ha intrapreso un’evoluzione sorprendente, trasformandosi in un’opera adattabile a spazi non convenzionali. Questo processo creativo ha arricchito la produzione di nuove sfumature e significati, culminando in Seasons – Oltre le Stagioni. Il cuore pulsante dell’opera è la sua visione innovativa. La capacità di combinare tradizione e modernità trova espressione nei celebri concerti per violino di Vivaldi, riarrangiati dal compositore contemporaneo Max Richter. Le armonie di Richter, che mescolano sonorità classiche e moderne, si intrecciano con i suoni evocativi della natura per creare un’atmosfera unica. Su questa tela sonora, viene dipinto un racconto visivo che esalta la potenza espressiva dei sei danzatori Kataklò. I corpi dei danzatori si trasformano in simboli della natura: messi dorate, foglie che danzano, rami che si intrecciano. Ogni movimento racconta la connessione profonda tra l’essere umano e l’ambiente, una tematica che viene esplorata con una sensibilità unica e profonda. La visione di Staccioli si estende anche alla scenografia, essenziale ma evocativa, e alla scelta accurata di luci e colori, che immergono lo spettatore in un paesaggio in continua evoluzione. Ogni dettaglio riflette il desiderio di creare un’opera che trascenda il tempo e lo spazio. “Seasons – Oltre le Stagioni è un’esplorazione dei cicli della vita, un’ode alla bellezza della natura e alla complessità dell’essere umano”, afferma la direttrice artistica, descrivendo un’opera che non si limita a intrattenere ma invita a riflettere sulla nostra connessione con il mondo naturale e con noi stessi. In un unico atto di 65 minuti, lo spettacolo incarna il linguaggio coreografico innovativo Kataklò che fonde atletismo, tecnica e poesia visiva.

Acquista biglietti

con

Maddalena Crippa, Sergio Basile, Emilia Scatigno, Alessandro Sampaoli

regia e progetto scenico Gianluigi Fogacci

costumi Martina Mango

luci Pietro Sperduti

produzione Teatro Menotti Milano

durata 75’

 

Una riscrittura potente e poetica di Fabrizio Sinisi, uno dei più importanti e rappresentati drammaturghi italiani, dell’Agamennone di Eschilo. Una riflessione profonda sul rapporto fra potere e relazioni umane, un passato tragico e doloroso che si riverbera in un presente pieno di incognite, in cui il vincitore di un conflitto decennale appare come un uomo sconfitto e schiacciato dai rimorsi, che trova solo nei ricordi la forza di portare avanti la propria esistenza. Una regina che abita il palazzo del potere ma che si sente inadeguata al ruolo del comando, e che nell’attesa del ritorno del suo re trascina la sua vita nel vizio e nella decadenza, cercando di placare un dolore antico. L’incontro, tanto atteso fra queste due entità terribili e disperata non sarà privo di momenti di grande amore e intimità ma sempre pervasi da un presagio tragico, e che culminerà in un definitivo regolamento di conti. Una ragazza che non riesce a reggere il suo talento di profetessa e che cercherà invano di invertire le onde del destino che presagisce con troppa lucidità. Il tutto sullo sfondo di una città sfinita da una guerra che sembra eterna e che ha perso la sua guida morale e i valori su cui è stata fondata e grazie ai quali ha prosperato. I richiami alla contemporaneità, pur non essendo espliciti son fin troppo riconoscibili, soprattutto alla luce dei recentissimi avvenimenti storici. In questa frammentazione del mito e sgretolamento della classicità la figura del coro si riduce a un personaggio che interviene nell’azione più che commentarla e che non si sottrae alla sua parte di responsabilità nell’epilogo che, pur essendo già scritto sorprende per violenza e drammaticità.

Acquista biglietti

con

Maddalena Crippa, Sergio Basile, Emilia Scatigno, Alessandro Sampaoli

regia e progetto scenico Gianluigi Fogacci

costumi Martina Mango

luci Pietro Sperduti

produzione Teatro Menotti Milano

durata 75’

 

Una riscrittura potente e poetica di Fabrizio Sinisi, uno dei più importanti e rappresentati drammaturghi italiani, dell’Agamennone di Eschilo. Una riflessione profonda sul rapporto fra potere e relazioni umane, un passato tragico e doloroso che si riverbera in un presente pieno di incognite, in cui il vincitore di un conflitto decennale appare come un uomo sconfitto e schiacciato dai rimorsi, che trova solo nei ricordi la forza di portare avanti la propria esistenza. Una regina che abita il palazzo del potere ma che si sente inadeguata al ruolo del comando, e che nell’attesa del ritorno del suo re trascina la sua vita nel vizio e nella decadenza, cercando di placare un dolore antico. L’incontro, tanto atteso fra queste due entità terribili e disperata non sarà privo di momenti di grande amore e intimità ma sempre pervasi da un presagio tragico, e che culminerà in un definitivo regolamento di conti. Una ragazza che non riesce a reggere il suo talento di profetessa e che cercherà invano di invertire le onde del destino che presagisce con troppa lucidità. Il tutto sullo sfondo di una città sfinita da una guerra che sembra eterna e che ha perso la sua guida morale e i valori su cui è stata fondata e grazie ai quali ha prosperato. I richiami alla contemporaneità, pur non essendo espliciti son fin troppo riconoscibili, soprattutto alla luce dei recentissimi avvenimenti storici. In questa frammentazione del mito e sgretolamento della classicità la figura del coro si riduce a un personaggio che interviene nell’azione più che commentarla e che non si sottrae alla sua parte di responsabilità nell’epilogo che, pur essendo già scritto sorprende per violenza e drammaticità.

Con i Giovani del Progetto “Archeologia Solidale” (Centro RhaM – Università di Ginevra)

Il Parco Archeologico di Segesta e l’Università di Ginevra collaborano da anni al “Progetto Archeologia Solidale” che permette di inserire giovani rifugiati richiedenti asilo da paesi in guerra come la Siria, il Pakistan e il Rwuanda negli scavi archeologici condotti nell’area del Parco.

L’evento «Concerto solidale:» : una serata di danza, musica e canti dal mondo” permetterà di ascoltare alcuni giovani orfani ormai diventati dei veri artisti grazie al sostegno della Fondazione Jonas, che ormai da più decenni offre un’opportunità di vita a centinaia di piccoli orfani in diverse località del mondo. I centri finanziati dalla Fondazione Jonas si occupano di offrire ai piccoli una formazione e un’opportunità di vita protetta. 

 Il concerto è stato concepito nel quadro di una nuova collaborazione tra il Parco Archeologico di Segesta, la Fondazione Jonas e l’Istituto per la Ricerca nel Mediterraneo di Ginevra (RhAM-Genève).

 

Ingresso libero su prenotazione: segreteria@segestateatrofestival.com
Durata: 90′