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ideato e interpretato da Lina Sastri

pianoforte Adriano Pennino

produzione esecutiva e direzione tecnica Costantino Petrone

disegno luci Gianni Caccia

fonico Davide Faraso

produzione Salina srl

durata 75’

Il personalissimo spettacolo di Lina Sastri per il Segesta Teatro Festival attraversa la prosa, la poesia e la musica, dalle sue acclamate interpretazioni di personaggi femminili come Filumena e Medea, personaggi ricchi di umanità, passioni e forti contraddizioni, alle maschere di Pirandello che mettono in luce la complessità della natura umana e ci invitano a riflettere sulle nostre identità e sulle nostre relazioni. La musica classica napoletana, da Di Giacomo a Tosti, e quella degli autori e poeti della musica contemporanea, da Pino Daniele a Enzo Gragnaniello, le malinconiche atmosfere del  fado e le passioni del tango, e le ballate della musica etnica e popolare, in uno spettacolo in cui la musica al pianoforte del Maestro Adriano Pennino segue e armonizza come un filo conduttore un viaggio attraverso le parole e la musica interpretate dalla grande artista napoletana.

Lina Sastri, attrice, cantante, autrice e regista, lavora con il grande Eduardo De Filippo e con Giuseppe Patroni Griffi, Armando Pugliese, Roberto De Simone, Francesco Rosi, Luis Pasqual, Emanuela Giordano, Piero Maccarinelli e molti altri. Interprete dei grandi personaggi femminili del teatro classico e contemporaneo, è stata Filumena Marturano, Margherita Gautier, Elettra, Ecuba, Maria Maddalena, Medea, Bernarda Alba, Jenny delle Spelonche, la Figliastra, la Donna del mare, Gilda Mignonette, Giovanna D’Arco. In musica ha scelto di cantare la musica della sua terra, e ha creato, in questi ultimi anni, spettacoli musicali che raccontano il sud del mondo creando un genere teatral-musicale tutto suo. Ha cantato con Caetano Veloso, con D.D. Bridgewater, con Ray Charles, ha partecipato a spettacoli musicali internazionali fino ad ideare, scrivere e produrre spettacoli, dove la musica si fa teatro.

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regia e adattamento Danilo Capezzani

con Gabriele Cicirello, Lia Grieco, Iacopo Nestori, Paolo Madonna, Danilo Capezzani, Francesca Trianni

costumi Laura Giannisi

impianto scenico Danilo Capezzani

assistente alla regia Mariachiara Basso

foto di scena Manuela Giusto

produzione Compagnia Mauri Sturno

con il patrocinio dell’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica Silvio d’Amico

durata 70’

Euripide è il più illuminato, geniale e moderno dei tragediografi greci. Forse anche il più graffiante e, in certi aspetti, anche oltremodo miscredente. Parafrasando l’opera di Nietzsche, i suoi protagonisti sono umani, troppo umani. Euripide, in tutte le sue storie, scalfisce ogni elemento favolistico e se ne serve come leva, come grimaldello, per aggredire il cuore delle storie. Oreste, come un reietto, cerca di sfuggire alla giustizia e con Elettra e il suo amico Pilade diventa una sorta di folle criminale, dentro al suo stesso crimine. È giusto compiere un omicidio verso la propria madre? E in nome di qualsiasi cosa? Mi interessa mettere in scena questo testo per raccontare, grazie a questa storia, il cuore dell’essere umano.

(Danilo Capezzani)

Danilo Capezzani, diplomato in regia presso l’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica Silvio d’Amico. Ha studiato con Andrea Baracco, Giorgio Barberio Corsetti, Arturo Cirillo, Massimiliano Civica, Mauro Avogadro e lavorato all’opera con Pippo Delbono, Pier Luigi Pizzi e Renata Scotto. Dirige e presenta al Teatro Antico di Segesta Alcesti e Eracle di Euripide. Dal 2020 ad oggi è assistente e collaboratore di Glauco Mauri. Al Globe Theatre di Roma, dirige Pene d’amor perdute di W. Shakespeare. Nel 2022 debutta come regista d’opera lirica, con un nuovo allestimento di Cavalleria rusticana di Pietro Mascagni, presso la Fondazione Teatro Goldoni di Livorno, e contemporaneamente al Festival di Spoleto con una sua regia di Riccardo II di W. Shakespeare. Nel 2023 è stato regista-collaboratore al Festival di Spoleto, sia di Carlo Cecchi che di Luca Marinelli.

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regia e adattamento Danilo Capezzani

con Gabriele Cicirello, Lia Grieco, Iacopo Nestori, Paolo Madonna, Danilo Capezzani, Francesca Trianni

costumi Laura Giannisi

impianto scenico Danilo Capezzani

assistente alla regia Mariachiara Basso

foto di scena Manuela Giusto

produzione Compagnia Mauri Sturno

con il patrocinio dell’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica Silvio d’Amico

durata 70’

Euripide è il più illuminato, geniale e moderno dei tragediografi greci. Forse anche il più graffiante e, in certi aspetti, anche oltremodo miscredente. Parafrasando l’opera di Nietzsche, i suoi protagonisti sono umani, troppo umani. Euripide, in tutte le sue storie, scalfisce ogni elemento favolistico e se ne serve come leva, come grimaldello, per aggredire il cuore delle storie. Oreste, come un reietto, cerca di sfuggire alla giustizia e con Elettra e il suo amico Pilade diventa una sorta di folle criminale, dentro al suo stesso crimine. È giusto compiere un omicidio verso la propria madre? E in nome di qualsiasi cosa? Mi interessa mettere in scena questo testo per raccontare, grazie a questa storia, il cuore dell’essere umano.

(Danilo Capezzani)

Danilo Capezzani, diplomato in regia presso l’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica Silvio d’Amico. Ha studiato con Andrea Baracco, Giorgio Barberio Corsetti, Arturo Cirillo, Massimiliano Civica, Mauro Avogadro e lavorato all’opera con Pippo Delbono, Pier Luigi Pizzi e Renata Scotto. Dirige e presenta al Teatro Antico di Segesta Alcesti e Eracle di Euripide. Dal 2020 ad oggi è assistente e collaboratore di Glauco Mauri. Al Globe Theatre di Roma, dirige Pene d’amor perdute di W. Shakespeare. Nel 2022 debutta come regista d’opera lirica, con un nuovo allestimento di Cavalleria rusticana di Pietro Mascagni, presso la Fondazione Teatro Goldoni di Livorno, e contemporaneamente al Festival di Spoleto con una sua regia di Riccardo II di W. Shakespeare. Nel 2023 è stato regista-collaboratore al Festival di Spoleto, sia di Carlo Cecchi che di Luca Marinelli.

Armonia della musica dei corpi come metafora delle relazioni umane

laboratorio

Info e iscrizioni
ilenia.romano0@gmail.com

Necessari
– abbigliamento comodo
– scarpe con suola morbida (per il laboratorio al Parco)
– calzini (per il laboratorio in teatro)
– assenza di gioielli vari
(anelli, bracciali, orecchini pendenti)
Rivolto a tutti.

Numero max di partecipanti: 15

Foto: Luna Loiero e Antonio Pittelli –
FerMentis- per Residenza MigraMenti

Si procederà verso la piacevole conquista di un movimento organico, autentico, ‘musicale’, il più possibile libero da automatismi e dal superfluo, nel rispetto e nella valorizzazione dell’Unicità di ciascuna persona.

Ilenia Romano è autrice, danzatrice, formatrice, laureata presso l’Accademia Nazionale di Danza di Roma.  La sua formazione si estende dalla tecnica classica ai linguaggi della danza contemporanea alle arti marziali interne. Oltre ad aver danzato come interprete nei più importanti ensemble della danza contemporanea, ha recentemente intrapreso il corso di studi di danzamovimentoterapia espressivo-relazionale. È docente di tecnica contemporanea ai corsi di Da.Re. e ai corsi propedeutici dell’Accademia Nazionale di Danza. Dal 2023 è coreografa associata a PinDoc.

Armonia della musica dei corpi come metafora delle relazioni umane

laboratorio

Info e iscrizioni
ilenia.romano0@gmail.com

Necessari
– abbigliamento comodo
– scarpe con suola morbida (per il laboratorio al Parco)
– calzini (per il laboratorio in teatro)
– assenza di gioielli vari
(anelli, bracciali, orecchini pendenti)
Rivolto a tutti.

Numero max di partecipanti: 15

Foto: Luna Loiero e Antonio Pittelli –
FerMentis- per Residenza MigraMenti

Si procederà verso la piacevole conquista di un movimento organico, autentico, ‘musicale’, il più possibile libero da automatismi e dal superfluo, nel rispetto e nella valorizzazione dell’Unicità di ciascuna persona.

Ilenia Romano è autrice, danzatrice, formatrice, laureata presso l’Accademia Nazionale di Danza di Roma.  La sua formazione si estende dalla tecnica classica ai linguaggi della danza contemporanea alle arti marziali interne. Oltre ad aver danzato come interprete nei più importanti ensemble della danza contemporanea, ha recentemente intrapreso il corso di studi di danzamovimentoterapia espressivo-relazionale. È docente di tecnica contemporanea ai corsi di Da.Re. e ai corsi propedeutici dell’Accademia Nazionale di Danza. Dal 2023 è coreografa associata a PinDoc.

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RER

con Guilherme Leal, Fabio Cavallo, Yasmin Gariv, Shani Hadashi, Sara Ariotti, Katarzyna Zakrzewska

musica Donato Dozzy Remix by KAT PUKE & Vermouth Gasosa

drammaturgia Karen Stenico

durata 23’

MANBUHSA

versione estesa

coreografia Pablo Girolami

con Guilherme Leal, Lou Thabart

musica Ugate Sooraj – Jota Karloza, Hey Furtila (Hey Perky) – Miss Clo, Demaso – Holed Coin, Alma de Terra – A Macaca & Peter Power

costumi Caterina Politi

produzione Ivona con il supporto di KOMM TANZ Teatro Cartiera, Compagnia Abbondanza/Bertoni in collaborazione con il Comune di Rovereto, Derida Dance Center (Sofia), MIC

durata 35’

Sei danzatori si fondono in un intreccio sinuoso, creando legami che si moltiplicano come cellule danzanti. Come organismi unici, un corallo, una creatura destinata a sopravvivere e evolvere nello spazio e nel tempo. Le relazioni tra i corpi danzanti si svelano come un intreccio pulsante. Questo ci permette di evolverci, di adattarci all’ambiente scenico, crescendo, fortificandoci attraverso l’evoluzione delle nostre movenze. RER diventa un’odissea esplorativa. Ogni movimento di mano contiene, ogni sguardo cela. Quanta forza però in questo minuscolo spazio, quanta forza nella struttura compatta di mille occhi e cento tocchi.

Due ragazzini che giocano in una risaia in una relazione che si crea forgiata sui ritmi della musica. Attraverso il movimento, uno spinge l’altro alla scoperta del suo istinto naturale. Un cammino vibrante di inconsapevoli emozioni, innocenza e giocosità. Un gioco frenetico, il cui ritmo cresce fino a divenire una danza di corteggiamento, alla ricerca del proprio istinto naturale. Eleganti come gru, precisi come ragni, i corpi reagiscono simultaneamente agli impulsi reciproci. Manbuhsa può essere definito come uno studio ed una trasposizione sul corpo umano di alcune peculiari danze animali, diventati spunti creativi per il coreografo.

IVONA, compagnia di danza contemporanea, vincitrice di molti e prestigiosi riconoscimenti internazionali, fondata nel 2019 da Pablo Girolami e con sede a Fagagna (UD), è riconosciuta e finanziata dal Ministero Italiano della Cultura come organismo di produzione della danza under 35.  Nel 2021, con la nuova creazione di Pablo Girolami, T.R.I.P.O.F.O.B.I.A., IVONA vince il primo premio al Jerusalem International choreography competition, il premio per la migliore coreografia al concorso coreografico del “Distrito de Tetuan”, Madrid e al Choreographic competition Linkage, Sofia e il premio del pubblico al RIDCC, Rotterdam International Dance Choreographic Competition.

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con la partecipazione di Giuseppe Pambieri nel ruolo di Dario (nella foto)

con

Corifeo Sergio Basile

Atossa Micol Pambieri

Messaggero Gianluigi Fogacci

Serse Nicolas  Zappa

adattamento, scene e regia Claudio Collovà

ideazione e realizzazione oggetti di scena Sofia Alopari, Diana Cracolici, Chiarastella Santalucia

in collaborazione con l’Accademia delle Belle Arti di Palermo

costumi di Dora Argento

musiche di Giuseppe Rizzo

produzione Teatro della città Centro di produzione teatrale / Artelè

durata  80’

Eschilo, poeta e soldato, prende parte alle due guerre persiane contro Dario e contro Serse. Testimone al fronte, oplita in prima linea per ricacciare indietro l’enorme esercito dell’impero persiano, è certamente più attendibile di Erodoto, il primo storiografo dell’umanità che ha sensibilmente ingigantito il successo del popolo greco unito. Eschilo invece ha visto. E come poeta rappresenta nel teatro delle Polis l’identità collettiva di vincitori e vinti. Ne I Persiani, il mito è un caso della storia. Popoli che sconfinano e assoggettano altri popoli che divengono schiavi e sudditi. È una storia che ripete se stessa con identico passo e che rende unico il dramma di Eschilo, la prima tragedia a noi giunta, messa in scena solo otto anni dopo la vittoria greca di Salamina. Una hybris esemplare quella di Serse, una dismisura che gli costa il castigo degli dei, e anche se la tragedia è tutta persiana, ovvero anche persiana, alla fine è anche greca, anche nostra, se guardiamo con lo stesso sguardo con cui venne guardata allora, come una delle tante guerre che oggi ci riguardano e di cui ci sentiamo responsabili.

Claudio Collovà, regista, docente di regia presso l’Accademia delle Belle Arti di Palermo, direttore artistico del Segesta Teatro Festival e di Ierofanie Festival, ha svolto negli ultimi anni una incessante indagine sui grandi romanzieri e poeti dell’ottocento e novecento, con spettacoli da Rilke, Büchner, Joyce, Eliot, D’Arrigo, Perriera, Céline, Dostoevskij. Ha lavorato in Romania, Germania, Mali, Ungheria. La sua poetica, principalmente legata alla pittura, trae origine da fonti di ispirazione non solo teatrali.

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con la partecipazione di Giuseppe Pambieri nel ruolo di Dario (nella foto)

con

Corifeo Sergio Basile

Atossa Micol Pambieri

Messaggero Gianluigi Fogacci

Serse Nicolas  Zappa

adattamento, scene e regia Claudio Collovà

ideazione e realizzazione oggetti di scena Sofia Alopari, Diana Cracolici, Chiarastella Santalucia

in collaborazione con l’Accademia delle Belle Arti di Palermo

costumi di Dora Argento

musiche di Giuseppe Rizzo

produzione Teatro della città Centro di produzione teatrale / Artelè

durata  80’

Eschilo, poeta e soldato, prende parte alle due guerre persiane contro Dario e contro Serse. Testimone al fronte, oplita in prima linea per ricacciare indietro l’enorme esercito dell’impero persiano, è certamente più attendibile di Erodoto, il primo storiografo dell’umanità che ha sensibilmente ingigantito il successo del popolo greco unito. Eschilo invece ha visto. E come poeta rappresenta nel teatro delle Polis l’identità collettiva di vincitori e vinti. Ne I Persiani, il mito è un caso della storia. Popoli che sconfinano e assoggettano altri popoli che divengono schiavi e sudditi. È una storia che ripete se stessa con identico passo e che rende unico il dramma di Eschilo, la prima tragedia a noi giunta, messa in scena solo otto anni dopo la vittoria greca di Salamina. Una hybris esemplare quella di Serse, una dismisura che gli costa il castigo degli dei, e anche se la tragedia è tutta persiana, ovvero anche persiana, alla fine è anche greca, anche nostra, se guardiamo con lo stesso sguardo con cui venne guardata allora, come una delle tante guerre che oggi ci riguardano e di cui ci sentiamo responsabili.

Claudio Collovà, regista, docente di regia presso l’Accademia delle Belle Arti di Palermo, direttore artistico del Segesta Teatro Festival e di Ierofanie Festival, ha svolto negli ultimi anni una incessante indagine sui grandi romanzieri e poeti dell’ottocento e novecento, con spettacoli da Rilke, Büchner, Joyce, Eliot, D’Arrigo, Perriera, Céline, Dostoevskij. Ha lavorato in Romania, Germania, Mali, Ungheria. La sua poetica, principalmente legata alla pittura, trae origine da fonti di ispirazione non solo teatrali.

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con Viola Graziosi

regia Giuseppe Dipasquale

produzione Teatro della Città – Centro di Produzione Teatrale

durata 65’

Mi affascina Medea. Colei che denuncia false opinioni e falsi valori. Euripide le fa dire: “Perché io sono sapiente, questa è la mia sorte: alcuni mi odiano, ad altri appaio ostile”. Nel trentennale della strage di Capaci, Luciano Violante, magistrato e già Presidente della Camera dei Deputati, torna ad interrogarsi sul mito attraverso la figura di Medea, che nel suo peregrinare approda nella terra di Sicilia. Un monologo straziante e sublime interpretato da Viola Graziosi, diretta da Giuseppe Dipasquale. La Medea di Violante vuole essere una Madre, Regina, Maga semidivina che compie l’efferato gesto infanticida per sottrarre i figli alla schiavitù. Condannata ad un esilio eterno che rinnova la scelleratezza del suo crimine ad un impietrito Giasone per approdare infine nella terra del fuoco, una terra a tre punte, la Sicilia, per incontrare altri ‘estranei’ che cercano una ragione al lacerante dolore della perdita dei propri figli. Un salto nella contemporaneità che permane nell’alveo di una tragica mitologia e che ha fatto del tragico eccidio mafioso, con l’emblema degli emblemi nella perdita di Giovanni Falcone, un atto dove “Il divino e l’umano si intrecciano perdendo i confini e laghi di sangue si scoprono negli sterminati campi di grano”

Medea, scritta in occasione del trentennale della strage di Capaci, con la regia di Giuseppe Dipasquale, ha debuttato alla chiesa di San Domenico a Palermo il 10 marzo 2022, davanti alla tomba di Giovanni Falcone, alla presenza dei familiari dei giudici e della scorta. Lo spettacolo in quella sede così suggestiva è stato ripreso da Rai 5 e il 23 maggio proprio nel giorno della ricorrenza della strage è andato in onda ‘Speciale Medea – un canto per Falcone e Borsellino’.

Viola Graziosi, nata a Roma e cresciuta in Tunisia, ha debutatto a 16 anni, diretta da Piero Maccarinelli, e subito dopo con Carlo Cecchi, con cui ha avviato una lunga collaborazione in molti spettacoli, cominciando dalla trilogia shakespeariana in tournée internazionale. In Italia ha inoltre lavorato con Giorgio Ferrara, Consuelo Barillari, Franco Però, Cristina Comencini, Graziano Piazza, Gabriele Lavia e moltissimi altri. In Francia, dove consegue nel 2003 il diploma presso il Conservatoire national supérieur d’art dramatique, è stata diretta da Marcel Maréchal. A Parigi lavora tra gli altri con Alain Françon, Hélène Vincent, Catherine Hiegel. Attrice teatrale e cinematografica, doppiatrice, lettrice di audiolibri, ha nel 2008 conseguito una laurea specialistica in Studi Teatrali all’Università della Sorbonne Nouvelle (Paris III), con una tesi sull’autore israeliano Hanoch Levin.

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con la partecipazione di Giuseppe Pambieri nel ruolo di Dario (nella foto)

con

Corifeo Sergio Basile

Atossa Micol Pambieri

Messaggero Gianluigi Fogacci

Serse Nicolas  Zappa

adattamento, scene e regia Claudio Collovà

ideazione e realizzazione oggetti di scena Sofia Alopari, Diana Cracolici, Chiarastella Santalucia

in collaborazione con l’Accademia delle Belle Arti di Palermo

costumi di Dora Argento

musiche di Giuseppe Rizzo

produzione Teatro della città Centro di produzione teatrale / Artelè

durata  80’

Eschilo, poeta e soldato, prende parte alle due guerre persiane contro Dario e contro Serse. Testimone al fronte, oplita in prima linea per ricacciare indietro l’enorme esercito dell’impero persiano, è certamente più attendibile di Erodoto, il primo storiografo dell’umanità che ha sensibilmente ingigantito il successo del popolo greco unito. Eschilo invece ha visto. E come poeta rappresenta nel teatro delle Polis l’identità collettiva di vincitori e vinti. Ne I Persiani, il mito è un caso della storia. Popoli che sconfinano e assoggettano altri popoli che divengono schiavi e sudditi. È una storia che ripete se stessa con identico passo e che rende unico il dramma di Eschilo, la prima tragedia a noi giunta, messa in scena solo otto anni dopo la vittoria greca di Salamina. Una hybris esemplare quella di Serse, una dismisura che gli costa il castigo degli dei, e anche se la tragedia è tutta persiana, ovvero anche persiana, alla fine è anche greca, anche nostra, se guardiamo con lo stesso sguardo con cui venne guardata allora, come una delle tante guerre che oggi ci riguardano e di cui ci sentiamo responsabili.

Claudio Collovà, regista, docente di regia presso l’Accademia delle Belle Arti di Palermo, direttore artistico del Segesta Teatro Festival e di Ierofanie Festival, ha svolto negli ultimi anni una incessante indagine sui grandi romanzieri e poeti dell’ottocento e novecento, con spettacoli da Rilke, Büchner, Joyce, Eliot, D’Arrigo, Perriera, Céline, Dostoevskij. Ha lavorato in Romania, Germania, Mali, Ungheria. La sua poetica, principalmente legata alla pittura, trae origine da fonti di ispirazione non solo teatrali.

Info e iscrizioni
miripalm2016@gmail.con

Necessari cuscino personale, tappetino personale e abbigliamento comodo.
Rivolto a tutti.

Numero max di partecipanti: 15

Il laboratorio di vocalità canto teatro condotto da Miriam Palma propone un percorso che mira a trovare una relazione interna tra voce, corpo, emozioni, per creare un’unica entità espressiva, per dare una maggiore consapevolezza ai propri doni (talenti), e avvicinare i partecipanti a quella condizione di creatività indispensabile per l’individuo, modellando la macchina attoriale-cantante.

Miriam Palma cantante, attrice,  ricercatrice e autrice dei suoi spettacoli, si è dedicata fin da giovanissima alla ricerca vocale, studiando diverse tecniche canore praticate nel mondo: canto armonico, emissione di diplo e triplofonie, coltivando l’interesse e la pratica della tradizione canora siciliana-mediorientale e della lirica, dando vita ad un linguaggio espressivo originale, attento all’improvvisazione, alla scrittura,  alla ricerca poetica, narrativa e teatrale.

Info e iscrizioni
miripalm2016@gmail.con

Necessari cuscino personale, tappetino personale e abbigliamento comodo.
Rivolto a tutti.

Numero max di partecipanti: 15

Il laboratorio di vocalità canto teatro condotto da Miriam Palma propone un percorso che mira a trovare una relazione interna tra voce, corpo, emozioni, per creare un’unica entità espressiva, per dare una maggiore consapevolezza ai propri doni (talenti), e avvicinare i partecipanti a quella condizione di creatività indispensabile per l’individuo, modellando la macchina attoriale-cantante.

Miriam Palma cantante, attrice,  ricercatrice e autrice dei suoi spettacoli, si è dedicata fin da giovanissima alla ricerca vocale, studiando diverse tecniche canore praticate nel mondo: canto armonico, emissione di diplo e triplofonie, coltivando l’interesse e la pratica della tradizione canora siciliana-mediorientale e della lirica, dando vita ad un linguaggio espressivo originale, attento all’improvvisazione, alla scrittura,  alla ricerca poetica, narrativa e teatrale.

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Direttore: Andrea Ferrante

Musiche di Zoccatelli Passantino Minafra Scinaldi Shostakovich Visconti Marquez

L’Orchestra Sinfonica Giovanile del Conservatorio “A. Scontrino” di Trapani, diretta da Andrea Ferrante, si distingue per un repertorio che abbraccia tanto la tradizione sinfonica quanto la musica contemporanea. I compositori le cui opere sono eseguite includono V. Zoccatelli, S. Passantino, L. Minafra, S. Scinaldi, C. Galante, M. Visconti e A. Marquez.

Fondata su iniziativa di Andrea Ferrante, professore di Elementi di Composizione per Didattica della Musica e dello Strumento presso il Conservatorio, l’Orchestra è un laboratorio di crescita artistica per i giovani musicisti.

Oltre al repertorio sinfonico classico, l’Orchestra è impegnata nello studio e nell’esecuzione di opere contemporanee, spesso commissionate appositamente. Questa apertura alla nuova musica contribuisce a formare musicisti versatili e aggiornati sulle tendenze attuali.

Dalla sua prima esibizione, l’Orchestra è riconosciuta come una presenza stabile e influente del Conservatorio, ma anche nella comunità locale, rappresentando un punto di riferimento socio-

culturale.

L’Orchestra Sinfonica Giovanile del Conservatorio “A. Scontrino” di Trapani è una realtà in evoluzione, che unisce educazione, innovazione e impegno culturale, consolidando il suo ruolo come fulcro di sviluppo artistico e identità comunitaria.

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voce e percussioni Noa

chitarra Gil Dor

pianoforte Ruslan Sirota 

sassofono e EWI Omri Abramov

batteria Daniel Dor

sound engineer Paulo Vilares   

light designer Gur Ziv

produzione Associazione Catania Jazz

durata 90’

Noa è cantante, autrice delle sue canzoni, poetessa, compositrice, percussionista, attivista per la pace, e madre di tre figli, Ayehli, Enea e Yum. Le radici e la crescita spaziano tra lo Yemen, Israele e gli Stati Uniti. È sotto le armi che Noa comincia a cantare in pubblico, poi decide di iscriversi alla Rimon School di Tel Aviv fondata dal chitarrista Gil Dor. Ha pubblicato più di 15 album internazionali ed è stata ospite dei più importanti palcoscenici del mondo come la Carnegie Hall e la Casa Bianca e si è esibita davanti a tre Papi. È stata accreditata da Pat Metheny e Quincy Jones e ha condiviso la scena con leggende come Stevie Wonder, Andrea Bocelli e Sting. Noa è considerata la voce più importante del dialogo e della coesistenza Israele – Palestina. Tra i tanti riconoscimenti è stata insignita con l’Ordine al merito della Repubblica Italiana, e una delle cariche più importanti Pilgrim of Peace, dall’ordine francescano di Assisi (titolo in precedenza assegnato a Bill Gates e Madre Teresa di Calcutta), e il Christal Award dal Forum economico mondiale. Noa è la prima ambasciatrice di Israele per l’Organizzazione delle Nazioni Unite ed è attiva come membro delle organizzazioni sui diritti e sulla pace in Israele e all’estero. La sua carriera artistica l’ha vista in questi anni collaborare e duettare con artisti del calibro di Santana, Stevie Wonder, Joan Baez, Johnny Clegg, Khaled tra i tanti altri.

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voce e pianoforte

Frida Bollani Magoni

voce e chitarra

Albert Eno

produzione Bubba Music

durata 90’

Dopo il grande successo di critica e pubblico ottenuto nei suoi primi tre tour estivi e nel tour teatrale conclusosi nel febbraio 2024, Frida Bollani Magoni torna ai suoi amati spettacoli dal vivo con un nuovo tour che abbraccia il nostro Paese. Frida Bollani Magoni inizierà il suo viaggio tra le note portando qui, al Segesta Teatro Festival, sia brani inediti sia grandi capolavori riarrangiati per l’occasione per un risultato sempre nuovo, accompagnata da Albert Eno, voce e chitarra. A guidare l’artista, il suo amore sconfinato per la musica protagonista nella sua vita fin da piccolissima e che ha adesso una maturità artistica che non conosce eguali. Un talento unico, in continua crescita ed evoluzione che, nei concerti live, si manifesta in tutta la sua potenza.

Frida Bollani Magoni, figlia d’arte, nasce in Versilia il 18 settembre 2004. Da sempre immersa nel mondo dei suoni e della musica comincia a studiare regolarmente pianoforte classico all’età di 7 anni sotto la guida del maestro Paolo Razzuoli, che le insegna la notazione musicale in Braille. L’esordio live di Frida si è tenuto nel 2020. Frida, talento raro, si è esibita al Quirinale di fronte al Presidente della Repubblica e oltre alla toccante interpretazione dell’Inno nazionale, la giovanissima musicista ha omaggiato Lucio Dalla e Franco Battiato. Nelle date del tour 2021 Frida si è esibita in quasi 30 concerti facendo sempre il tutto esaurito e calcando palchi prestigiosi. Tra le tante collaborazioni, è molto importante quella con Roberto Bolle. Il suo ultimo tour estivo con tappe a Londra, Parigi e Napoli ha registrato il tutto esaurito. A giugno del 2023 edita “Primo Tour”, il suo primo album.

Albert Eno, già voce dei Kismet, avvia il suo progetto solista nel 2018. Oltre ai concerti, Albert Eno inizia la sua attività creativa e compositiva con la pubblicazione nel 2020 del singolo “The Embrace”, scritto durante il lockdown; il brano trae ispirazione dal dipinto di Egon Schiele “L’abbraccio” e da una citazione tratta dal libro “Just Kids” di Patti Smith. Nel 2020 pubblica “Iron Sky”, cover di Paolo Nutini, annunciando l’uscita di “Dark ‘n’ Stormy” pubblicato nel 2021.

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Atto I Damiano Artale

Atto II Monica Montanti

con Giorgia Bevilacqua, Alice Colombo, Giulia Castoro, Anita Amoroso e Ilenia Fontana

coreografie Damiano Artale e Monica Montanti

musiche  J.S. Bach e D. Jaconello

adattamento testi e voce recitante Giampiero Montanti

produzione Mono Dance Company

durata  65’

Lo spettacolo rivisita il testo Dantesco in chiave contemporanea, dalla selva oscura alla realtà moderna, con quelli che sono i nuovi peccati o debolezze umane. Un viaggio immaginario, un Itinerarium mentis in Deum che attraversa i tre regni ultraterreni,  e conduce fino alla visione della Trinità. Una lettura che approda ad un’unica ricerca introspettiva e che restituisce l’idea del rimedio, la cura per arrivare al benessere personale che, in modo resiliente, parte dall’attraversamento della selva oscura che in ognuno di noi si cela e che rappresenta il punto di smarrimento, il luogo in cui affrontare le proprie paure e incertezze  e in cui guardarsi in profondità, esorcizzare i demoni e ritrovarsi, riappropriarsi di se stessi. Forza espressiva, incisività, potenza di immaginazione e rappresentazione, durevolezza nelle sensazioni che provoca…. Tutto questo è DANTESCO.

(Damiano Artale)

La Mono Dance Company, diretta da Monica Montanti, vede il suo primo esordio nel 2021 con lo spettacolo La quinta stagione, coreografato da Damiano Artale e Monica Montanti. La seconda produzione della compagnia Elements è stata presentata nel 2022 alla 74^a stagione dell’Ente Luglio Musicale Trapanese e veicolata in numerosi festival e rassegne coreografiche nazionali.

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progetto speciale MIC 2023

regia Daniele Salvo

drammaturgia Barbara Gizzi

con

Clitemnestra Valeria Cimaglia

Tindaro Massimo Cimaglia

Agamennone Giuseppe Sartori

Leda Elena Polic Greco

Elena Giulia Sanna

voce di Ebalo Ugo Pagliai

coro Guido Bison, Gabriele Crisafulli, Lorenzo Iacuzio, Gianvincenzo Piro, Tommaso Sartori, Damiano Venuto

costumi Daniele Gelsi

disegno Luci Giuseppe Filipponio

elementi scenici Andrea Grisanti

assistente alla regia Matteo Fiori

produzione Terra Magica Arte e Cultura, con il patrocinio di INDA – Istituto Nazionale del Dramma Antico, Institute of Sparta, Soprintendenza Nazionale per il patrimonio Culturale Subacqueo, Istituto per la Storia e l’Archeologia della Magna Grecia

durata 95’

Nella tragedia scritta da Barbara Gizzi, ambientata a Sparta, il gioco del potere calpesta sentimenti e individualità. L’amore deve piegarsi alla ragione di Stato ma con conseguenze terribili e funeste. Personaggi che scavano nel cuore dello spettatore, per la forza dei temi e grazie alla regia visionaria e spettacolare di Daniele Salvo che, con tutti i mezzi espressivi possibili, tocca le corde della più profonda emotività di un testo moderno ma scritto alla maniera dei tragici greci. Un coro di guerrieri, anime inquiete che commentano, in una sorta di danza continua, soffre con la protagonista, la ammonisce, la travolge rievocando le atmosfere delle grandi tragedie e la forza viscerale dell’Iliade.

Barbara Gizzi, drammaturga e docente di Lettere, ha scritto saggi sul teatro del Settecento, in particolare su Goldoni e su Metastasio, e sull’opera lirica. È stata per molti anni critica teatrale per Paese Sera e per Il Tempo, ha diretto riviste specializzate ed è autrice di programmi radiofonici e televisivi per la Rai. 

Daniele Salvo, attore e regista, ha collaborato con Luca Ronconi per quasi 18 anni, come attore, in ruoli di primo piano, assistente alla regia e regista collaboratore. Tra le sue regie più note, Coefore/Eumenidi di Eschilo, Aiace, Edipo Re, Edipo a Colono di Sofocle con Giorgio Albertazzi, con cui ha avviato una lunga collaborazione, e La Pace di Aristofane, tutte al Teatro Greco di Siracusa. Ha inoltre diretto, tra le tante regie, altre opere dei tragici, tra cui Dionysus in Romania, Prometheus di Eschilo, Medea di Euripide, con Franco Branciaroli, e moltissimi altri lavori in Italia e all’estero.

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ore 21.00

ore 21.45

ore 22.30

ore 23.15

Spettacolo scientifico di narrazione dei miti celesti, proiezioni astronomiche ed estemporanea musicale

musica dal vivo e sound art Alfredo Giammanco

voce recitante Marcello Barrale

e gli operatori scientifici del Planetario di Palermo

produzione Anki

durata 40’

Anki, ente che si occupa di divulgazione scientifica a più livelli e che gestisce il Planetario e il Museo astronomico di Palermo, propone uno spettacolo multidisciplinare, in forma di racconto teatrale dedicato alla Via Lattea, con proiezioni in diretta delle reali immagini dei corpi celesti, riprese da uno speciale strumento, e con la narrazione dei relativi miti legati alla costellazione e la descrizione scientifica della stessa condotta da Marcello Barrale, divulgatore scientifico e filosofo della scienza. Il pubblico potrà seguire seduto la proiezione e la spiegazione che sarà accompagnata da musica LIVE ELECTRONICS realizzata dal musicista Alfredo Giammanco, esperto di musica analogica e SOUND ART. Lo spettacolo partirà dalla descrizione della Via Lattea e saranno poi puntati e proiettati in diretta varie tipologie di oggetti di profondo cielo, da nebulose, ad ammassi stellari, sino a galassie lontane. La musica farà da sottofondo alle spettacolari immagini. La lezione spettacolo, che ha registrato nella precedente edizione del Segesta Teatro Festival il tutto esaurito coinvolgendo il pubblico in ogni istante, è un unicum tra narrazione del cielo e proiezioni di cielo virtuale e reale. Quando l’uomo, nel corso dei secoli, ha intuito e scoperto la grandezza dell’universo, il senso di angoscia si è trasformato in continua ricerca e studio nel tentativo di accorciare questo spazio e conoscerlo al meglio. Il percorso divulgativo e spettacolare è un evento unico nel suo genere, una narrazione teatralizzata e musicale dei corpi celesti proiettati in diretta dal telescopio su un maxi schermo con in fondo  la magnificenza del  tempio.

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con

Vincenzo Pirrotta

e Giovanni Calcagno

testo e regia Giovanni Calcagno

consulenza scientifica Luca Peyronel

produzione ERT Emilia Romagna Teatro Fondazione Teatro Nazionale

durata 90’

Nulla permane, Gilgamesh. Nulla. / Costruiamo forse case che durano per sempre? / I nostri giuramenti, le nostre promesse, / sono valevoli per sempre? / La piena di un fiume non dura per sempre. / Persino l’odio, sulla Terra, / non sopravvive per sempre. / Come sciami di mosche stecchite per terra, / di colpo non resta più nulla / di intere moltitudini di esseri umani. / Dormienti e morti, come sono simili.

(frammento del discorso di Utanapishti a Gilgamesh)

Circa due secoli fa, negli scavi della biblioteca di Assurbanipal a Ninive, gli archeologi portarono alla luce una serie di tavolette. Quando fu decifrata la scrittura cuneiforme, esse rivelarono il titolo di un poema: Di colui che vide le profondità e le fondamenta della terra. Si presentò così, Gilgamesh, a noi occidentali. Quando  ebbe una prima traduzione dell’opera, Rilke affermò di non aver letto mai niente di così potente, e più tardi anche Elias Canetti, dopo averne ascoltato alcuni brani recitati da un suo amico attore, manifestò la necessità di confrontarsi con questo testo per tutta la vita. Gilgamesh è  il più antico poema a noi conosciuto.  È la storia di un re che, dopo aver sperimentato sulla propria pelle il dolore per la morte del suo migliore amico, lascia il suo trono e gli agi di corte per andare alla ricerca della vita eterna e della verità sulla caducità dell’esistenza umana. Questa narrazione dell’epopea di Gilgamesh eseguita da Vincenzo Pirrotta e Giovanni Calcagno è basata su un testo di Giovanni Calcagno pubblicato da Mesogea. Nel solco dei narratori più antichi che hanno raccontato per secoli le vicende del leggendario re della prima città del mondo, la regia ha curato una versione arcaica di questo spettacolo, affidata cioè solo alle voci, al corpo dei narratori, accompagnati dal ritmo dei tamburi e dal suono di cembali e di flauti, uno spartito da suonare ad alta voce, per “togliere la polvere“ da uno dei più grandi tesori della letteratura di tutti i tempi.

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progetto speciale MIC 2023

regia Daniele Salvo

drammaturgia Barbara Gizzi

con

Clitemnestra Valeria Cimaglia

Tindaro Massimo Cimaglia

Agamennone Giuseppe Sartori

Leda Elena Polic Greco

Elena Giulia Sanna

voce di Ebalo Ugo Pagliai

coro Guido Bison, Gabriele Crisafulli, Lorenzo Iacuzio, Gianvincenzo Piro, Tommaso Sartori, Damiano Venuto

costumi Daniele Gelsi

disegno Luci Giuseppe Filipponio

elementi scenici Andrea Grisanti

assistente alla regia Matteo Fiori

produzione Terra Magica Arte e Cultura, con il patrocinio di INDA – Istituto Nazionale del Dramma Antico, Institute of Sparta, Soprintendenza Nazionale per il patrimonio Culturale Subacqueo, Istituto per la Storia e l’Archeologia della Magna Grecia

durata 95’

Nella tragedia scritta da Barbara Gizzi, ambientata a Sparta, il gioco del potere calpesta sentimenti e individualità. L’amore deve piegarsi alla ragione di Stato ma con conseguenze terribili e funeste. Personaggi che scavano nel cuore dello spettatore, per la forza dei temi e grazie alla regia visionaria e spettacolare di Daniele Salvo che, con tutti i mezzi espressivi possibili, tocca le corde della più profonda emotività di un testo moderno ma scritto alla maniera dei tragici greci. Un coro di guerrieri, anime inquiete che commentano, in una sorta di danza continua, soffre con la protagonista, la ammonisce, la travolge rievocando le atmosfere delle grandi tragedie e la forza viscerale dell’Iliade.

Barbara Gizzi, drammaturga e docente di Lettere, ha scritto saggi sul teatro del Settecento, in particolare su Goldoni e su Metastasio, e sull’opera lirica. È stata per molti anni critica teatrale per Paese Sera e per Il Tempo, ha diretto riviste specializzate ed è autrice di programmi radiofonici e televisivi per la Rai. 

Daniele Salvo, attore e regista, ha collaborato con Luca Ronconi per quasi 18 anni, come attore, in ruoli di primo piano, assistente alla regia e regista collaboratore. Tra le sue regie più note, Coefore/Eumenidi di Eschilo, Aiace, Edipo Re, Edipo a Colono di Sofocle con Giorgio Albertazzi, con cui ha avviato una lunga collaborazione, e La Pace di Aristofane, tutte al Teatro Greco di Siracusa. Ha inoltre diretto, tra le tante regie, altre opere dei tragici, tra cui Dionysus in Romania, Prometheus di Eschilo, Medea di Euripide, con Franco Branciaroli, e moltissimi altri lavori in Italia e all’estero.

con Anna Costantino, Matilde Fiore

Info e iscrizioni:
infoessepa@gmail.com

Necessari cuscino personale, penna e abbigliamento comodo.
Rivolto a tutti.

Numero max di partecipanti: 15

L’incontro è sull’uso dei Tarocchi nel Movimento Autentico come veicolo per un viaggio nel profondo. I Tarocchi  sono potenti immagini, simboli che favoriscono un dialogo con le parti più profonde di sé; si  situano in un regno di mezzo tra conscio e inconscio e rispecchiano la nostra situazione psichica. Il Movimento Autentico è una pratica che nasce in America negli anni ‘60 dall’ incontro fra la danzaterapia e la psicologia junghiana. È, in sostanza, una pratica contemplativa, un’ indagine dell’ inconscio e una discesa nel profondo, alla radice divina del nostro essere attraverso il movimento.

Alessandra Luberti, danzatrice, coreografa, danzamovimento terapeuta, insegnante di Metodo Feldenkrais, insegnante di Gyrokinesis, biosonologa, operatrice Reiki e Anna Costantino, psicologa, psicoterapeuta, analista junghiana, e danzatrice butoh, conducono un incontro esperienziale sull’uso dei Tarocchi nel Movimento Autentico come veicolo per un viaggio nel profondo, accompagnato dalla musica del Handpan, strumento a percussione melodico dalle potenti se pur delicate vibrazioni sonore di Matilde Fiore, musicista la cui ricerca attuale è focalizzata sulle frequenze sonore quale strumento per raggiungere armonia fra corpo, mente e spirito.

con Anna Costantino, Matilde Fiore

Info e iscrizioni:
infoessepa@gmail.com

Necessari cuscino personale, penna e abbigliamento comodo.
Rivolto a tutti.

Numero max di partecipanti: 15

L’incontro è sull’uso dei Tarocchi nel Movimento Autentico come veicolo per un viaggio nel profondo. I Tarocchi  sono potenti immagini, simboli che favoriscono un dialogo con le parti più profonde di sé; si  situano in un regno di mezzo tra conscio e inconscio e rispecchiano la nostra situazione psichica. Il Movimento Autentico è una pratica che nasce in America negli anni ‘60 dall’ incontro fra la danzaterapia e la psicologia junghiana. È, in sostanza, una pratica contemplativa, un’ indagine dell’ inconscio e una discesa nel profondo, alla radice divina del nostro essere attraverso il movimento.

Alessandra Luberti, danzatrice, coreografa, danzamovimento terapeuta, insegnante di Metodo Feldenkrais, insegnante di Gyrokinesis, biosonologa, operatrice Reiki e Anna Costantino, psicologa, psicoterapeuta, analista junghiana, e danzatrice butoh, conducono un incontro esperienziale sull’uso dei Tarocchi nel Movimento Autentico come veicolo per un viaggio nel profondo, accompagnato dalla musica del Handpan, strumento a percussione melodico dalle potenti se pur delicate vibrazioni sonore di Matilde Fiore, musicista la cui ricerca attuale è focalizzata sulle frequenze sonore quale strumento per raggiungere armonia fra corpo, mente e spirito.

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Armonie d’Oriente fra teatro, musica e danze sufi

con

Stefania Blandeburgo

Davide Conalghi

musiche dal vivo

Tito Rinesi & Ensemble Dargah

voce, tamburo a cornice, saz

Tito Rinesi

Oud e voce Piero Grassini

Flauto ney René Rashid Scheier

Percussioni e voce Flavio Spotti

Danze persiane e sufi

Grazia Cernuto

Samā, danze sufi Amal Oursana

Nuovo allestimento

durata 90’

produzione Statale 114 – Circuito Latitudini

Il Derviscio di Bukhara è uno spettacolo, che attraverso teatro, musica e danze sufi e persiane, conduce il pubblico fra le magie dell’Oriente e dell’Asia Centrale, alla scoperta della spiritualità dei dervisci, di cui la città di Bukhara fu in vari periodi uno dei centri più importanti. È un incontro fra tradizioni: la spiritualità dell’Asia Centrale, la danza sacra dei dervisci e quelle di più marcata influenza persiana, la musica sufi dell’area ottomano-turca e del vicino Oriente e le narrazioni circolari e rituali dell’Asia. È anche un racconto d’amore: fra i riferimenti e le fonti a cui si ispira lo spettacolo, infatti, vi sono fiabe e poemi orientali, fra cui la storia di “Leyla e Majnun” di Nizami Ganjavi, poeta persiano del XII secolo d.C. Il testo è, inoltre, arricchito dall’inserimento di racconti della tradizione del Sufismo. Il Derviscio di Bukhara può, dunque, essere considerato come la ricerca di un incontro con il piano universale, che avviene mediante la parola, il suono e il movimento. Le armonie musicali e i canti patrimonio dei dervisci accompagnano il sacro rito dello zhikr e il samà (danza sacra) dei dervisci dà la possibilità di scoprire un universo sacro che congiunge il nostro piano con quello Divino. Allo stesso modo, il ritmo della voce completa l’opera in una “circolarità rituale”, propria della tradizione dei cantastorie erranti d’Oriente.

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voce e chitarra Nick the Nightfly

voce Alessandra Mirabella

Riccardo Randisi pianoforte
Giuseppe Urso batteria
Orazio Maugeri sax
Fabio Lannino basso elettrico
produzione Associazione Parla Piano
durata 90’

Nick the Nightfly, scozzese nato a Glasgow, vive in Italia dal 1982. Affermato cantante, chitarrista, e compositore di brani di grande valore artistico, dal 1988 è in onda su Radio Monte Carlo con Monte Carlo Nights, il programma specializzato in musica di qualità, che ha portato in Italia la new age, la fusion, la world music, la musica brasiliana, il jazz, l’acid jazz e negli ultimi anni anche i suoni del nu jazz, il lounge e la chill out. Ha un rapporto privilegiato con la Sicilia, e avendo sposato una palermitana, lui stesso si definisce siculo scozzese. Con lui un quartetto residente in Sicilia che lo accompagna, basato su una ritmica piano basso e batteria ed un fiato. Il rapporto ultraventennale di amicizia e collaborazione con Fabio Lannino (che ha prodotto i suoi spettacoli con le orchestre del Teatro Massimo di Palermo, con l’Orchestra Sinfonica Siciliana, con l’orchestra Jazz del Brass Group) è un’ulteriore radice in Sicilia. Tra le sue collaborazioni: Sting, Pat Metheny, Peter Gabriel, Ryuichi Sakamoto, Herbie Hancock, Miriam Makeba, Caetano Veloso, Enya, Donald Fagen, Pino Daniele, Annie Lennox e molti altri. Si esibisce in concerto in tutta Italia con la sua The Nightfly Orchestra e ha partecipato ai più importanti festival, da Umbria Jazz al Bolzano Jazz Festival. Con il suo 5tet ha inciso il cd Nice One e B-Yourself, con la partecipazione speciale di Incognito, Fabrizio Bosso, Paula Morelenbaum. Dal 2003 Nick è direttore artistico del Blue Note Milano, il tempio milanese del jazz, punto di riferimento della musica di qualità. Nel suo spettacolo dal vivo intrattiene il pubblico come pochi altri “coroner”, sia con una scelta di brani che spaziano dal pop raffinato dei brani di Burt Bacharach e Sting, così come citazioni di brani storici del jazz, sempre preziosi e mai autocelebrativi. Il concerto del Segesta Teatro Festival sarà aperto dalla cantante jazz Alessandra Mirabella.

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musica Igor Stravinskij

libretto Charles Ferdinand Ramuz

voce, adattamento scenico e regia Mimmo Cuticchio

manianti e combattenti Giacomo Cuticchio, Tania Giordano, Salvino Calatabiano

organico musicale Giacomo Cuticchio Ensemble

scene e costumi Tania Giordano

organizzazione Elisa Puleo

foto in copertina Guido Gaudioso

produzione Compagnia Figli d’Arte Cuticchio

durata 70’

L’Histoire du Soldat, è una nuova creazione dell’Associazione Figli d’Arte Cuticchio, con Mimmo Cuticchio, voce narrante e maniante. Si tratta di una favola che pone a confronto la malefica azione del Diavolo con il candore di un ingenuo Soldato che desidera solamente passare i quindici giorni di licenza con la madre e la fidanzata, nel proprio borgo natio; il giovane porta con sé un vecchio violino, che fa risuonare con passione e sentimento. Sulla via verso casa incontra il demonio travestito da mercante che gli propone di scambiare lo strumento con un prezioso libro, in cui è possibile leggere il futuro del mondo. Nel momento stesso in cui il Soldato accetta lo scambio il maligno entra in possesso della sua esistenza, al punto da fargli perdere la cognizione del tempo, lasciandolo vivere alla stregua di un fantasma. Invano si accosta ai suoi affetti, ma nessuno riesce a vederlo o a sentirlo, neppure la Madre. Mentre si sviluppa il racconto, i pupi mostrano alcune magiche suggestioni. Il pubblico avverte, di volta in volta, lo slancio degli affetti, il bisogno della pace, ma anche il peso degli affanni e, ancora, l’insidia delle tentazioni. Le figurazioni, a vista, rimandano con semplicità ai modi di dire e di agire. Intanto le vibrazioni della voce di Cuticchio e le variazione della sua espressività si intrecciano con le cadenze del “cuntu”, di cui Mimmo è indiscusso maestro, e con il ritmo di un impari combattimento tra il demonio e il misero soldato. Gli opranti tendono a fondere i loro corpi con quelli dei loro personaggi e il tutto si intreccia con il fascino delle musiche dal vivo dell’ensemble diretto dal figlio Giacomo Cuticchio che amplificano la magia di uno spettacolo molto emozionante.

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musica Igor Stravinskij

libretto Charles Ferdinand Ramuz

voce, adattamento scenico e regia Mimmo Cuticchio

manianti e combattenti Giacomo Cuticchio, Tania Giordano, Salvino Calatabiano

organico musicale Giacomo Cuticchio Ensemble

scene e costumi Tania Giordano

organizzazione Elisa Puleo

foto in copertina Guido Gaudioso

produzione Compagnia Figli d’Arte Cuticchio

durata 70’

L’Histoire du Soldat, è una nuova creazione dell’Associazione Figli d’Arte Cuticchio, con Mimmo Cuticchio, voce narrante e maniante. Si tratta di una favola che pone a confronto la malefica azione del Diavolo con il candore di un ingenuo Soldato che desidera solamente passare i quindici giorni di licenza con la madre e la fidanzata, nel proprio borgo natio; il giovane porta con sé un vecchio violino, che fa risuonare con passione e sentimento. Sulla via verso casa incontra il demonio travestito da mercante che gli propone di scambiare lo strumento con un prezioso libro, in cui è possibile leggere il futuro del mondo. Nel momento stesso in cui il Soldato accetta lo scambio il maligno entra in possesso della sua esistenza, al punto da fargli perdere la cognizione del tempo, lasciandolo vivere alla stregua di un fantasma. Invano si accosta ai suoi affetti, ma nessuno riesce a vederlo o a sentirlo, neppure la Madre. Mentre si sviluppa il racconto, i pupi mostrano alcune magiche suggestioni. Il pubblico avverte, di volta in volta, lo slancio degli affetti, il bisogno della pace, ma anche il peso degli affanni e, ancora, l’insidia delle tentazioni. Le figurazioni, a vista, rimandano con semplicità ai modi di dire e di agire. Intanto le vibrazioni della voce di Cuticchio e le variazione della sua espressività si intrecciano con le cadenze del “cuntu”, di cui Mimmo è indiscusso maestro, e con il ritmo di un impari combattimento tra il demonio e il misero soldato. Gli opranti tendono a fondere i loro corpi con quelli dei loro personaggi e il tutto si intreccia con il fascino delle musiche dal vivo dell’ensemble diretto dal figlio Giacomo Cuticchio che amplificano la magia di uno spettacolo molto emozionante.

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Un terribile amore per la guerra

ispirato alla tragedia di Eschilo

drammaturgia Gabriele Vacis e PEM

autore Gabriele Vacis e PEM

con Davide Antenucci, Andrea Caiazzo, Lucia Corna, Pietro Maccabei, Lucia Raffaella Mariani, Eva Meskhi, Erica Nava, Enrica Rebaudo, Edoardo Roti, Letizia Russo, Lorenzo Tombesi, Gabriele Valchera

regia Gabriele Vacis

scenofonia e allestimenti Roberto Tarasco

cura dei cori Enrica Rebaudo

fonico Riccardo Di Gianni

produzione  Compagnia A. Artisti associati Soc. Coop

durata 90’

Dopo la felice esperienza del Prometeo, per Gabriele Vacis, regista e drammaturgo tra i più apprezzati della scena contemporanea e i giovani attori della sua scuola, una nuova prova importante è questa messinscena della mitologia di Tebe sulla saga della stirpe di Edipo, focalizzata sulla possibilità di rappresentare quel sentimento tragico che sembra disperdersi nella chiacchiera quotidiana del nostro presente. E così nella “nuova” versione, sarà la gente di Tebe che assiste e commenta quel che succede, a determinare gli eventi della tragedia: la folla diventa protagonista, quasi un’opinione pubblica che con la sua invadenza onnipresente è capace di volgere in festa, in mercato, ogni evento straordinario, anche il più tragico. Ed è la relazione tra l’uomo e la guerra, sul “terribile amore” dell’essere umano per questa attività (prendendo a prestito le parole dello psicanalista James Hillman) la base su cui viene costruita l’azione scenica dei Sette a Tebe. L’importanza del lavoro con i giovani per il significato del classico e del mito, con le sue ricadute nel contemporaneo, è sempre stata fondamentale per Vacis, e il suo teatro guarda alle nuove generazioni e coinvolge i giovani in modo diretto. In una recente intervista il regista spiega: “Li si lusinga ma non li si ascolta, eppure sono loro che indicano la direzione in cui sta andando il mondo. Il sentimento del tragico per loro non corrisponde con la fine di sè, ma con la fine del pianeta”.

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violino Mauro Carpi

contrabbasso Fabio Crescente

chitarra Michele Ariodante

special guest

clarinetto Nico Gori

durata 75’

Da sempre simbolo per eccellenza della musica ‘colta’, il violino ha in realtà attraversato con la sua voce anche la storia del jazz dimostrando, grazie soprattutto all’indimenticabile arte di Joe Venuti e Stephane Grappelli, di possedere un’anima pienamente ‘swing’. Proprio per rendere omaggio a questi due grandi musicisti e rileggerne il repertorio, il chitarrista romano Michele Ariodante ha dato vita nel 2002, insieme al violinista trapanese Mauro Carpi e al contrabbassista Fabio Crescente, all’Acoustic Swing Trio, una formazione solo corde in cui equilibri sonori acustici e raffinati si fondono con l’energia e il dinamismo del miglior linguaggio jazzistico.

Ariodante e Carpi, entrambi diplomati in conservatorio e da molti anni attivi nell’ambito jazzistico, sono stati scoperti, come duo, da Lino Patruno che li ha spesso ospitati nei suoi dischi. Hanno collaborato con maestri americani del jazz mainstream quali Spiegle Willcox, Evan Christopher ed Andy Stein e sono stati segnalati dalla critica estera come uno dei migliori set del Festival Internazionale di Ascona 2003. Nell’Acoustic Swing Trio è fondamentale la presenza di Fabio Crescente, contrabbassista e bassista tra i migliori in Europa. Nel repertorio del Trio trovano spazio naturalmente i grandi autori delle migliori ‘songs’ americane, da Gershwin a Porter ed Ellington e i celebri duetti violino – chitarra di Joe Venuti ed Eddie Lang che segnarono la nascita, nella seconda metà degli anni venti, del  chamber jazz e che Ariodante e Carpi sono oggi gli unici in Europa a rileggere.

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Un terribile amore per la guerra

ispirato alla tragedia di Eschilo

drammaturgia Gabriele Vacis e PEM

autore Gabriele Vacis e PEM

con Davide Antenucci, Andrea Caiazzo, Lucia Corna, Pietro Maccabei, Lucia Raffaella Mariani, Eva Meskhi, Erica Nava, Enrica Rebaudo, Edoardo Roti, Letizia Russo, Lorenzo Tombesi, Gabriele Valchera

regia Gabriele Vacis

scenofonia e allestimenti Roberto Tarasco

cura dei cori Enrica Rebaudo

fonico Riccardo Di Gianni

produzione  Compagnia A. Artisti associati Soc. Coop

durata 90’

Dopo la felice esperienza del Prometeo, per Gabriele Vacis, regista e drammaturgo tra i più apprezzati della scena contemporanea e i giovani attori della sua scuola, una nuova prova importante è questa messinscena della mitologia di Tebe sulla saga della stirpe di Edipo, focalizzata sulla possibilità di rappresentare quel sentimento tragico che sembra disperdersi nella chiacchiera quotidiana del nostro presente. E così nella “nuova” versione, sarà la gente di Tebe che assiste e commenta quel che succede, a determinare gli eventi della tragedia: la folla diventa protagonista, quasi un’opinione pubblica che con la sua invadenza onnipresente è capace di volgere in festa, in mercato, ogni evento straordinario, anche il più tragico. Ed è la relazione tra l’uomo e la guerra, sul “terribile amore” dell’essere umano per questa attività (prendendo a prestito le parole dello psicanalista James Hillman) la base su cui viene costruita l’azione scenica dei Sette a Tebe. L’importanza del lavoro con i giovani per il significato del classico e del mito, con le sue ricadute nel contemporaneo, è sempre stata fondamentale per Vacis, e il suo teatro guarda alle nuove generazioni e coinvolge i giovani in modo diretto. In una recente intervista il regista spiega: “Li si lusinga ma non li si ascolta, eppure sono loro che indicano la direzione in cui sta andando il mondo. Il sentimento del tragico per loro non corrisponde con la fine di sè, ma con la fine del pianeta”.

con Rosbri Sanfilippo

Info e iscrizioni:
stefanomaltese5@libero.it

Necessari copertina, tappetino personale e abbigliamento comodo

Rivolto a tutti.

Numero max di partecipanti: 15

Lo Yin Yoga restorative è un particolare stile di yoga semplice e intenso adatto a ogni età e a ogni livello di preparazione fisica, incentrato, come suggerisce il nome, sul recupero e il rilassamento, il tutto armonizzato dal suono e dalle vibrazioni delle campane tibetane.

Stefano Maltese istruttore yoga con diploma uisp e operatore olistico di secondo livello CSEN, specializzato in tecniche sonore con le campane tibetane e massaggio sonoro vibrazionale individuale. Importante la sua ricerca delle migliori ed antiche campane durante i viaggi  in India.

Rosbri Sanfilippo insegnante yoga, diplomata presso la scuola triennale Metamorfosys Oriente – Occidente “ di Trieste diretta dalla dottoressa Raffaella Bellen e presso 300h Yoga Alliance International presso la scuola di Maharishi Yoga Peeth di Rishikesh in India.

La sua formazione è con i maestri internazionali  tra cui David Robson, Jelena Vesic, Davin Jones, Cosmin, Gabriella Cella, Iacopo Ceccarelli.

con Rosbri Sanfilippo

Info e iscrizioni:
stefanomaltese5@libero.it

Necessari copertina, tappetino personale e abbigliamento comodo

Rivolto a tutti.

Numero max di partecipanti: 15

Lo Yin Yoga restorative è un particolare stile di yoga semplice e intenso adatto a ogni età e a ogni livello di preparazione fisica, incentrato, come suggerisce il nome, sul recupero e il rilassamento, il tutto armonizzato dal suono e dalle vibrazioni delle campane tibetane.

Stefano Maltese istruttore yoga con diploma uisp e operatore olistico di secondo livello CSEN, specializzato in tecniche sonore con le campane tibetane e massaggio sonoro vibrazionale individuale. Importante la sua ricerca delle migliori ed antiche campane durante i viaggi  in India.

Rosbri Sanfilippo insegnante yoga, diplomata presso la scuola triennale Metamorfosys Oriente – Occidente “ di Trieste diretta dalla dottoressa Raffaella Bellen e presso 300h Yoga Alliance International presso la scuola di Maharishi Yoga Peeth di Rishikesh in India.

La sua formazione è con i maestri internazionali  tra cui David Robson, Jelena Vesic, Davin Jones, Cosmin, Gabriella Cella, Iacopo Ceccarelli.

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dal Barocco al 900 Storico Spagnolo

musica

Prima esecuzione

Under 35

durata 70’

“La chitarra è come una piccola orchestra. Aiuta chi la suona a prendere per mano l’ascoltatore per accompagnarlo alle più alte vette dei sogni.”

Con il progetto che sto portando avanti è mio intendimento condurre l’ascoltatore, anche il più profano, attraverso i 4 periodi artistici della storia della musica sfruttando la teatralità e il coinvolgimento emotivo dell’ascoltatore. Partirò dal barocco ridondante della musica del grande Johann Sebastian Bach sostenuto da un virtuosismo tecnico dell’arte della “FUGA”, passando per il Romanticismo dove vengono esaltati il Sogno, la Passione e la Fantasia. Temi che ormai nell’800 trovano migliore espressione nella musica più che nelle parole. Fine del percorso sarà il 900 storico con i compositori Francisco Tàrrega, Federico Moreno Torroba e Joaquin Turina, i quali furono tra i più importanti pionieri e innovatori del mondo della chitarra classica contemporanea che risposero alla “chiamata alle corde” del M. Andres Segovia, e grazie al loro lavoro possiamo conoscere il ruolo che veste oggi la chitarra classica.

(Claudio Terzo)

Amante dei vari generi musicali, il giovane musicista Claudio Terzo, oltre allo studio del Pianoforte, ha approcciato anche quello della Chitarra Classica. Spronato dagli insegnanti di strumento, ha partecipato giovanissimo sia come solista che come membro di Orchestra conquistando riconoscimenti sia  in ensemble di pianoforte, che in Chitarra Classica. Ha frequentato il Corso di Chitarra Classica al Conservatorio “Scontrino” di Trapani dove, a 16 anni, ha concluso il percorso di Studio Propedeutico con la massima votazione.. Ha frequentato varie MASTER CLASS tenute da Chitarristi di fama come Nello Alessi, Marina Parilli, Bruno Giuffredi, Niccolò Spera.

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Programma

L. van Beethoven – Sonata in do maggiore op. 53

Allegro con brio

Introduzione

Adagio molto

Rondó

Allegretto moderato

Prestissimo

F. Chopin- Notturni op. 48 n. 1 in do minore (Lento , Doppio movimento) n. 2 in fa diesis minore (Andantino, Molto più lento)

F. Chopin -Ballata n. 1 in sol minore op. 23

F. Liszt Mephisto-Walzer n.1 S.514

durata 70’

Giacomo Barraco ha iniziato lo studio di pianoforte all’età di 7 anni a Fermo, sua città natale, e all’età di 9 anni ha sostenuto e superato l’esame per l’ammissione al Conservatorio. Ha studiato, quindi, presso il Conservatorio “G. Rossini” di Pesaro e presso il Conservatorio “G. Braga” di Teramo. Nel 2021 si trasferito con la sua famiglia a Trapani, dove ha studiato con il M° Franco Foderà e ha sostenuto l’esame di ammissione al Corso Accademico di primo livello presso il Conservatorio “A. Scontrino”, divenendo allievo prima del M° Walter Roccaro e poi della Prof.ssa llaria Ganeri. Vincitore di numerosi premi nazionali e internazionali, ha frequentato corsi di perfezionamento e masterclass tenuti dai Maestri Tagliavini, Valente, Belli, Di Bella, Balzani, Canals e Yablonskaya. Parallelamente agli studi accademici in Conservatorio, continua a studiare sotto la guida del M° Walter Roccaro

Considerazioni personali sul programma del concerto:

Ho scelto questo repertorio per evidenziare la straordinaria ricchezza espressiva del pianoforte, strumento per il quale i grandi compositori hanno creato opere capaci di rappresentare contemporaneamente sia l’essenza profonda della propria anima che le più grandi sfide virtuosistiche. Credo non ci sia, per un giovane pianista come me, gioia più grande di condividere con il pubblico la bellezza di questa musica.

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regia e coreografia Francesco Marilungo

con Alice Raffaelli, Barbara Novati, Roberta Racis, Francesca Linnea Ugolini, Vera Di Lecce

musica e vocal coaching

Vera Di Lecce

spazio e luci Gianni Staropoli

costumi Lessico Familiare

foto e video Luca del Pia

produzione Körper Centro di Produzione Nazionale della Danza

coproduzione Fabbrica Europa 

con il sostegno di IntercettAzioni – Centro di Residenza Artistica della Lombardia,

con il supporto di Short Theatre Festival, Fuori Programma Festival, Teatro Akropolis & Dracma Teatro – Progetto CURA, Did Studio, Base Milano, Qenhun

durata 70’

Ne La morte trionfata, Alfonso di Nola descrive il lutto come un insieme di pratiche sociali e processi psichici suscitati dalla morte della persona cara. In passato, la sua dimensione sociale, espressa in un sistema complesso di gesti e lacrime condivise, codici definiti e pratiche rituali, permetteva al singolo di manifestare il dolore con il supporto della comunità. Stuporosa del coreografo Francesco Marilungo, parte da una riflessione sul lutto e sulla privazione della sua dimensione comunitaria. L’aspetto culturale e relazionale è ciò che le cinque figure in scena evocano, alla ricerca di una ritualità fatta di forme di mutuo soccorso, antiche formule magiche, danze tradizionali. La musica, composta da Vera Di Lecce indaga i meccanismi ossessivi della ripetizione per entrare in connessione con le figure in scena, guidandole e facendosi guidare.

Francesco Marilungo frequenta l’Atelier di Teatrodanza presso la Scuola d’Arte Drammatica Paolo Grassi di Milano, e negli anni lavora come performer per diversi artisti tra cui Enzo Cosimi, Antonio Marras, Jonathan Burrows/Matteo Fargion e Alessandro Sciarroni. Parallelamente all’attività di danzatore intraprende un proprio percorso autoriale. Presenta i suoi lavori in diversi festival italiani ricevendo vari riconoscimenti.

Vera Di Lecce, artista pugliese di base a Roma, è una cantante, producer e performer che nasce dalla tradizione e sviluppa un percorso personale di ricerca e sperimentazione. La sua musica è spesso una fusione di sonorità nord europee, orientali e tradizionali.

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voce piano e chitarra Pippo Pollina

batteria Fabrizio Giambanco

basso Mario Rivera

tastiere Gianvito Di Maio

sax e clarinetto Roberto Petroli

chitarre Edoardo Musumeci 

tecnico audio esterno Fortunato d’Agata 

tecnico luci Adriano Miliani

tecnico audio palco Alessio Verzì

management Italia Rambaldo Degli Azzoni Avogadro e Roberta Raia

tour manager Mirella Lampertico

produzione KeySound

durata 95’

Pippo Pollina, cantautore palermitano di nascita e mitteleuropeo d’adozione, arrivato ai 60 anni di età e ai 40 di una straordinaria carriera con 25 album e migliaia di concerti, porta da due anni nel nostro continente questo spettacolo intenso, emozionante e di grande qualità, anche grazie all’accompagnamento di un ensemble di eccellenti strumentisti, il Palermo Acoustic Quintet. Nell’ambito di questo concerto, oltre alle canzoni più recenti, presenti negli ultimi due album, vengono proposte anche alcune fra le più significative del vastissimo canzoniere di Pippo Pollina, da sempre attento alle tematiche sociali, di libertà, contro le guerre, le dittature, le mafie. In scena vi è il racconto in musica delle riflessioni e degli stati d’animo di un poeta intento a narrare sogni, speranze, delusioni, attraverso un repertorio di canzoni di un artista maturo, che continua ad affrontare nuove sfide.

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da Leoncavallo e Pirandello

di e con Roberto Latini

e con Elena Bucci, Ilaria Drago, Savino Paparella, Marcello Sambati

musiche e suono Gianluca Misiti

luci e direzione tecnica Max Mugnai

costumi Rossana Gea Cavallo

regia Roberto Latini

produzione Compagnia Lombardi Tiezzi, La Fabbrica dell’Attore – Teatro Vascello  e con il sostegno del Centro di Residenza della Toscana (Fondazione Armunia Castiglioncello-CapoTrave/Kilowatt Sansepolcro)

durata 80’

Pagliacci all’uscita si presenta mettendo uno accanto all’altro due testi molto diversi: il libretto di Pagliacci di Ruggero Leoncavallo e l’atto unico che Luigi Pirandello definisce “mistero profano”. Due testi distanti, per stile e contenuto, eppure capaci di una comune sensazione che li rende profondamente accostabili; il primo è immerso nel Verismo di fine ‘800, nella trama spietata del delitto d’onore e d’amore, il secondo è una parabola metafisica, quasi filosofica. Sembrano, per struttura e forma, collocabili da una parte all’altra di un ponte ideale, fondamentale per la letteratura teatrale, che a cavallo dei due secoli, riesce a trasformare i percorsi sintattici in prospettive drammaturgiche; uno accanto all’altro, creano un terzo materiale, indipendente, per evocazione e compromissione, in salvo dal malinteso della narrazione e nella disponibilità del contemporaneo o di quel concetto di “drammaturgia” che vanta così tante e nuove prossimità con il linguaggio.

(Roberto Latini)

Roberto Latini è il fondatore di Fortebraccio Teatro, una compagnia teatrale riconosciuta dal Ministero dal 1999, volta alla sperimentazione del contemporaneo, alla riappropriazione dei classici e alla ricerca di una scrittura scenica originale. La compagnia si avvale della collaborazione artistica, oltre che di Latini, di Gianluca Misiti e Max Mugnai. Tra gli altri riconoscimenti, ha ricevuto il Premio Sipario nell’edizione 2011, il Premio Ubu 2014 come Miglior Attore, il Premio della Critica 2015, il Premio Ubu 2017 come Miglior Attore o Performer per lo spettacolo Cantico dei Cantici, felice ospite qui alla prima edizione del Segesta Teatro Festival nel 2022.

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da Leoncavallo e Pirandello

di e con Roberto Latini

e con Elena Bucci, Ilaria Drago, Savino Paparella, Marcello Sambati

musiche e suono Gianluca Misiti

luci e direzione tecnica Max Mugnai

costumi Rossana Gea Cavallo

regia Roberto Latini

produzione Compagnia Lombardi Tiezzi, La Fabbrica dell’Attore – Teatro Vascello  e con il sostegno del Centro di Residenza della Toscana (Fondazione Armunia Castiglioncello-CapoTrave/Kilowatt Sansepolcro)

durata 80’

Pagliacci all’uscita si presenta mettendo uno accanto all’altro due testi molto diversi: il libretto di Pagliacci di Ruggero Leoncavallo e l’atto unico che Luigi Pirandello definisce “mistero profano”. Due testi distanti, per stile e contenuto, eppure capaci di una comune sensazione che li rende profondamente accostabili; il primo è immerso nel Verismo di fine ‘800, nella trama spietata del delitto d’onore e d’amore, il secondo è una parabola metafisica, quasi filosofica. Sembrano, per struttura e forma, collocabili da una parte all’altra di un ponte ideale, fondamentale per la letteratura teatrale, che a cavallo dei due secoli, riesce a trasformare i percorsi sintattici in prospettive drammaturgiche; uno accanto all’altro, creano un terzo materiale, indipendente, per evocazione e compromissione, in salvo dal malinteso della narrazione e nella disponibilità del contemporaneo o di quel concetto di “drammaturgia” che vanta così tante e nuove prossimità con il linguaggio.

(Roberto Latini)

Roberto Latini è il fondatore di Fortebraccio Teatro, una compagnia teatrale riconosciuta dal Ministero dal 1999, volta alla sperimentazione del contemporaneo, alla riappropriazione dei classici e alla ricerca di una scrittura scenica originale. La compagnia si avvale della collaborazione artistica, oltre che di Latini, di Gianluca Misiti e Max Mugnai. Tra gli altri riconoscimenti, ha ricevuto il Premio Sipario nell’edizione 2011, il Premio Ubu 2014 come Miglior Attore, il Premio della Critica 2015, il Premio Ubu 2017 come Miglior Attore o Performer per lo spettacolo Cantico dei Cantici, felice ospite qui alla prima edizione del Segesta Teatro Festival nel 2022.